Au cœur de Paris Police 1910, l’affaire Steinheil sert de fil rouge à une enquête aussi trouble que fascinante. Lorsque Marguerite Steinheil est retrouvée ligotée dans son lit, tandis que son mari et sa mère sont assassinés dans la pièce voisine, tout semble désigner une victime miraculeuse. Mais très vite, les soupçons se retournent contre elle. Chargé de l’enquête, l’inspecteur Jouin plonge dans un labyrinthe de mensonges, où s’entremêlent secrets intimes, intérêts politiques et manipulations médiatiques. À mesure que l’affaire prend une ampleur nationale, chacun tente de contrôler le récit — police, pouvoir et presse — transformant ce double meurtre en un véritable feuilleton public, où la vérité devient aussi insaisissable que dangereuse.

Créée par Fabien Nury, déjà derrière Paris Police 1900, la série repose autant sur son intrigue criminelle que sur la richesse de ses personnages, tous pris dans une toile d’intérêts contradictoires.

Inspirée d’un fait divers réel, la série met en lumière une société profondément marquée par la misogynie. Comme l’explique son créateur, l’affaire Steinheil révèle à quel point Marguerite Steinheil était la coupable idéale aux yeux de tous. Déjà connue pour avoir été la maîtresse du président Félix Faure, “Meg” cristallise les fantasmes et devient le centre d’un scandale où la vérité importe parfois moins que le récit que l’on en fait. Cette saison se construit ainsi comme le récit de sa revanche sur le patriarcat de l’époque.

Mais Paris Police 1910 ne se limite pas à son intrigue criminelle. Elle explore aussi l’emballement médiatique autour de l’affaire, transformée en véritable feuilleton populaire. Le rôle de la presse — notamment celui du journal Le Matin — devient central, entre rivalité avec la Préfecture et influence sur l’opinion publique. À travers cette mécanique, la série interroge la manière dont une affaire judiciaire peut être façonnée, amplifiée, voire déformée, jusqu’à devenir un spectacle.

Au centre de l’enquête, Antoine Jouin, incarné par Jérémie Laheurte (Maroni), n’a plus rien de l’inspecteur idéaliste de ses débuts. Désormais partagé entre sa vie de famille et sa relation avec Jeanne Chauvin, il se retrouve face à un dilemme moral majeur : rester fidèle à son ami Fiersi ou suivre les ordres du redoutable Cochefert. Une tension intérieure qui reflète parfaitement les compromis de cette époque.

Face à lui, Marguerite Steinheil, interprétée par Evelyne Brochu (Orphan Black), est sans doute le personnage le plus fascinant. D’abord perçue comme une victime miraculée après le meurtre de son mari et de sa mère, elle devient rapidement la suspecte idéale. Ambiguë, insaisissable, elle incarne à elle seule les fantasmes et la misogynie de la société de la Belle Époque.

Joseph Fiersi, joué par Thibaut Evrard (Les Sentinelles), offre un contrepoint troublant. Ancien de la préfecture, il mène désormais une double vie sous couvert d’un commerce respectable, entraînant même son fils dans ses activités illégales. Sa relation avec Jouin ajoute une dimension émotionnelle forte à l’intrigue.

Le préfet Louis Lépine, incarné par Marc Barbé (Section Zéro), apparaît comme une figure politique sur le déclin. Pris dans le scandale Steinheil — dont Meg est à la fois la maîtresse et l’informatrice — il voit sa réputation menacée, révélant les fragilités du pouvoir.

Dans ce jeu d’influence, Jeanne Chauvin, interprétée par Eugénie Derouand (Anaon), tente de saisir sa chance. Première femme avocate en France, elle voit dans cette affaire une opportunité unique… au risque d’y perdre bien plus que sa carrière.

Enfin, Cochefert, incarné par Alexandre Trocki (Paris Police 1900), dirige la Brigade Criminelle avec autorité. Convaincu de la culpabilité de Steinheil, il doit pourtant composer avec une hiérarchie prête à manipuler la vérité pour protéger ses propres intérêts.

À travers ces trajectoires entremêlées, Paris Police 1910 déploie une galerie de personnages complexes, où chacun navigue entre loyauté, ambition et survie. Les amateurs de grandes fresques chorales pourront y retrouver l’intensité de séries comme Babylon Berlin ou Peaky Blinders, où les destins individuels se heurtent à la grande Histoire.

