Un Grand Prix japonais qui fait l’unanimité

C’est DISASTER de Yutaro Seki et Kentaro Hirase (Japon) qui repart avec le Grand Prix, confirmant l’attrait du festival pour des récits intenses et sans concession. Le film décroche également le Prix Police, preuve de son réalisme et de sa capacité à plonger au cœur des mécanismes du crime.

Avec son atmosphère oppressante et son regard acéré sur la société, DISASTER s’inscrit dans la lignée de thrillers marquants que les amateurs de séries comme Tokyo Vice ou Giri/Haji ne manqueront pas d’apprécier.

Winter of the Crow, l’autre grand gagnant

Autre grand nom de ce palmarès, WINTER OF THE CROW de Kasia Adamik (Pologne, Royaume-Uni & Luxembourg) remporte à la fois le Prix du Jury et le Prix de la Critique. Un doublé qui souligne la force de son écriture et la singularité de sa mise en scène.

Entre tension psychologique et ambiance glaciale, le film évoque les grandes réussites du polar européen, dans la veine de The Bridge ou Broadchurch, où chaque détail compte et où les silences sont aussi lourds que les révélations.

Un public conquis et une nouvelle génération mise en lumière

Le public a, lui, choisi de récompenser RED CODE BLUE de Oskars Rupenheits (Lettonie), confirmant l’impact émotionnel de ce thriller auprès des spectateurs.

Du côté des talents émergents, le Prix Sang Neuf distingue FATHER de Tereza Nvotová (Slovaquie, République tchèque & Pologne), tandis que le Jury Jeunes de la Région Grand Est a récompensé GROWING DOWN de Bálint Dániel Sós (Hongrie). Deux films qui témoignent du renouvellement constant du genre et de la capacité du polar à se réinventer à travers de nouvelles voix.

Reims Polar, plus que jamais incontournable

Avec ce palmarès 2026, Reims Polar confirme son statut de rendez-vous majeur pour les passionnés de polar. Entre œuvres confirmées et nouvelles signatures, le festival continue de faire dialoguer cinéma et séries, offrant une vision riche et internationale du genre.

Alors que le festival s’est tenu du 31 mars au 5 avril 2026 à Reims, cette édition rappelle que le polar, qu’il soit sur grand ou petit écran, reste l’un des terrains les plus fertiles pour raconter nos peurs, nos obsessions… et nos vérités.

Star Wars : Maul – Seigneur de l’Ombre – 6 avril

« Star Wars : Maul – Seigneur de l’Ombre » est à découvrir en exclusivité sur Disney+ à partir du 6 avril. Se déroulant après les événements relatés dans « Star Wars : The Clone Wars », cette aventure palpitante met en scène le redoutable Maul bien décidé à ourdir un complot afin de reconstruire son syndicat du crime sur une planète encore épargnée par l’Empire. Là, il croise le chemin d’un jeune Padawan Jedi désabusé qui pourrait bien être l’apprenti qu’il recherche dans l’accomplissement de son implacable quête de vengeance…

The Testaments – 8 avril

La série s’inscrit dans l’univers de The Handmaid’s Tale et adapte le roman éponyme de Margaret Atwood. The Testaments nous transporte à Gilead, où deux adolescentes que tout oppose voient leur destin se croiser. Agnes, pieuse et profondément attachée aux règles du régime, et Daisy, une nouvelle venue qui découvre la brutalité de cette société, se retrouvent à intégrer la prestigieuse école dirigée par Tante Lydia. Dans cet établissement où l’obéissance est imposée au nom d’une morale divine, leur rencontre va bouleverser leur vie et déclencher une remise en question profonde de leur passé, de leur présent et de leur avenir.

Malcolm : Rien n’a changé – 10 avril

Malcolm : Rien n’a changé sera diffusé en exclusivité le 10 avril sur Disney+. Après avoir protégé sa fille et lui-même de sa famille pendant plus de dix ans, Malcolm est entraîné malgré lui dans leur univers lorsque Hal et Lois exigent sa présence pour la fête de 40^ème anniversaire de mariage.

