Ce disque a une histoire. Ou une malédiction, c’est selon. Evil, de Time Machine, est un CD que j’ai récupéré dans le bac à soldes de La Citadelle. Et, quand j’ai voulu le numériser, je me suis aperçu que je l’avais déjà. Et depuis, j’ai essayé de refiler le CD à un habitué de Radio-Erdorin, sans succès. Du coup, je me dis que si j’en parle, ça va peut-être inciter les gens à le récupérer. Parce que – spolier – il est plutôt pas mal.

Time Machine est une formation italienne, originaire de la région de Milan, fondée au début des années 1990. Elle s’est donc lancée tôt dans le metal progressif, plus précisément dans un style que l’on appellera plus tard « power-prog-metal » – mais, ici plus prog que power (voire que metal). On y trouvera quelques passages symphoniques et aussi une voix féminine (Melody Castellari).

Evil est le troisième album studio du groupe, sorti en 2001. Il compte dix pistes et dure un poil moins de trois quarts d’heure. Les compositions durent entre quatre et sept minutes, mais avec trois « virgules » instrumentales entre trente secondes et deux minutes.

On a parfois des surprises, mais je n’irai pas jusqu’à dire que Time Machine est un joyau caché qui attendrait que l’on le redécouvre. Il y a vingt-cinq ans, ça devait être un groupe très honnête, sans forcément être renversant, mais avec le recul, ça perd un peu d’intérêt.

Ce n’est pas non plus sans intérêt, entendons-nous bien. Evil est le troisième album du groupe, qui a également aussi sorti une palanquée d’EP et de sports; c’est donc une formation aguerrie qui nous propose ici leur musique et ça se sent. Les compositions sont maîtrisées et ont souvent un côté épique (« Army of the Dead », « Evil Lies », « Angel of Dearh » ou « Hailing Souls ») et même quelques passages très prog (« Ecclesia Spiritualis »), les musiciens ont du niveau; c’est solide.

Le défaut est plus à chercher du côté des sonorités, qui sont un peu datées (surtout les parties symphoniques qui sonnent beaucoup plus synthétiques). De plus, la production n’est pas la plus flamboyante non plus. Ce qui est dommage, parce que ça aurait pu donner une autre dimension à certains des titres.

En conclusion, Evil est un assez bon exemple du genre de productions que l’on pouvait écouter au début du millénaire en dehors des grands noms du genre. Time Machine n’a pas à rougir d’un tel album; le groupe a d'ailleurs qui a été actif jusqu’autour de 2013, avec un quatrième et dernier album paru en 2004.

Et, du coup, vous pouvez donc gagner le CD de Evil: mentionnez-le en commentaire et je referai un tirage au sort lors du débriefing de l’épisode de juillet (début août, donc).

Bonus: l’album sur YouTube sur un compte qui a presque l’air officiel

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Ce n'est pas parce que la planète continue à cramer que je ne vais pas publier le bilan mensuel création et mécénat pour juin 2026, tel Néron jouant du violon devant l'incendie de Rome (ce qui est d'ailleurs une image historiquement fausse).

Pour rappel, dans cette série d'articles, je fais le bilan de tout ce que j'ai créé, donné et reçu le mois passé. Notez que, dans l'absolu, je n'ai pas un besoin vital de l'argent que vous me donnez. Pour le moment. J'ai repris une activité professionnelle à 100%, mais pour quelques mois seulement.

Création

En création, le mois de juin est revenu vers des statistiques plus habituelles, avec 22 nouveaux billets publiés sur le blog. Ces articles se répartissent comme suit:

• douze chroniques musicales pour autant d'albums,
• un article Radio-Erdorin,
• deux chroniques bouquin, une chronique bédé et une chronique série télé,
• un compte-rendu de convention,
• deux articles coup de gueule,
• un article-anniversaire, et
• l'habituel bilan création et mécénat du mois précédent.