Entre drames intimes et enjeux politiques, Paris Police 1910 confirme son ambition de raconter une époque à travers ses figures les plus marquantes, à découvrir dès le 27 avril 2026 sur CANAL+ et sur l’app CANAL+.

Après le succès du téléfilm diffusé en février 2025 sur France 2 et france.tv — qui avait réuni 4,3 millions de téléspectateurs — la fiction se décline désormais en série. Un changement de format qui permet d’explorer davantage les personnages et d’installer une intrigue au long cours, tout en conservant ce ton mêlant polar et comédie estivale.

Au cœur de l’histoire, Alex Cerutti, incarné par Vinnie Dargaud, débarque à Biarritz en renfort pour la haute saison. Ancien GO au Club Med, flic de la PJ parisienne, il semble aussi à l’aise sur une piste de danse que sur une scène de crime. Mais derrière cette façade légère se cache une quête bien plus personnelle : retrouver son frère disparu, quitte à franchir certaines limites.

À ses côtés, Joséphine Draï incarne Lisa, partenaire de terrain au caractère bien trempé. Ensemble, ils composent une brigade aussi atypique qu’attachante, épaulés par Jean-François Cayrey, Paul Scarfoglio, Lily Nambininsoa ou encore Antoine Duléry. Une équipe venue des quatre coins de la France, contrainte de cohabiter dans un club de vacances, entre barbecues, tensions et enquêtes.

Car ici, l’été ne rime clairement pas avec repos. Parapente saboté, nudiste étranglé, joueurs de pétanque suspects… les affaires s’enchaînent à un rythme effréné, transformant la carte postale basque en véritable terrain de jeu criminel. Ce contraste entre décor idyllique et faits divers sombres rappelle des séries comme Candice Renoir ou Section de recherches, tout en y ajoutant une touche de légèreté et d’humour très estivale.

Mais Haute saison ne se contente pas d’enchaîner les enquêtes : une tension plus profonde s’installe avec l’arrivée d’un juge d’instruction qui connaît bien Cerutti. Une relation passée, des méthodes opposées et une guerre d’ego qui promet de faire des étincelles tout au long de la saison.

Portée par son casting solide et son décor ensoleillé, la série joue habilement sur les contrastes : entre vacances et crimes, humour et drame, collectif et enjeux personnels. Une recette efficace qui devrait séduire les amateurs de polars français… comme ceux en quête d’une série à savourer sous le soleil.

Entre sable chaud et affaires brûlantes, Haute saison, saison 1, s’impose comme le rendez-vous polar de ce printemps, à découvrir dès le 24 avril sur france.tv, puis prochainement sur France 2.

Bonne nouvelle pour celles et ceux qui souhaiteraient découvrir la série : Disney+ lance une offre spéciale permettant de profiter de la plateforme à partir de 4,99€ par mois pendant 3 mois, valable jusqu’au 6 mai 2026. Une occasion idéale pour plonger dans The Testaments et explorer les nombreuses séries disponibles au catalogue. Plusieurs nouveautés ont récemment rejoint la plateforme, comme Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette de FX (disponible – depuis le 13 février); Lucky Luke (disponible – depuis le 23 mars) ou encore Malcolm : Rien n’a changé (disponible – depuis le 10 avril).

Ces nouveautés rejoignent de récents blockbusters et séries acclamées par la critique, notamment : The Beauty de FX, Wonder Man de Marvel Television ou encore A Thousand Blows, saison 2.

Contenu en partenariat avec Disney+

Offre valable jusqu’au 06/05/26, réservée aux nouveaux abonnés et anciens utilisateurs éligibles de 18 ans et plus. Après 3 mois, renouvellement automatique au tarif en vigueur (actuellement 6,99€ avec pub, 10,99€ Standard, 15,99€ Premium). Voir conditions sur DisneyPlus.com.

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Article du 10 avril :

Disponible depuis le 8 avril 2026 sur Disney+, The Testaments s’inscrit comme une nouvelle fiction ambitieuse portée par l’univers imaginé par Margaret Atwood.

Pensée de longue date par le créateur Bruce Miller et le producteur Warren Littlefield, la série prend place dans une société autoritaire où les règles strictes façonnent chaque destin. Dès ses débuts, le projet a été développé en lien étroit avec Margaret Atwood, permettant d’installer un récit solide et cohérent, centré sur une nouvelle génération de personnages.