The Miniature Wife – 10 avril

The Miniature Wife s’est déjà distinguée par son concept audacieux. Le point de départ est un accident technologique : l’épouse (jouée par Elizabeth Banks, connue pour Pitch Perfect ou The Hunger Games) est accidentellement miniaturisée, ce qui déclenche une lutte de pouvoir inattendue entre les époux. À ses côtés, Matthew Macfadyen (Succession, Death by Lightning) incarne le mari dépassé par cette transformation. La série promet une réflexion virtuose sur les déséquilibres qui traversent l’intimité et la dynamique conjugale dans un cadre résolument moderne. The Miniature Wife est prévue le 10 avril 2026 sur Peacock mais pour le moment, aucune plateforme française n’a encore annoncé la diffusion.

Until I Kill You – 13 avril

En 1991, dans un bar de Londres, Delia Balmer, une infirmière solitaire, est séduite par John Sweeney, un menuisier anticonformiste. La jeune femme ne se doute pas qu’elle vient de rencontrer un psychopathe qui va bouleverser sa vie à tout jamais. Adaptation du livre autobiographique « Living with a serial killer », cette mini-série glaçante montre les failles de la police et de la justice concernant les violences faites aux femmes. Until I Kill You dresse, loin des clichés habituels, le portrait d’une victime incarnée par l’impressionnante Anna Maxwell Martin (Motherland) qui a remporté le prix de la meilleure actrice pour ce rôle aux derniers International Emmy Awards.

Nouvelles saisons

A priori – Saison 2 – 1er avril

Iris, 27 ans, intègre un commissariat du sud de la France. En arrivant dans cette brigade, elle reçoit un accueil plus que mitigé. Ses connaissances pointues en droit et son insistance sur le respect des règles ne plaisent pas à tous, en particulier à Victor, 54 ans, son binôme désigné. La nouvelle saison de A priori sera diffusée à partir du 1er avril sur France.tv.

XO, Kitty – Saison 3 – 2 avril

Kitty Song Covey entretient une relation à distance avec son petit ami Dae, qui vit en Corée du Sud. Elle se voit offrir une bourse d’études complète à l’école indépendante coréenne de Séoul (KISS), où Dae est lycéen et où sa mère a également étudié. Voulant voir Dae et se rapprocher de sa mère, elle convainc son père de la laisser partir. Elle rencontre Yuri pendant son voyage qui va lui mettre des bâtons dans les roues lors de ses retrouvailles avec Dae. XO, Kitty saison 3 dès le 2 avril sur Netflix.

The Boys – Saison 5 – 8 avril

C’est le monde du Protecteur, entièrement soumis à ses caprices erratiques et mégalomaniaques. Hughie, La Crème et le Français sont emprisonnés dans un “Camp de la Liberté”. Annie tente désespérément de mener une résistance face à la force écrasante des Super. Kimiko, elle, reste introuvable. Mais lorsque Butcher réapparaît, prêt à utiliser un virus capable d’effacer tous les Super de la surface de la Terre, il déclenche une série d’événements qui changeront à jamais le monde et tous ceux qui y vivent. C’est le climax. Les choses sérieuses arrivent. The Boys saison 5 le 8 avril sur Prime.

Unforgotten – Saison 5 – 11 avril

Des restes humains sont découverts dans une demeure ancienne en cours de rénovation à Londres… Première enquête pour l’inspectrice en chef Jessica James (Sinéad Keenan) qui succède à Cassie Stuart (Nicola Walker) dans la cinquième saison d’UNFORGOTTEN disponible en intégralité sur l’App CANAL+ dès le 11 avril.

Euphoria – Saison 3 – 13 avril

Après une attente interminable, Euphoria fait enfin son grand retour avec une troisième saison très attendue. Toujours portée par Zendaya, la série phénomène continue d’explorer les tourments de Rue et de son entourage, entre addiction, relations toxiques et quête d’identité. Plus sombre et ambitieuse que jamais, cette nouvelle salve d’épisodes promet de pousser encore plus loin les limites émotionnelles et visuelles qui ont fait le succès du show. Entre drames intimes, excès et moments de grâce, Euphoria s’annonce une fois de plus comme un choc aussi esthétique que viscéral.