En plus du présent blog, tous ces articles sont partagés sur le blog de secours (partiellement seulement, et quand ça fonctionne; il y a eu quelques bugs, récemment) et je publie aussi sur Instagram les liens vers les chroniques musicales.

Rien de nouveau sur Flickr pour le moment; j'ai pris quelques photos à Orc'idée et j'ai également un gros album à finaliser, mais ce sera pour plus tard.

En vidéo, un épisode ordinaire de Radio-Erdorin, sur YouTube et sur Peertube. Et toujours beaucoup de rediffusions de livestreams: deux pour Radio-Erdorin, avec rediffusions sur YouTube, et deux aussi pour Erdorin, l'air de rien, avec rediffusions sur YouTube et sur Peertube.

Je continue donc de faire des directs régulièrement, sur YouTube, Twitch et Peertube: une semaine sur deux le jeudi soir pour des sujets non-musique (pour le moment sur Erdorin:2300) et l'autre semaine, le vendredi, pour les sujets musicaux.

Toujours rien de nouveau en fiction, mais le travail sur Erdorin:2300 a repris, grâce aux livestreams sus-mentionnés.

Mécénat

Quelques petits changements du côté du mécénat.

Sur Ulule, toujours un don de ma part au youtubeur Maxwell sur cette dernière plateforme (€1 par mois) et un don reçu de €5.

Rien de nouveau sur Ko-Fi.

Sur Liberapay, cinq contributeurs à €4.27 (et des poussières), soit un total mensuel de €17.08. Mes dons se montent à €6 par mois pour les projets et services Liberapay, et Pair2Jeux, ainsi que les autrices et auteurs Gee, KoyoliteTseila, LeGreg, et Mesdames Duc.

Sur Patreon, Michelle Fus* (Ava’s Demon), Randy Milholland (Something Positive), Jeph Jacques* (Questionable Content), Matt Kruse (Social Fixer), John Kovalic (Dork Tower), Colleen Doran (A Distant Soil), Stjepan Šejić (Sunstone, entre autres), Linda Šejić (Blood Stain, Punderwold), FeedBackGaming, Taureor, Alex the Rambler*, Notes Review, Vivienne Medrano (Studio ViziePop), skills4ltu, Studio 4D2, Nowtech*, Rex's Hangar, Lizzie Crowdagger, JP Ahonen (Belzebubs; page en suspens), Mastodon* et Linkstack pour un total de $1 et €20 (techniquement un peu moins: certains sont payés à l'année avec 10% de rabais; ils sont indiqués avec l'astérisque).

Les contributeurs sur cette plateforme ne sont plus que sept: Alysia, DD, Gilles, Guillaume, LDM, Manu Podj et sonhouse. Le total de dons reçus se monte à €30 (arrondi, moins les frais).

Enfin, sur Tipeee, mes dons vont à: Bruno Bellamy, Frank Brusset, Les Revues du Monde, Maliki, MusINC, Kad, Nota Bene et Psychée, pour un total de €8.

Il y a aussi quelques dons hors plateforme (Blast, ou des dons directs à Internet Archive, LibreOffice ou Wikipédia, par exemple), ainsi que des « dons croisés », par exemple avec Ploum, mais je ne vais pas les comptabiliser ici, c'est déjà assez compliqué comme ça.

Au final, le bilan financier de juin 2026 est de $1 et €35 donnés, pour environ €52 reçus de la part de treize contributeurs. Une fois encore, merci à vous tous pour votre générosité.

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Il y a le bon et le mauvais black-met… euh, disons qu’il y a le black-metal que j’aime bien et celui que j’aime moins. Comment est la nuit?, nouvel album de Hecate, c’est du black-metal que j’aime bien.

Donc c’est du bon black-metal. Ahem.

Formée en 2009 à Tours, en France, Hecate revient ici après un hiatus de quelques années autour des années de pandémie. Le groupe propose un black-metal aux frontières entre le mélodique et l’atmoblack.