Au cœur de l’intrigue, deux adolescentes que tout oppose : Agnes, issue d’un milieu privilégié au sein du régime, et Daisy, une jeune femme venue de l’extérieur. Leur parcours les mène toutes deux à fréquenter une institution chargée de former les futures épouses, révélant peu à peu les rouages d’un système aussi structuré qu’inquiétant.

Dès le premier épisode, The Testaments installe une ambiance différente. Plus colorée, presque trompeusement lumineuse, elle contraste avec la noirceur de The Handmaid’s Tale. Mais derrière cette façade se cache toujours la même mécanique d’oppression. Ce choix esthétique n’est pas anodin : il reflète le regard de personnages qui n’ont connu que ce monde et en perçoivent encore les illusions.

Présentée en avant-première au Séries Mania 2026, la série a marqué par cette évolution de ton, mais aussi par son casting. Chase Infiniti, remarquée dans Presumed Innocent, et Lucy Halliday, véritable révélation, portent cette nouvelle génération de personnages. Leur alchimie donne vie à une dynamique plus adolescente, parfois teintée d’humour, sans jamais atténuer la gravité du propos.

Au-delà de son intrigue, The Testaments reste profondément ancrée dans son époque. La série continue d’interroger les dérives du pouvoir et la place des femmes dans la société. Mais elle introduit aussi une note d’espoir : celle d’une jeunesse capable de remettre en cause l’ordre établi. Une évolution qui rapproche la série d’autres dystopies modernes comme Years and Years ou Black Mirror, tout en conservant son identité propre.

Deux jours après sa mise en ligne, The Testaments s’impose déjà comme une série à suivre de près. Entre tension, mystère et regard sur la jeunesse, elle propose une plongée captivante dans un monde où chaque choix peut devenir un acte de résistance et confirme que Gilead n’a pas encore livré tous ses secrets. Une série à découvrir dès maintenant sur Disney+, où elle est disponible depuis le 8 avril 2026.

À noter que, tout au long du mois d’avril, l’intégralité de The Handmaid’s Tale est également disponible sur Disney+, offrant aux spectateurs l’opportunité de (re)découvrir cet univers dans son ensemble.

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Cette édition 2026 a également compté BetaSeries parmi les partenaires officiels du festival, confirmant l’intérêt croissant de l’industrie des séries pour les mutations créatives portées par l’intelligence artificielle. À cette occasion, BetaSeries a animé un Pro Talk consacré à l’avenir de l’IA et de la création, autour des nouvelles opportunités offertes aux auteurs, producteurs et plateformes : accélération des processus créatifs, émergence de nouveaux formats, personnalisation des expériences et redéfinition des usages du divertissement. Une présence naturelle pour BetaSeries, au carrefour de l’innovation et de la culture séries.

La France en tête du palmarès

Avec cinq récompenses, la France s’impose comme la grande gagnante de cette édition. Parmi les distinctions majeures :

• Meilleur film d’animation IA : La Sélection mécanique, de Jules Blachier
• Meilleur long métrage IA : Napoléon III, le prix de l’audace, d’Edouard Jacques
• Meilleur film publicitaire IA : Life Is About the Ride, d’Aurélien Bigot
• Meilleur premier film IA : Another Detail, de Denis Larzillière
• Meilleur film jeunesse IA : RendAI-vous, de Marius Doicov
• Prix de la presse : La Tisseuse d’ombre, d’Anne Horel

Une performance qui confirme la vitalité de la création française sur les nouveaux formats audiovisuels dopés à l’IA.

Costa Verde sacré meilleur film du festival

Le grand prix du Meilleur film WAIFF 2026 a été attribué à Costa Verde, du réalisateur britannique Léo Cannone. Le film repart également avec le prix du Meilleur film de fantasy IA, signant un doublé remarqué.

Le palmarès international complet

Le festival a également récompensé des créations venues du monde entier :

• Meilleur film d’action IA : A Dollar Story, de Sheng Qiu (Chine)
• Meilleur film d’émotion IA : The Beginning, de Ibraheem Diab (Jordanie)
• Meilleure micro-série IA : Devoured, de Lee Eun Young et Heui Song (Corée du Sud)
• Meilleur film du 8e art : Present, de Dario Cirrincione (Suisse)
• Prix CapCut : Apocalypse, de Nyko Oliver (Brésil)
• Meilleure BO IA : Steam, de Fabio Bonvicini (Italie)

L’IA, nouveau terrain d’expérimentation des séries ?