From – Saison 4 – 20 avril

La nouvelle saison de From sera diffusée à partir du lundi 20 avril sur Paramount+ en France. Dans cette quatrième saison, plus les habitants de la ville se rapprochent des réponses qu’ils recherchent, plus leur quête devient terrifiante. Qui est l’homme en Jaune et que veut-il ? Les révélations de Jade et Tabitha seront-elles la clé pour enfin rentrer chez eux ? Combien de temps encore Boyd pourra-t-il maintenir la cohésion de la ville, alors même que son corps et son esprit tombent en lambeaux ? Et quel rôle jouera le dernier arrivant en ville dans les événements à venir ? La saison 4 ouvrira des portes que certains, en ville, finiront par regretter d’avoir vu s’entrouvrir. 

Running Point – Saison 2 – 23 avril

Running Point revient sur le terrain avec une saison 2 qui s’annonce encore plus intense. Entre enjeux sportifs et pressions en coulisses, la série plonge au cœur du monde du basketball professionnel, où chaque décision peut faire basculer une carrière. Rivalités internes, ambitions personnelles et stratégies de pouvoir se mêlent dans ce nouveau chapitre, alors que les personnages doivent faire face aux conséquences de leurs choix passés.

Dark Winds – Saison 4 – 27 avril

L’enquête de Leaphorn, Chee et Manuelito sur la disparition d’une jeune fille navajo après une fusillade meurtrière les mène dans les quartiers difficiles du Los Angeles des années 1970. DARK WINDS saison 4 disponible en intégralité sur l’App CANAL+ dès le 27 avril.

Arrivées Plateformes

The Handmaid’s Tale : La servante écarlate – Intégral – 8 avril

Disney+ a annoncé que les six saisons de la série acclamée par la critique « The Handmaid’s Tale : La servante écarlate » seront disponibles en streaming à partir du 8 avril sur Disney+ en France. Adaptée du roman classique de Margaret Atwood, « The Handmaid’s Tale : La servante écarlate » raconte la vie au sein de la dystopie de Gilead, une société totalitaire située sur ce qui était autrefois les États-Unis. Offred (Elisabeth Moss), l’une des rares femmes fertiles appelées « Servantes » dans la République oppressive de Gilead, lutte pour survivre en tant que mère porteuse au service d’un Commandant puissant et de son épouse, rongée par le ressentiment.

Cette année, le Royaume-Uni et la Pologne s’imposent comme des poids lourds de la fiction internationale, tandis que des projets plus atypiques, à l’image de The Flaws, trouvent aussi leur place. À noter également une belle mise en avant de talents féminins, notamment derrière My Brother et Dustfall, deux séries portées par des équipes majoritairement féminines.

Un public conquis

Le Prix du Public, toujours très attendu, a été attribué à Dustfall, une coproduction australienne. Une récompense qui confirme l’engouement pour les récits forts et immersifs, capables de séduire immédiatement les spectateurs.

La compétition internationale : la Pologne en force

Le jury présidé par Benedikt Erlingsson a mis à l’honneur la série polonaise Proud, diffusée sur HBO Max, qui repart avec le Grand Prix ainsi que le prix du Meilleur acteur pour Ignacy Liss.

Le prix du Meilleur scénario revient à Dennis Kelly pour Waiting for the Out (BBC), tandis que Amanda Jansson est sacrée Meilleure actrice pour My Brother.

La compétition française : des créations audacieuses

Côté français, Grandiose (TF1) décroche le prix de la Meilleure série. Une reconnaissance importante pour la fiction hexagonale, qui continue de diversifier ses propositions.

Manon Kneusé est récompensée pour Camarades (ARTE), tandis que Karim Leklou s’impose pour Eldorado. Enfin, la musique originale de Privilèges, composée par Amine Bouhafa, est également distinguée.

Panorama international : entre confirmations et surprises

La série britannique Small Prophets (BBC) s’impose avec deux prix, dont Meilleure série et Meilleure actrice pour Lauren Patel.