Comment est la nuit? est le quatrième album du groupe, sorti six ans après le précédent. Il dure quasiment une heure et compte neuf pistes: sept titres entre six et dix minutes, entourés par une intro et une conclusion de deux et trois minutes.

La première chose qui m’a frappée dans cet album, c’est la structure des compositions, qui allient intensité et complexité, le tout sur une longueur pas banale. Si l’on excepte la première et la dernière, un titre signé Hecate de six minutes, c’est court. Et ce n’est pourtant jamais ennuyeux.

L’autre aspect un peu surprenant – quoique sans doute assez classique dans le black-metal, c’est une production qui met en avant basse, guitares et piano – parce que oui, il y a des passages au piano – au détriment des voix et de la batterie. Tout ceci apporte à la musique une forme de clarté et (presque) de légèreté, mais avec comme une menace sous-jacente.

Quelque part, c’est un peu dommage que le chant ne soit pas beaucoup mis en avant, parce que d’une part il est en français, ce qui n’est pas banal et, d’autre part, inclut deux chanteurs – dont Aharon, le chanteur de Griffon. Mais, en fait, la formule fonctionne plutôt bien et elle met en avant la grande mélodicité de cet album (« Aubes aux pâles salives », par exemple, qui a même un côté épique assez impressionnant).

Mélodique, certes, mais Comment est la nuit? reste du black-metal. Et si ce genre de black-metal est assez ma came, je ne voudrais pas non plus recommander Hecate à un public qui n’a pas une certaine habitude du genre. Si on n’est pas prévenu, ça risque de piquer.

Comment est la nuit? est disponible sur Bandcamp. Merci au passage à Kad, de MetalSeumTV (ex-Mes Vieilleries) pour la découverte!

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Bonus: l’album en intégrale et en non-vidéo (parce que je n’ai trouvé que ça)

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Et si le brûlot raciste Birth of a Nation n’était pas un simple film, mais un rituel de sorcellerie? Ring Shout, court roman signé P. Djèlí Clark, décrit le combat de trois femmes africaines américaines face à des créatures monstrueuses qui se cachent sous les capuches du Ku Klux Klan.

Dit comme ça, on pourrait croire à une pochade un peu pulp, avec des jeunes femmes qui bottent le cul des nazis de l’époque. Y’a un peu de ça, mais le fond est quand même plus travaillé.

Posons déjà le décor: Macon, Géorgie, 1922. Ancien territoire sudiste, toujours marqué par un violent racisme contre les anciens esclaves, le Ku Klux Klan y règne à visage découvert. Mais dans cette version de notre univers, on y trouve certes des « Klans », des racistes (beaucoup trop) ordinaires, mais aussi des « Ku Kluxes », des démons qui, pour un œil non exercé, ont une apparence humaine.

Maryse, Sadie et Chef sont le bras armé d’une résistance contre cette menace surnaturelle. Sadie est une tireuse d’élite au franc-parler mordant, Chef doit son nom à sa participation à la Première Guerre mondiale au sein des Harlem Hellfighters. Quant à la première, narratrice de Ring Shout, elle a la garde d’une épée spirituelle et bénéficie de la « tutelle » de trois marraines, qui font pas mal penser à des fées – mais pas celles de Disney.

Alors, certes, elles bottent des culs démoniaques, mais au moment où commence le roman, les Ku Kluxes se font plus résistants et une nouvelle menace pointe son vilain museau et annonce quelque chose de pire encore. Et va se poser bientôt la question de savoir s’il ne faudra pas faire appel à des alliés potentiellement aussi encombrants que leurs adversaires.

Ring Shout a un très net côté lovecraftien – complètement assumé dans son épilogue. Mais il a aussi un côté très engagé, avec des personnages issus de minorités – afro-américains, queers, et même des communistes – et des racines qui vont très loin dans la culture africaine américaine. Le ring shout titulaire est une forme de chant rituel typique, on retrouve également des éléments venus de la culture gullah, avec le personnage de Nana Jean.