Si le WAIFF met avant tout en lumière le cinéma, plusieurs catégories — comme la micro-série IA — montrent que les formats sériels sont déjà concernés. Entre création visuelle accélérée, nouvelles écritures interactives et production allégée, l’intelligence artificielle pourrait rapidement devenir un outil central pour les créateurs de séries.

Reste une question : assistera-t-on bientôt à l’émergence de la première grande série IA capable de rivaliser avec les productions traditionnelles ?

Plus d’informations sur le festival : World AI Film Festival

Un festival international au cœur de la création

Pour cette édition 2026, le WAiFF change clairement d’échelle et s’affirme comme une plateforme internationale en mouvement, pensée comme un véritable parcours international jusqu’à Cannes. Avant la grande finale sur la Croisette, le festival a déployé plusieurs étapes à travers le monde : São Paulo, Séoul, Kyoto, puis Pékin. À chaque escale, des jurys locaux ont distingué des œuvres créées avec l’intelligence artificielle, qui viennent ensuite nourrir la sélection internationale présentée à Cannes. Près de 5 500 films reçus, issus de plus de 80 pays, pour une sélection finale resserrée autour de plusieurs centaines d’œuvres.

Les 21 et 22 avril, c’est au Palais des Festivals et des Congrès de Cannes que se jouera l’ultime étape, avec notamment deux grandes soirées officielles : une première dédiée aux films issus des éditions internationales, une seconde soirée de clôture célébrant les meilleures créations IA du monde entier.

Sur place, les festivaliers pourront assister à une programmation riche et immersive : projections des films sélectionnés venus du monde entier, cérémonie de remise des prix, mais aussi conférences, tables rondes et Pro Talks avec des professionnels du cinéma et de la tech. C’est l’occasion d’échanger avec des créateurs, de découvrir en avant-première des œuvres innovantes mêlant IA et narration, et de mieux comprendre comment se fabrique le cinéma de demain.

Un casting prestigieux pour penser le cinéma de demain

Pour incarner cette dimension internationale, le WAiFF 2026 s’entoure de grandes figures du cinéma : Gong Li, présidente du festival, Claude Lelouch, président honoraire, Agnès Jaoui, présidente du jury. Icône du cinéma chinois, Gong Li symbolise parfaitement l’ambition du festival : créer un pont entre les cultures, les industries et les imaginaires. Côté rencontres, les Pro Talks réuniront de nombreux intervenants, dont Mathieu Kassovitz, pour échanger sur les mutations profondes de l’industrie et les nouveaux modèles créatifs liés à l’IA.

L’IA, partenaire créative

Ici, pas question de remplacer les artistes. Le WAiFF défend une vision claire : l’intelligence artificielle comme partenaire créative, capable d’ouvrir de nouveaux horizons narratifs. Du court au long métrage, le festival explore comment ces outils transforment une idée en œuvre cinématographique. Écriture, réalisation, montage, musique… l’IA devient un prolongement de l’imagination humaine.

Que vous soyez passionné de cinéma, curieux des nouvelles technologies ou simplement en quête de nouvelles expériences, le WAiFF est une occasion unique de découvrir des films inédits, d’échanger avec des professionnels et de plonger dans l’avenir du cinéma. Rendez-vous les 21 et 22 avril 2026 à Cannes !

Retrouvez toute la programmation du festival et les modalités de participation sur le site officiel du WAiFF.

cette mini-série britannique de quatre épisodes s’inspire du livre autobiographique Living with a serial killer de Delia Balmer. Écrite par Nick Stevens et réalisée par Julia Ford, elle s’inscrit dans la lignée des thrillers psychologiques les plus marquants de ces dernières années.

L’histoire débute en 1991, dans un bar londonien. Delia Balmer, infirmière solitaire, y rencontre John Sweeney, un homme charismatique mais mystérieux. Très vite, la relation bascule dans une spirale d’emprise et de violence. Ce qui aurait pu rester une rencontre anodine devient un véritable cauchemar, au cœur duquel Delia va devoir lutter pour survivre.