La réalisation d’Arne Feldhusen pour The Flaws est également saluée, tandis que Maxime Le Flaguais est récompensé pour Bienvenue à Kingston-Falls.

Avec une fréquentation en hausse et un palmarès riche et éclectique, Séries Mania confirme en 2026 son rôle de vitrine incontournable de la création sérielle mondiale. Rendez-vous est déjà pris pour la prochaine édition, qui s’annonce, une fois encore, comme un temps fort pour toutes les séries… et ceux qui les font.

Au fil des années, le festival s’est imposé comme une vitrine internationale du film policier, mettant en lumière des œuvres venues du monde entier. L’édition 2026 ne dérogera pas à la règle avec une programmation ambitieuse qui mêle projections, rencontres et moments privilégiés avec les talents du genre. Réalisateurs, scénaristes et comédiens seront une nouvelle fois présents pour échanger avec le public et partager leur vision du polar contemporain.

Mais ce qui fait aussi la singularité de Reims Polar, c’est sa volonté d’ouvrir le genre au-delà du cinéma. Depuis plusieurs éditions, les séries trouvent progressivement leur place dans la programmation, preuve que les frontières entre grand et petit écran n’ont jamais été aussi poreuses.

Comme chaque année, un jury composé de personnalités du monde du cinéma et un jury de policiers remettront leurs prix, apportant un double regard unique sur les œuvres présentées. Ensemble, ils auront la tâche de départager les films en compétition et de désigner le palmarès de cette édition. Le festival pourra compter cette année sur un jury prestigieux présidé par l’actrice Emmanuelle Devos (B.R.I.), figure majeure du cinéma français. À ses côtés, plusieurs personnalités du monde du cinéma et de la création audiovisuelle : Ophélie Bau (B.R.I.), Mathieu Demy (Mytho, On the Verge), Delphine Gleize, Thierry Klifa, mais aussi Grégory Montel (Le Signal, Dix pour cent) et Alix Poisson (Des Vivants).

Cette année, le festival rendra également hommage à un grand nom du cinéma indépendant américain : Gus Van Sant. Connu pour des œuvres marquantes comme Psycho, Will Hunting ou encore Elephant, le cinéaste a su imposer une signature unique, à la croisée du film d’auteur et du récit criminel. Cet hommage sera l’occasion de (re)découvrir plusieurs de ses films emblématiques et de revenir sur une filmographie qui a profondément marqué le cinéma contemporain, notamment par son approche singulière de la violence et de la marginalité.

Fidèle à son ADN, le festival proposera une compétition internationale riche et éclectique, reflétant la diversité du polar à travers les cultures et les styles. Entre enquêtes nerveuses, drames psychologiques et récits engagés, les festivaliers auront l’occasion de découvrir des œuvres marquantes avant leur sortie officielle. Les traditionnelles rencontres, masterclass et séances spéciales viendront compléter l’expérience, offrant un véritable temps d’échange entre professionnels et public.

Ancré dans la ville de Reims, le festival est aussi une célébration locale, qui fait rayonner la région tout en attirant un public de plus en plus large. Une belle manière de rappeler que le polar, qu’il soit français ou international, reste un genre populaire, fédérateur et en constante évolution.

La programmation complète et la billetterie sont à retrouver sur le site officiel du festival.

Rendez-vous à Reims du 31 mars au 5 avril 2026 pour une nouvelle plongée dans les méandres du polar.

Sur le papier, Nelly n’a rien du héros traditionnel. Menteur, charmeur, opportuniste, souvent à côté de sa vie, il avance d’abord comme un homme usé, presque pathétique. C’est justement là que Save Me frappe fort : en faisant d’un anti-héros cabossé le centre émotionnel d’un récit sur la culpabilité, la filiation et la possibilité de se racheter. À mesure que l’étau se resserre, la série abandonne le simple whodunit pour plonger dans quelque chose de plus âpre, de plus humain, et parfois de franchement glaçant.