Cet aspect se reflète également dans la langue employée par P. Djèlí Clark. D’une part, la narratrice, Maryse, écrit dans un style très proche d’un oral très vernaculaire, pour elle comme pour ses comparses. Quant à Nana Jean, elle s’exprime en langue gullah, qui est à peu près incompréhensible pour un non initié. Ça rend parfois la lecture ardue, peut-être plus que strictement nécessaire, mais, comme pour d’autres romans du même genre (je pense surtout à Harmattan Season ou à Tè Mawon), ça met le lecteur dans l’ambiance.

J’ai bien aimé Ring Shout pour son contexte historique et culturel, très immersif, et son ambiance pulp-sérieuse. Il n’est pas facile d’accès, mais il est très plaisant. J’en dois la découverte à Lorhkan, qui l’avait chroniqué il y a un bon moment déjà – dans sa version française (sous-titrée Cantique rituel).

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Et allez, encore un épisode réalisé à la bourre – celui de Radio-Erdorin pour juin 2026, disponible sur YouTube et sur Peertube! Mais pour une fois, ce n’est pas complètement de ma faute: j’ai un planning de début de mois un peu chargé.

La raison en est que, mercredi prochain, je pars pour Paris. C’est notre traditionnel (très) long week-end pour la Japan Expo. Du coup, avec le livestream « débriefing » de l’épisode calé sur vendredi prochain, il fallait que l’épisode sorte avant – de préférence avec assez de temps pour que les habitués (les deux du fond) aient le temps de la voir.

J’ai donc eu cinq jours pour finaliser le script, préparer les habillages, enregistrer le script, monter le bazar et mettre en ligne. Pas idéal. Mais faisable, donc.

J’ai eu du mal. Entre la quinte de toux intempestive et l’une des chroniques sur laquelle j’ai buté environ vingt-sept fois, ce fut parfois compliqué. J’ai tenté un truc qui n’apparait pas à l’écran, mais qui devrait m’aider pour le montage: faire un signe (lever la main) juste avant le début de l’enregistrement. Pas certain que ça aide, en vrai, mais faudra que je voie sur la distance; l’idée est de pouvoir repérer rapidement les « bonnes » prises, qui doivent aller dans le montage final.

Au passage, pour ceux qui ne l’auraient pas encore vu, j’ai lancé une newsletter, qui paraît tous les dimanches reprend mon actualité de la semaine passée sur le blog et ailleurs. Si vous me suivez déjà sur les réseaux ou par flux RSS; c’est sans doute superflu, mais si vous préférez une information plus « lente », ça peut vous intéresser.

Pour en revenir à cet épisode de juin et ses douze albums chroniques, vous pouvez le retrouver sur YouTube et sur Peerturbe.

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Vous connaissez la routine, un détective privé dans la dèche, une femme fatale, un mystère qui cache des secrets historiques. Vous la connaissez d’autant mieux que j’avais déjà utilisé une routine similaire pour Cahokia Jazz. Mais dans le cas de Harmattan Season, Tochi Onyebushi nous plonge dans une Afrique indéterminée, au début du XXe siècle, sous mandat colonial français.

Son détective, Boubacar, est un « deux-fois », un sang-mêlé, qui est tellement dans la dèche qu’il pense sincèrement être maudit. Et lorsqu’on frappe à sa porte au milieu de la nuit, ce n’est pas exactement une cliente, mais une jeune femme blessée, poursuivie par la police. Il n’a pas trop le temps d’en savoir plus qu’elle disparait avant de reparaître – ou plutôt son cadavre, flottant plusieurs mètres au-dessus d’une des principales places publiques de la ville.

Il y a une raison pour laquelle Bouba pense être maudit: quelques années auparavant, il a été membre de la milice indigène locale et, au cours d’une « guerre », il a commis des atrocités. Et il va bientôt découvrir que cette sordide histoire est liée à feu sa visiteuse et que beaucoup de gens sont prêt à d’autres atrocités pour couvrir celles du passé. Et, par la même, il va finir par découvrir la vérité sur lui-même.

