Plus j’écoute des musiques psychédéliques, plus j’y trouve des points de contact avec le rock progressif. Bon, il est aussi possible que je sois surtout attiré par celles qui ont déjà ces points de contact, mais en écoutant Through Zero, le nouvel album d’Elder, je me dis que ce ne sont plus des points de contacts, mais on peut carrément parler de siamois.

Quatuor né sur les côtes du Massachusetts il y a une vingtaine d’années, Elder est désormais basé à Berlin, en Allemagne. Le groupe propose une musique qui mélange donc rock progressif et heavy psych, années septante et époque contemporaine.

Through Zero est le septième album du groupe, qui a cependant aussi sorti moult EP et splits. S’il ne compte que six pistes, ce n’est pas pour autant un petit gabarit: hormis le dernier, qui ne dure « que » six minutes, les titres s’étendent entre huit et onze minutes, pour une durée totale de près de cinquante-quatre minutes.

Sur ma chronique d’Innate Passage, le dernier album d’Elder que j’avais écouté, j’avais craint que le groupe ne reste un peu trop sur ses fondamentaux. Après l’écoute de celui-ci, ma conclusion est « peut-être, mais en fait ce n’est pas grave ».

J’entends par là qu’Elder continue à jouer sa musique entre prog et psyché, mais raffine la formule. La base est clairement psychédélique, tendance heavy psych, mais elle se déploie sur des compositions longues, complexes, et où les parties vocales haut perchées et blindées de réverbération rappellent le Yes des seventies.

Je n’irais pas jusqu’à dire que Through Zero est un album parfait, mais pas loin quand même. Disons que dans son genre rétro-prog psychédélique modernisé, Elder propose six titres extrêmement convaincants, avec très peu de moments faibles. Tel que, c’est un album qui aura sans doute sa place dans mon top de 2026 et vous comprendrez aisément que je vous le recommande.

Il est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Capture/Release »

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Quelque part, dans le metal, des sous-genres comme le black-metal et le metal progressif pourraient paraître à l’opposé l’un de l’autre. Ce à quoi Blindead23 répond « tiens-moi ma vodka » et sort un album comme Deuterium.

Si Blindead23 est une formation récente, elle a des racines qui remontent à plus de vingt ans, à l’époque sous le nom de Blindead. Fondée par l’ancien guitariste de Behemoth, elle compte également d’anciens membres de Vader, Wolverine et Katatonia. Rien que. Musicalement, on est dans un metal progressif avec des grosses influences metal extrême; les vocaux sont principalement en voici claire, mais avec de nombreux passages saturés.

Le côté metal progressif de Deuterium transparaît assez nettement dans le format de l’album: cinquante-quatre minutes, sept pistes, dont deux de plus de dix minutes (voire plus de dix-huit si on compte les deux premières comme une seule).

Visiblement, Blindead23 aime bien décontenancer son monde. Beaucoup des pistes de cet album ont un côté prononcé « Jekyll & Hyde », en posant une base metal progressif mélancolique à la Katatonia et en ajoutant par-dessus des éléments beaucoup plus agressifs. Mais pas toujours et c’est là le truc.

Je m’explique: dès les premières minutes de l’album, on a cette juxtaposition entre ambiances atmosphériques et saturation violente (dans les voix, mais pas que). Ce qui fait que lorsque, plus loin, on a des passages plus calmes, on en vient presque à redouter les explosions. Qui, parfois, viennent, parfois pas. C’est très malin et ça fonctionne très bien.

J’ai personnellement tendance à préférer les passages plus atmosphériques, comme « Towards the Dark » ou « You Are the Universe ». Mais je pense que ce serait moins impressionnant s’il n’y avait pas ce contrepoint metal extrême, comme le prouve les deux pistes « Immersion » qui ouvrent l’album, ou « Worst Laid Plans ». Et, quoi qu’il en soit, on ne peut que saluer la maîtrise de Blindead23 pour livrer des compositions de ce calibre dans un registre aussi casse-gueule.

Je dois remercier chaleureusement la chaîne MetalOBS TV pour la recommandation (ils ont d’ailleurs mis en ligne une interview du groupe). Avec Deuterium, Blindead23 livre un des albums les plus impressionnants de 2026, qui a toutes les chances de se retrouver dans mon top de l’année – peut-être tout en haut, mais pas loin.

L’album est disponible sur le Bandcamp de Peaceville Records.

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Bonus: la vidéo de « Immersion I »

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Berlin, 2099. Dans un chantier d’agrandissement de la ville, une des grues géantes est incendiée. Metropolia, la société commanditaire, fait appel à Sasha, détective privé, pour enquêter. Mais ses investigations vont le porter vers un des pires secrets de la cité.

Comme son titres l’indique, Les Bordures extérieures – l’emprunt à Star Wars est voulu – nous emmène visiter les franges de la mégalopole. La frontière, c’est le thème principal de cette histoire, mais ce n’est pas le seul.