L’autre grande force de la série, c’est son casting. Lennie James, que les sériephiles connaissent aussi pour The Walking Dead et Fear the Walking Dead, compose un personnage inoubliable, à la fois brut, fébrile et obstiné. Face à lui, Suranne Jones, vue notamment dans Vigil, incarne une mère figée par la douleur et la colère. Stephen Graham, que l’on a pu voir dans A Thousand Blows ou Adolescence, apporte une intensité immédiate à Melon, ami de galère aussi trouble qu’attachant.

Ce qui rend Save Me particulièrement efficace, c’est aussi son décor social. Le sud-est de Londres n’est pas qu’un arrière-plan : il devient un personnage à part entière, avec ses solidarités, ses secrets, ses colères rentrées et ses impasses. La série navigue entre le polar urbain, le drame familial et le thriller social, sans jamais perdre son intensité. Elle peut ainsi rappeler des séries comme Broadchurch pour la douleur collective qui entoure une disparition, The Missing pour l’obsession que provoque un enfant introuvable, ou encore Happy Valley pour sa façon de mêler tension criminelle et profonde vérité humaine.

Le premier épisode donne immédiatement le ton. Nelly est arrêté au petit matin, accusé d’avoir kidnappé sa propre fille. La mère de Jody, Claire, est convaincue de sa culpabilité. Mais lui jure qu’il n’y est pour rien. Très vite, cette urgence narrative fait basculer la série dans une chasse désespérée, où chaque piste semble révéler autant sur la disparition de Jody que sur les fautes passées de son père. Le résultat est tendu, sombre, mais toujours incarné.

Avec ses deux saisons, Save Me s’impose comme une série policière britannique bien plus émotionnelle et rugueuse que la moyenne, portée par un formidable casting et par l’écriture habitée de Lennie James. Une série à rattraper sur arte.tv dès le 27 mars, pour celles et ceux qui aiment les thrillers sombres où l’enquête compte autant que les blessures intimes.

Révélé au tournant des années 2000 avec Queer as Folk UK, série pionnière dans sa représentation frontale et moderne de la communauté LGBTQ+, Russell T Davies n’a depuis cessé de naviguer entre succès populaire et récits engagés. Il est surtout connu pour avoir relancé Doctor Who en 2005, redonnant vie à une institution britannique en la rendant à la fois spectaculaire, émotionnelle et profondément humaine. Et à nouveau en 2023…

Mais réduire son œuvre à la science-fiction serait passer à côté de l’essentiel. Avec des séries comme Years and Years ou It’s a Sin, il a démontré sa capacité à capter l’air du temps, mêlant drame intime et regard politique avec une justesse rare. Son écriture, toujours portée par des personnages forts et une émotion assumée, a marqué durablement le paysage audiovisuel. Il le prouve encore avec son dernier projet, Tip Toe, qui l’a lui-même surpris.

À l’occasion de sa venue à Lille pour Séries Mania, nous avons rencontré cet auteur majeur pour revenir sur sa carrière, son rapport au public et sa vision d’une télévision qui, plus que jamais, cherche à faire écho au monde réel.

Après deux premières saisons marquées par des luttes de pouvoir sanglantes, la série britannique revient avec une nouvelle déflagration. Elliot, ancien policier infiltré désormais plongé jusqu’au cou dans le crime organisé, voit son monde vaciller lorsqu’une cargaison de cocaïne coupée au fentanyl provoque la mort de centaines de personnes à Londres. Dans une ville au bord de l’implosion, les Wallace, les Dumani, Luan, Lale et les autres factions se retrouvent entraînés dans une nouvelle guerre dont personne ne maîtrise encore les contours.

Ce qui continue de faire la force de Gangs of London, c’est cette façon très particulière de mêler thriller criminel, tragédie familiale et scènes d’action d’une brutalité rare. La saison 3 promet de pousser encore plus loin cette mécanique du chaos, avec une enquête qui ne sert pas seulement à trouver un coupable, mais à révéler de nouvelles fractures entre alliés de circonstance et ennemis de toujours. La série conserve ainsi ce ton nerveux et ultra tendu qui a fait sa réputation auprès de la critique et du public.