Je sais que ce n’est pas toujours une bonne idée de comparer deux ouvrages, mais Harmattan Season m’a beaucoup fait penser à Cahokia Jazz: plus ou moins la même période, même genre de cité où plusieurs peuples cohabitent tant bien que mal, même tendance de l’auteur à jouer sur les langues, en intégrant dans le texte original en anglais des termes français et de dialectes locaux. On ne va pas se mentir: c’est parfois rude.

Les deux textes sont cependant très différents. Là où Cahokia apparait comme une quasi-utopie égalitaire (en théorie), la ville où évolue Bouba est clairement sous domination française, avec un roi-fantoche et sa milice collaborationniste pour y faire le sale boulot. L’auteur, né aux États-unis de parents africains, a également vécu à Paris et parvient ainsi à rendre très crédible le contexte du roman (qui n’est pas sans rappeler le Mali, même s’il n’est jamais explicitement nommé).

Je dois avouer avoir été plus embarqué par le contexte que par l’histoire de Harmattan Season, découvert grâce à Gromovar. Et même si l’écriture, avec sa salade de dialectes, est parfois difficile à suivre, elle participe grandement à l’immersion (après, je soupçonne qu’après Tè Mawon, plus rien ne m’étonne). C’est une lecture exigeante, mais qui sait récompenser le lecteur.

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Les annonces de la mort du rock progressif ont toujours été grandement exagérées. Depuis au moins cinquante ans. La preuve en est que, régulièrement, des groupes surgissent d’on ne sait trop où pour balancer des albums impressionnants, comme Artificial Silence et son nouvel opus, Hollow Drift.

Si Artificial Silence a été fondé dans l’État nord-américain de Washington en 2010, on peut dire que le groupe prend son temps, avec un album tous les huit ans. Actuellement constitué en trio, il propose un rock progressif moderne, qui tire parfois vers le metal dans un style qui rappelle parfois Haken, dans l’esprit tout au moins.

Hollow Drift est donc le second album du groupe. S’il compte six pistes pour quarante-huit minutes, n’allez pas croire pour autant que les titres sont de longueur égale. L’un d’entre eux dure moins de deux minutes, trois font entre trois et cinq minutes et les deux derniers s’étendent respectivement sur neuf et vingt-quatre minutes.

Quand je dis qu’Artificial Silence ressemble à Haken, il ne faut pas y voir un clone, mais plus une approche similaire du rock progressif: modernisé, influencé par le metal et, ici, avec un piano très présent et des harmonies vocales souvent très réussies. Cela dit, il y a quelques passages qui sont clairement influencés par les Britanniques (« Paradise ») – et aussi par Dream Theater, on ne prête qu’aux riches, je suppose.

C’est encore une fois à Rhyme Signatures que je dois la découverte de cet album – encore que Notes Review et d’autres ont enfoncé le clou. Mais, une fois encore, je dois avouer être un chouïa moins enthousiaste qu’eux.

Un chouïa seulement: mon plus gros reproche sur Hollow Drift est qu’il manque parfois d’homogénéité. Ça part volontiers dans tous les sens avec un abandon qui force le respect, mais qui rend parfois la lecture de l’album un peu compliquée. C’est notamment le cas notamment dans l’epic titulaire, qui se laisse même aller à des bouts de circus-metal; l’autre piste plus longue, « Tidal Lock », étant beaucoup plus solide.

Mais il n’empêche qu’Artificial Silence est un groupe impressionnant, avec des musiciens de qualité, et que Hollow Drift est globalement d’excellente tenue, hautement recommandable aux amateurs de rock progressif contemporain. Il est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la non-vidéo de « Voice of a Stranger »

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Des pirates, un fabuleux trésor, un monde déjanté, des pouvoirs éclatés au sol, des escargophones: s’il y a bien un manga dont je n’attendais pas une adaptation en prises de vue réelles, c’est bien One Piece! Et contre toute attente, cette série m’a scotché!