Portée par une performance saisissante de Anna Maxwell Martin — récompensée aux International Emmy Awards pour ce rôle — la série évite les clichés du genre pour livrer un portrait brut et profondément humain d’une victime. Face à elle, Shaun Evans (connu notamment pour la série Endeavour / Les enquêtes de Morse) incarne un antagoniste aussi inquiétant que crédible, renforçant la tension constante qui traverse les quatre épisodes.

Mais Until I Kill You ne se contente pas de raconter une histoire de tueur en série. La série met aussi en lumière les failles du système judiciaire et policier face aux violences faites aux femmes, un angle qui la rapproche de productions comme Des ou The Fall, où l’intime et le sociétal s’entremêlent pour mieux questionner notre rapport à ces crimes.

Dans la filmographie de Anna Maxwell Martin, déjà remarquée dans Motherland, ce rôle marque un tournant par son intensité et sa gravité. Une prestation qui confirme son talent pour incarner des personnages complexes, entre fragilité et résilience.

Mini-série courte mais percutante, Until I Kill You s’impose comme un thriller psychologique dense, porté par une mise en scène sobre et une tension qui ne faiblit jamais. Une œuvre difficile, parfois éprouvante, mais essentielle.

La série Until I Kill You est à découvrir en exclusivité sur Polar+ dès le 13 avril 2026, avec deux épisodes chaque lundi à 20h55, et disponible en intégralité sur l’app Canal+ dès sa mise en ligne.

Portée par Zendaya, également vue dans Dune ou Spider-Man: No Way Home, la série continue de suivre Rue, une jeune femme en proie à ses addictions, tentant tant bien que mal de trouver un équilibre dans un monde où tout semble exacerbé. À ses côtés, on retrouve Hunter Schafer (aperçue dans The Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes), Jacob Elordi (Frankenstein, Saltburn), ou encore Sydney Sweeney, également remarquée dans The White Lotus.

Depuis ses débuts, Euphoria s’est imposée comme une œuvre à part, mêlant esthétique léchée, narration fragmentée et thématiques frontalement abordées : addiction, sexualité, identité, violence… Cette nouvelle saison devrait poursuivre dans cette veine, tout en faisant évoluer ses personnages vers une maturité (ou une chute) encore plus marquée.

Si vous avez été happé par des séries comme Skins pour son regard cru sur la jeunesse, ou 13 Reasons Why pour ses thématiques sombres, Euphoria reste une expérience encore plus sensorielle et radicale.

Toujours aussi marquante visuellement — avec ses jeux de lumière hypnotiques et sa bande-son signature — la série créée par Sam Levinson continue de capturer l’air du temps, quitte à déranger.

SPOILER — retour sur la saison 2

Quatre ans plus tôt, la saison 2 de Euphoria repoussait déjà ses propres limites en multipliant les trahisons et les situations extrêmes. Rue replongeait dans ses addictions aux côtés d’Elliot, tout en tentant de cacher sa rechute à Jules, jusqu’à faire imploser leur relation.

Dans le même temps, un triangle amoureux explosif se formait entre Maddy, Nate et Cassie, détruisant peu à peu leur amitié.

Le rapprochement entre Fez et Lexie, la pièce de théâtre de cette dernière, ou encore les tourments de Cal venaient compléter une saison dense… qui laissait pourtant de nombreuses questions en suspens, notamment sur l’avenir de Rue et les relations entre les personnages.

Avec un saut dans le temps et des intrigues désormais éclatées, cette saison 3 devra répondre à ces interrogations tout en réinventant sa formule.

Euphoria saison 3 est disponible dès le 13 avril 2026 sur HBO Max avec Canal+. Une nouvelle ère pour la série, entre maturité, risques… et perte d’innocence.

Alors que la diffusion hebdomadaire vient de s’achever, Un Prophète peut désormais se découvrir en intégralité. L’occasion idéale pour s’immerger pleinement dans cette fresque criminelle, dont la réception s’est construite au fil des semaines. Si les premiers épisodes ont intrigué par leur approche plus posée et leur volonté d’installer les enjeux, la série a su convaincre sur la durée, avec une montée en puissance saluée par le public.