Cette nouvelle salve accueille aussi plusieurs visages qui devraient immédiatement parler aux sériephiles. Andrew Koji, vu dans Warrior mais aussi au cinéma dans Bullet Train, rejoint la distribution dans la peau d’un assassin aussi mystérieux que dangereux. Richard Dormer, que beaucoup connaissent pour Game of Thrones ou Fortitude, incarne Cornelius Quinn, un retour du passé qui réveille de vieilles rancœurs. Quant à T’Nia Miller, remarquée dans Years and Years et La Chute de la maison Usher, elle interprète la nouvelle maire de Londres, bien décidée à faire vaciller l’ordre criminel établi.

Gangs of London s’inscrit parfaitement dans la lignée de séries comme Peaky Blinders, MobLand, ou encore ZeroZeroZero, qui explorent elles aussi des empires criminels où la loyauté est toujours provisoire.

Les deux premiers épisodes donnent immédiatement le ton. D’un côté, Elliot tente désespérément de comprendre qui a saboté sa marchandise et pourquoi. De l’autre, Sean, Billy et Cornelius commencent à rebattre les cartes pour reprendre le contrôle de la ville. Entre vengeance, alliances improbables et montée de la pression policière, la saison 3 semble vouloir redistribuer toutes les positions de pouvoir dès son ouverture.

Avec son casting toujours aussi solide, ses nouveaux personnages prêts à semer le chaos et son ambiance de thriller sous haute tension, Gangs of London compte bien rester l’une des séries criminelles les plus explosives du moment. Rendez-vous dès le 26 mars 2026 sur Canal+, avec deux épisodes chaque jeudi et sur l’app CANAL+.

Un positionnement qui fait écho à son travail récent sur Empathie, présentée en compétition à Séries Mania 2025 et récompensée par le Prix du public. Une série dans laquelle Thomas Ngijol explore une tonalité plus nuancée, entre humour et observation sociale, provoquant un retour inattendu dans le paysage télévisuel.

Actuellement au cinéma avec Police Flash 80, il saura vous faire rire et pleurer.

Le point de départ s’est nourri de discussions très concrètes, entre avancées de la recherche spatiale japonaise et ambitions contemporaines autour de la conquête de Mars. Ensemble, ils ont progressivement fait émerger une idée centrale : raconter une histoire inspirée des dynamiques de colonisation et des luttes d’indépendance, transposées entre la Terre et Mars.

Derrière son apparente science-fiction, Queen of Mars raconte avant tout une histoire profondément humaine. Celle de Lili (Suri Rin), une jeune femme aveugle née sur Mars, qui rêve de découvrir la Terre. Alors quand elle est sélectionnée pour faire partie des candidats qui auront la chance d’aller sur la planète bleue, elle ne cache pas sa joie, surtout que cela lui permettra de retrouver sa mère, une responsable scientifique de renom. Mais son destin bascule lorsqu’une découverte capable de bouleverser l’équilibre entre les deux planètes la propulse au cœur d’un conflit politique d’ampleur.

Ce point de départ pourrait annoncer une fresque spectaculaire spatiale, mais la série choisit une autre voie. Elle installe au contraire un récit hybride, à la croisée de la romance, du thriller politique et du récit d’anticipation. La relation entre Lili et un jeune homme vivant sur Terre (Masaki Suda) devient ainsi le fil émotionnel d’une intrigue bien plus vaste, où les enjeux intimes se mêlent à des tensions géopolitiques.

Une science-fiction réaliste pour mieux parler du présent

Ce qui frappe d’emblée, c’est le souci de réalisme. Là où certaines œuvres japonaises embrassent volontiers les robots ou le fantastique, Queen of Mars revendique une approche presque scientifique de la fiction. Chaque élément, des conditions de vie sur Mars aux systèmes de communication, a été pensé comme une extension crédible de notre présent. Les créateurs le revendiquent clairement : tout ce que montre la série pourrait exister dans cent ans. Mais cette rigueur n’empêche pas une vraie ambition esthétique. Pour construire son univers, l’équipe s’est appuyée sur des références visuelles fortes, allant du cinéma de science-fiction occidental à l’animation japonaise. Parmi elles, un titre revient explicitement : Akira, classique du cyberpunk dont l’influence se ressent dans la manière de penser les espaces urbains, les tensions sociales et les imaginaires futuristes.