Posons déjà les choses: One Piece est le manga le plus vendu au monde: près de 120 tomes en japonais, 600 millions d’exemplaires vendus, des palettes de produits dérivés. Et le Jolly Roger au chapeau de paille est même devenu symbole de rébellion dans la Vraie Vie.

Mais revenons à cette série, produite par Netflix: huit épisodes pour entrer dans cette série et faire connaissance avec ces personnages qui vont devenir l’équipage du Chapeau de Paille. Ce chapeau, c’est d’abord celui de Luffy, jeune homme débordant d’un optimisme un peu naïf (mais contagieux), qui rêve de retrouver le One Piece, trésor légendaire qui fera de son possesseur le Roi des Pirates.

Il croise la route de Nami, une voleuse à la recherche de la carte pour la Grand Line, la région du monde qui cache le One Piece, puis celle de Roronoa Zora, épéiste chasseur de pirates, puis Usopp, poltron un peu mytho, mais qui lui au moins sait comment fonctionne un bateau, et enfin Sanji, qui se bat à coups de pieds et est un cuisinier hors pair. Pour Luffy, obnubilé par la bouffe, c’est très important!

En face, la Marine, bras armé du Gouvernement mondial, qui essaye de faire régner l’ordre sur les mers, et surtout un catalogue invraisemblable de pirates tous plus secoués les uns que les autres, et parfois détenteurs de pouvoirs surnaturels. Comme Luffy, qui peut adopter la consistance du caoutchouc.

Je mentirais si je disais que je ne connaissais pas One Piece. Vu le nombre de conventions manga-animé-cosplay-pop culture que je fais chaque année, ça serait malheureux! Mais, en vrai, je ne connaissais la série que par ce biais, ou peu s’en faut: jamais lu un manga, jamais vu un épisode d’animé. Oui, je suis un peu un geek en carton.

Ceci posé, ce que j’ai vu m’a plutôt enthousiasmé: le casting est solide (mention spéciale à l’acteur mexicain Iñaki Godoy, qui joue Luffy) et un soin particulier a été apporté aux costumes et au décors, plus certains aspects meta et « cassage du quatrième mur » (les jeux avec les titres des épisodes et les affiches « Wanted », par exemple). Alors, oui, l’ensemble a un côté kitsch, mais c’est complètement raccord. Et au reste, ma dame – qui est bien plus au fait que moi – a elle aussi été enthousiasmée.

J’ai également beaucoup aimé la musique, ce qui n’est jamais gagné quand on parle de médias japonais. Fort heureusement, les compositeurs – Sonya Belousova et Giona Ostinelli (qui est né au Tessin) – ont composé des thèmes qui sont assez éloignés de deux de l’animé (mme s’ils reprennent parfois le thème).

Point bonus: certains combats – qui ne sont pas si nombreux que ça – m’a beaucoup fait penser à nos parties de Feng Shui il y a quelques années. Il y a clairement des idées à récupérer dans cette série pour les rôlistes.

Bref, One Piece, c’est de la bonne. Huit épisodes qui donnent la banane, même aux vieukons blasés dans mon genre.

La bande-annonce:

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Devin Townsend revient! Je ne sais pas s’il n’est pas content, mais je sais qu’il n’est pas seul: deux chanteuses, sept musiciens et un orchestre symphonique (avec son chœur). Et tout ça pour nous proposer son nouvel album: The Moth.

Chanteur, compositeur et multi-instrumentiste canadien, Devin Townsend hante scènes et studios depuis plus de trente ans. S’il est volontiers classé dans le metal progressif, il a exploré une myriade de genre musicaux, du punk à l’ambiante, et propose ici un metal symphonique aux influences multiples.