Article du 2 mars 2026 :

Présentée à la Mostra de Venise où elle a reçu un accueil enthousiaste, la série s’attaque à un monument du cinéma français : le film de Jacques Audiard, Grand Prix du Jury à Cannes en 2009 et multi-césarisé en 2010. Mais il ne s’agit ni d’un simple remake, ni d’une relecture nostalgique. Les scénaristes Abdel Raouf Dafri (Mesrine : L’Instinct de mort, Alger Confidentiel) et Nicolas Peufaillit (Les Orphelins, Les Enfants de Timpelbach), déjà à l’œuvre sur le long métrage, proposent ici une variation contemporaine sur la violence sociale et le racisme, en interrogeant frontalement la France des années 2020.

Le nouveau Malik n’est plus un jeune homme d’origine maghrébine comme dans le film, mais un Mahorais déraciné, arrivé en métropole comme mule malgré lui. Après avoir miraculeusement survécu à l’effondrement d’un immeuble à Marseille, il est incarcéré aux Baumettes. Frêle, isolé, sans repères, il doit rapidement comprendre les règles d’un univers où la hiérarchie s’impose par la force. Ce parcours initiatique, incarné avec intensité par Mamadou Sidibé, constitue le cœur battant de la série : observer, apprendre, encaisser, frapper au bon moment. L’ascension de Malik devient celle d’un homme façonné par l’enfermement, jusqu’à devenir une figure presque prophétique pour les siens.

Face à lui, Massoud Djebbari, interprété par Sami Bouajila (Braqueurs, Les Papillons noirs) incarne une autre facette du pouvoir. Homme d’affaires influent, enrichi grâce à ses réseaux politiques et au trafic de drogue, il se retrouve fragilisé par le scandale de l’effondrement d’un de ses immeubles. Contraint d’accepter un séjour en prison dans le cadre d’un arrangement politique, il découvre que les murs des Baumettes ne protègent personne. À son arrivée, un chantage menace son empire. Le rapport entre Massoud et Malik, oscillant entre mentorat, manipulation et défiance, structure la tension dramatique de la série.

La série prend le temps d’installer ses rapports de force et ses personnages, avant de déployer toute son ampleur. La tension et la violence montent progressivement en crescendo, les épisodes gagnant en densité et en intensité à mesure que les enjeux s’élargissent. Ce qui se joue derrière les barreaux finit par contaminer la ville entière : rivalités dans les cités marseillaises, alliances fragiles, ambitions politiques et économiques. Chaque personnage voit son destin accélérer, pris dans une mécanique qui dépasse les murs de la prison.

Sous la réalisation d’Enrico Maria Artale, l’approche reste résolument cinématographique. Marseille devient un personnage à part entière, ville de brassage et de fractures où se croisent pouvoir institutionnel et économie parallèle. La prison, microcosme exacerbé de la société, agit comme un révélateur des tensions identitaires contemporaines. À mesure que Malik obtient une liberté conditionnelle et s’immerge dans les cités, la série bascule vers une fresque criminelle plus large, sans jamais perdre de vue l’intime.

Dans la lignée de séries comme Gomorra ou Oz, Un Prophète assume sa noirceur et son ambition romanesque. Mais elle s’ancre profondément dans le contexte français, proposant une radiographie sociale des années 2020 marquées par les fractures et la quête de reconnaissance.

Nous avons eu l’occasion d’échanger avec les deux auteurs, Abdel Raouf Dafri et Nicolas Peufaillit, ainsi qu’avec Sami Bouajila. Leurs interviews exclusives sont à retrouver en bas de l’article pour prolonger la réflexion autour de cette adaptation ambitieuse.

Fresque carcérale et thriller urbain, Un Prophète est diffusée en exclusivité sur CANAL+ à partir du 2 mars 2026, chaque lundi à 21h00 avec deux épisodes pour le lancement puis un par soirée, et disponible sur l’app CANAL+.

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Disponible depuis le 8 avril 2026 sur Disney+, The Testaments s’inscrit comme une nouvelle fiction ambitieuse portée par l’univers imaginé par Margaret Atwood.

Pensée de longue date par le créateur Bruce Miller et le producteur Warren Littlefield, la série prend place dans une société autoritaire où les règles strictes façonnent chaque destin. Dès ses débuts, le projet a été développé en lien étroit avec Margaret Atwood, permettant d’installer un récit solide et cohérent, centré sur une nouvelle génération de personnages.

Au cœur de l’intrigue, deux adolescentes que tout oppose : Agnes, issue d’un milieu privilégié au sein du régime, et Daisy, une jeune femme venue de l’extérieur. Leur parcours les mène toutes deux à fréquenter une institution chargée de former les futures épouses, révélant peu à peu les rouages d’un système aussi structuré qu’inquiétant.