Au cœur de cette réflexion, le personnage de Lili joue un rôle central. Son aveuglement n’est jamais un simple trait de caractérisation, mais une véritable clé de lecture. À travers elle, la série explore ce qui échappe au regard, ce qui ne se voit pas mais existe pourtant. « Le combat, c’est de ne pas considérer que ce qui est invisible n’existe pas », expliquent les créateurs.

Pour nourrir cette approche, l’équipe est allée jusqu’à se former auprès de personnes aveugles, découvrant leur manière de cartographier mentalement le monde à partir de sons, d’odeurs ou de repères sensoriels. Cette dimension se ressent à l’écran, donnant à la série une texture presque sensorielle, où la perception dépasse largement le visible.

Une fresque politique et humaine

Sur le plan narratif, Queen of Mars refuse toute lecture binaire. Ici, pas de héros évident ni de méchant désigné. Les tensions entre Mars et la Terre s’inscrivent dans une logique plus complexe, nourrie notamment par des références historiques de la guerre de sécession américaine. Ce refus du manichéisme est pleinement assumé par les créateurs, qui revendiquent une œuvre « qui fait réfléchir » plutôt qu’un récit classique opposant le bien et le mal peut-être plus courant au Japon. Le spectateur est ainsi invité à naviguer dans un univers où les certitudes se fissurent, et où chaque point de vue mérite d’être interrogé.

Cette complexité se retrouve également dans la forme, notamment à travers le choix du multilinguisme. Les acteurs jouent dans leur langue maternelle, une décision qui renforce l’authenticité du récit tout en reflétant un futur où les identités culturelles persistent malgré la globalisation. Lors des auditions, les réalisateurs se sont très vite aperçus qu’en jouant dans leur langue maternelle, les acteurs proposaient une profondeur de jeu qui en japonais ne sonnait pas toujours juste.

Au Japon, cette ambition a suscité autant de surprise que d’enthousiasme. Beaucoup ont salué la capacité de la série à proposer un univers de science-fiction aussi construit, dans un registre où la télévision japonaise n’est pas toujours attendue. Mais au-delà de l’exploit formel, c’est surtout la résonance contemporaine qui a marqué. Car si Queen of Mars se déroule dans cent ans, elle parle avant tout d’aujourd’hui. De la peur de l’autre, de la méfiance née de l’ignorance, de cette tendance à rejeter ce que l’on ne comprend pas. « La haine vient souvent de l’ignorance », rappellent les créateurs, soulignant qu’apprendre à connaître l’autre est peut-être la première étape pour évoluer soi-même.

Avec Queen of Mars, la NHK livre ainsi une œuvre ambitieuse, exigeante, mais profondément actuelle. Une série qui ne cherche pas à rassurer, mais à interroger et qui, à l’image de son héroïne, nous invite à regarder autrement ce que nous pensions déjà connaître. La série n’a pas encore de diffuseur en France, mais il est à noter que le public de Séries Mania a découvert deux épisodes avec des minutes exclusives de ce qui était un épisode originel de 90 minutes lors de la diffusion originelle japonaise.

Dès les premières prises de parole, le ton est donné : l’équipe revendique une adaptation fidèle… mais jamais figée. « Il y a forcément de la trahison, mais une trahison avec amour », expliquent les créateurs Thomas Mansuy et Mathieu Leblanc. L’objectif n’est pas de reproduire la BD culte de Morris à l’identique, mais d’en retrouver l’esprit, ce qui faisait son sel, son humour, sa liberté, tout en l’inscrivant dans une narration contemporaine.

Car Lucky Luke, à l’origine, est un héros presque « intouchable » : solitaire, parfait, plus rapide que son ombre. Une icône, certes, mais aussi un personnage peu exploré sur le plan psychologique. La série prend alors le contre-pied : elle décide de questionner cette perfection. Pourquoi Luke veut-il être irréprochable ? Qu’est-ce que cela cache ? En décalant l’histoire dans un « après » des albums, les auteurs s’offrent un terrain de jeu inédit, où le temps passe enfin et où le mythe peut vaciller.