The Moth est le vingt-troisième album solo du musicien. Il compte la bagatelle de vingt-quatre pistes, d’une longueur oscillant entre une et huit minutes, mais il faut plutôt considérer l’album comme une seule piste de septante minutes, divisée en vingt-quatre mouvements.

Je ne vous cacherai pas que, quand j’ai entendu parler du projet, j’ai été quelque peu sceptique. Certes, Devin Townsend est capable du meilleur, mais sans aller jusqu’à dire qu’il est aussi capable du pire, il a quand même commit quelques opus bien nawak. Et pas le bon genre de nawak. Alors l’imaginer à la tête d’un projet symphonique, c’est pas super rassurant.

Après plusieurs écoutes, je dirais que The Moth n’est sans doute pas le plus topissime des albums du Canadien Fou, mais c’est quand même effort qui mérite qu’on s’y attarde. Accessoirement, au vu de la taille du projet, c’est assez clairement un magnum opus. Je suis un peu moins enthousiaste sur le contenu.

Moins enthousiaste, mais pas déçu non plus. Disons que ce n’est pas la première fois que Devin Townsend nous propose des compositions symphoniques épiques. Et celles-ci sont souvent très réussies (par exemple « Covered by Causes », également la piste la plus longue de l’album).

Mais, d’une part, il y a également des passages qui sont plus discutables dans l’ensemble et, d’autre part, j’ai l’impression que le tout se prend un peu trop au sérieux. Je veux dire, même sur ses photos officielles, il fait prof dépressif, surtout avec ses lunettes. Le Devy qui fait le guignol en tutu et rangers me manque un peu, je dois dire (même si, pour être franc, il se permet de placer une poule et un pet sur « Orion »).

Dans l’ensemble, The Moth est plutôt bien. Il possède des passages franchement enthousiasmants, d’autres plus discutables et, si c’est sans doute l’œuvre la plus ambitieuse de Devin Townsend, je ne la mettrai pas tout en haut de mon panthéon personnel – mais quand même dans le premier tiers.

L’album est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Enter the City »

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The sun always shine on Orc’idée! Ou peu s’en faut: on se souviendra de l’édition « Mille et une nuits » par un froid polaire. Mais, dans le cas présent, le soleil a méchamment cogné sur le Musée suisse du jeu.

Car oui, il n’y a pas qu’OctoGônes pour se relocaliser géographiquement et temporairement cette année. D’habitude, la convention a lieu dans la région de Lausanne et autour de Pâques, mais cette fois-ci, c’est à La Tour-de-Peilz et fin juin.

J’ai déjà eu l’occasion de vous parler de ce petit bourg au bord du lac, entre Vevey et Montreux: d’une part, elle accueille un festival du jeu qui squatte une bonne partie du centre-ville et, d’autre part, elle avait déjà accueilli Orc’idée il y a un moment. En plus, le nom est rigolo, mais passons.

Dans le cas présent, plutôt qu’une convention, il s’agissait plus d’une découverte du jeu de rôle, avec une douzaine de tables dans et hors du Musée.

Une douzaine de tables, mais une dizaine de parties enregistrées. Dont une d’Erdorin:2300, avec deux joueuses débutantes. Ce qui est toujours intéressant pour tester des mécaniques de jeu un peu originales (j’ai la faiblesse de croire que c’est le cas ici).

Et la partie c’est plutôt bien passée, même si les joueurs n’ont pas vraiment suivi le scénario prévu à l’origine. Après, ce n’est pas non plus le but de ce scénario (Station de bouts), qui est plus conçu comme un bac à sable.

Le défaut principal de l’événement, c’est que même au bord du lac, même dans un château médiéval, c’était la fournaise. Une partie de trois heures par plus de trente degrés, ça m’a un peu tabassé et je suis parti un peu comme un voleur après. Ça ne m’a pas trop réussi, vu que le train s’est retrouvé bloqué suite à un incendie sur la voie.

Mais c’était sympa de retrouver les gens d’Orc’idée et certains potes rôlistes.

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