Dès le premier épisode, The Testaments installe une ambiance différente. Plus colorée, presque trompeusement lumineuse, elle contraste avec la noirceur de The Handmaid’s Tale. Mais derrière cette façade se cache toujours la même mécanique d’oppression. Ce choix esthétique n’est pas anodin : il reflète le regard de personnages qui n’ont connu que ce monde et en perçoivent encore les illusions.

Présentée en avant-première au Séries Mania 2026, la série a marqué par cette évolution de ton, mais aussi par son casting. Chase Infiniti, remarquée dans Presumed Innocent, et Lucy Halliday, véritable révélation, portent cette nouvelle génération de personnages. Leur alchimie donne vie à une dynamique plus adolescente, parfois teintée d’humour, sans jamais atténuer la gravité du propos.

Au-delà de son intrigue, The Testaments reste profondément ancrée dans son époque. La série continue d’interroger les dérives du pouvoir et la place des femmes dans la société. Mais elle introduit aussi une note d’espoir : celle d’une jeunesse capable de remettre en cause l’ordre établi. Une évolution qui rapproche la série d’autres dystopies modernes comme Years and Years ou Black Mirror, tout en conservant son identité propre.

Deux jours après sa mise en ligne, The Testaments s’impose déjà comme une série à suivre de près. Entre tension, mystère et regard sur la jeunesse, elle propose une plongée captivante dans un monde où chaque choix peut devenir un acte de résistance et confirme que Gilead n’a pas encore livré tous ses secrets. Une série à découvrir dès maintenant sur Disney+, où elle est disponible depuis le 8 avril 2026.

À noter que, tout au long du mois d’avril, l’intégralité de The Handmaid’s Tale est également disponible sur Disney+, offrant aux spectateurs l’opportunité de (re)découvrir cet univers dans son ensemble.

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Un Grand Prix japonais qui fait l’unanimité

C’est DISASTER de Yutaro Seki et Kentaro Hirase (Japon) qui repart avec le Grand Prix, confirmant l’attrait du festival pour des récits intenses et sans concession. Le film décroche également le Prix Police, preuve de son réalisme et de sa capacité à plonger au cœur des mécanismes du crime.

Avec son atmosphère oppressante et son regard acéré sur la société, DISASTER s’inscrit dans la lignée de thrillers marquants que les amateurs de séries comme Tokyo Vice ou Giri/Haji ne manqueront pas d’apprécier.

Winter of the Crow, l’autre grand gagnant

Autre grand nom de ce palmarès, WINTER OF THE CROW de Kasia Adamik (Pologne, Royaume-Uni & Luxembourg) remporte à la fois le Prix du Jury et le Prix de la Critique. Un doublé qui souligne la force de son écriture et la singularité de sa mise en scène.

Entre tension psychologique et ambiance glaciale, le film évoque les grandes réussites du polar européen, dans la veine de The Bridge ou Broadchurch, où chaque détail compte et où les silences sont aussi lourds que les révélations.

Un public conquis et une nouvelle génération mise en lumière

Le public a, lui, choisi de récompenser RED CODE BLUE de Oskars Rupenheits (Lettonie), confirmant l’impact émotionnel de ce thriller auprès des spectateurs.

Du côté des talents émergents, le Prix Sang Neuf distingue FATHER de Tereza Nvotová (Slovaquie, République tchèque & Pologne), tandis que le Jury Jeunes de la Région Grand Est a récompensé GROWING DOWN de Bálint Dániel Sós (Hongrie). Deux films qui témoignent du renouvellement constant du genre et de la capacité du polar à se réinventer à travers de nouvelles voix.

Reims Polar, plus que jamais incontournable

Avec ce palmarès 2026, Reims Polar confirme son statut de rendez-vous majeur pour les passionnés de polar. Entre œuvres confirmées et nouvelles signatures, le festival continue de faire dialoguer cinéma et séries, offrant une vision riche et internationale du genre.

Alors que le festival s’est tenu du 31 mars au 5 avril 2026 à Reims, cette édition rappelle que le polar, qu’il soit sur grand ou petit écran, reste l’un des terrains les plus fertiles pour raconter nos peurs, nos obsessions… et nos vérités.