Visuellement et dans sa mise en scène, la série évite aussi le piège du western hommage trop appuyé. Le réalisateur Benjamin Rocher assume une approche libre puiser dans tous les codes du genre sans jamais en copier un en particulier. Résultat, un Far West multiple, presque fragmenté, où chaque épisode explore une facette différente tant dans les paysages que dans le rythme ou les effets de mise en scène avec les accélérations et les ralentis de partout. Une manière de faire exister un univers propre à la série, plutôt qu’une simple reconstitution.

Des personnages iconiques revisités

Mais c’est sans doute dans le travail sur les personnages que Lucky Luke surprend le plus. Tous les comédiens évoquent ce même défi : incarner des figures iconiques… sans tomber dans la caricature. « C’est une destruction de légende et une reconstruction avec beaucoup d’humour », résume Camille Chamoux en mentionnant son personnage Calamity Jane. Que ce soit elle ou les Dalton, et Billy the Kid, ils ne sont plus seulement des archétypes mais deviennent ambivalents, parfois fragiles, souvent inattendus.

La série joue constamment sur ce décalage, ce « pas de côté » qui permet de renouveler l’intérêt, même pour ceux qui connaissent déjà l’univers. Certains personnages gagnent en intériorité, d’autres en modernité à l’image d’une Calamity Jane décrite comme « une sorte de créatrice de sa propre légende, presque à la manière des figures publiques d’aujourd’hui » selon son interprète.

Et surtout, la série corrige l’un des grands angles morts de la BD : la place des femmes. Ici, elles ne sont plus périphériques. De nouveaux personnages féminins apparaissent, prennent de l’espace, imposent leurs enjeux. Les actrices évoquent des rôles « badass », complexes, et ancrés dans des problématiques contemporaines, qu’il s’agisse de rapports familiaux ou d’émancipation. Une modernisation assumée, qui ne semble jamais plaquée mais intégrée au récit. Autre évolution majeure soulevée par les créateurs, Lucky Luke n’est plus totalement seul. La série adopte une dimension plus chorale, presque familiale. Au fil des épisodes, de nouveaux personnages gravitent autour de lui, formant une sorte de « famille choisie ». Un changement fondamental qui permet d’enrichir les dynamiques, mais aussi de redistribuer les enjeux dramatiques.

Une comédie avant tout

Malgré cette profondeur nouvelle, la série n’oublie jamais son ADN comique. L’humour est omniprésent, mais toujours joué au premier degré, exercice nouveau pour Billie Blain et Victor Le Blond, une condition essentielle, selon eux, pour qu’il fonctionne. Entre running gags, situations absurdes et personnages décalés, la comédie naît souvent du contraste entre l’image mythique et la réalité plus bancale des personnages.

La conférence a aussi laissé filtrer quelques anecdotes de tournage, notamment autour des cascades ou du travail avec les chevaux, qui ont obligé certains acteurs à sortir complètement de leur zone de confort. D’autres évoquent le plaisir presque enfantin de jouer aux cow-boys dans des décors naturels, costumes sur le dos et poussière aux bottes « comme des gamins avec leurs jouets » plaisante Jérôme Niel le nouveau Joe Dalton qui apparaît sous un jour où vous ne l’avez jamais connu.

Enfin, difficile de ne pas sentir derrière cette première saison une ambition plus large. L’équipe ne cache pas son envie de continuer : l’univers de Lucky Luke est suffisamment riche pour imaginer de nombreuses suites, voire d’autres formats. Mais tout dépendra évidemment de l’accueil du public.

Une chose est sûre : cette version de Lucky Luke ne cherche pas à remplacer l’originale, mais à dialoguer avec elle. Entre respect du mythe et envie de le bousculer, la série semble trouver un équilibre qui donne envie, justement, de redécouvrir un héros que l’on pensait connaître par cœur. Tous les épisodes de Lucky Luke sont à découvrir sur Disney+.