On y découvre aussi une face plus sombre de ce Berlin futuriste. Et, partant, du monde dans lequel il se situe. Car cette fin de XXIe siècle nous montre les conséquences possibles de nos premières décennies: un avenir où l’énergie est rationnée, où la crise climatique jette sur les routes des millions, voire des milliards de personnes, où les populations occidentales crèvent de trouille et où le capitalisme gagne encore. Comme le dit Sasha:

« Se défoncer pour travailler plus, travailler plus pour se défoncer. Voilà à quoi en était réduite la classe ouvrière. »

Ce deuxième tome de Metropolia met donc un peu plus en lumière le monde créé par Fred Duval et mis en image par Ingo Römling (lui-même berlinois). Mais j’ai trouvé que le scénario est plus travaillé que sur l’histoire précédente – peut-être parce qu’il met plus en avant les personnages, Lucian le drogué aux personnalités multiples, les clandestins qui cherchent à entrer dans la ville, ou même les travailleurs sur le chantier.

Je sors donc plutôt impressionné de la lecture de cette bande dessinée. Metropolia semble monter en puissance et pourrait bien trahir son côté série B euro-cyberpunk pour proposer un récit bien plus ambitieux. L’avenir nous le dira.

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Visiblement, il va falloir définir un nouveau style musical pour qualifier les groupes qui font du hard-rock ambiance seventies et à l’esthétique occulto-horrifique. Je propose donc de qualifier Wretched Heart, de Spell, de « ghostcore ».

Spell est un quatuor canadien, originaire de Vancouver, qui se définit comme du « metal hypnotique anticapitaliste et antifasciste ». J’approuve. Fondé en 2013, le groupe propose une musique à mi-chemin entre hard-rock et heavy-metal des origines.

Wretched Heart est le cinquième album du groupe, qui a également participé à deux splits. Il dure un peu plus de quarante minutes et compte dix titres qui tournent entre quatre et cinq minutes, à l’exception d’un intermède d’une minute.

Entendons-nous bien: je sais que la bande à Tobias Forge n’a pas toujours bonne presse auprès des metaleux, mais, d’une part, moi j’aime bien et, d’autre part, si Spell y ressemble beaucoup (on pourrait aussi citer Wytch Hazel ou Hällas), le groupe a sa personnalité propre.

Enfin, « propre », je me comprends. C’est plutôt le contraire, en fait: la musique est plus viscérale, un peu plus sale, plus authentique. Des claviers moins présents, une basse nettement plus en avant et des guitares plus agressives.

Le cœur de Wretched Heart (haha), c’est quand même une musique très mélodique, un peu vintage dans les sonorités, mais très moderne dans la production. Les compositions sont impressionnantes et souvent imparables, surtout sur la première moitié de l’album, avec « Lilac », « Take my Life » et « Unquiet Graves ». Le reste est très bien aussi, mais je dirais que la surprise ne joue plus et les sonorités peuvent parfois être un peu répétitives.

J’avais découvert Spell sur une récente vidéo de la chaîne Le Metal c’est Vital et le reste de l’album confirme l’excellente impression que m’avait laissée l’extrait. Je recommande donc Wretched Heart chaudement – et pas seulement à cause de la chaleur de cette fin mai. L’album est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Take My Life »

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Ah, c’est enfin octobre et la saison d’OctoG… euh, attendez. Non, on est en mai! Mais alors, pourquoi c’est déjà OctoGônes 2026?

En très résumé, surtout parce que je ne connais pas trop les détails, la raison en est que la salle historique de la convention lyonnaise, le Double Mixte, est en cours de rénovations. Bon, là, je crois savoir qu’en fait de rénovation, ça veut surtout dire « on rase tout et on repart sur des bases saines ». Ce qui, entre nous, n’est pas du luxe. Mais qui a pour conséquence que la convention a dû se trouver un autre lieu et, partant, des nouvelles dates.

Ce lieu, c’est Eurexpo: un grand centre d’exposition moderne, situé non loin de l’aéroport de Bron. Ce qui a ses avantages, mais aussi des inconvénients.

Premier point: ce nouvel espace est grand. Probablement plus grand que les deux étages du Double Mixte utilisés en 2025, avec en plus l’avantage d’être sur le même plan: plus besoin de s’embêter avec des escaliers étroits (voire brinquebalants) pour passer de l’un à l’autre. Ce qui signifie qu’il est plus aéré et qu’il y a aussi plus d’espace pour circuler entre les stands, ce qui est très appréciable, surtout le dimanche familles-poussettes.

Le plus grand espace a également un impact sur le bruit, qui m’a paru moins fort que lors des éditions précédentes. Je pense que les panneaux en bois sur les murs doivent aussi aider sur ce point. Par contre, le système d’appel par hauts-parleurs aurait nécessité un réglage plus pointu: il était très fort! Je veux dire, j’ai l’habitude des concerts de black-metal à ras les enceintes et même pour moi, c’était fort. Et pour au moins un quart des personnes autour de moi, c’était carrément douloureux.

Mais je dirais que le plus gros défaut de ce nouvel emplacement, c’est qu’Eurexpo, c’est un peu loin de tout. Notamment du centre-ville et de ses restos sympas (oui, ça veut dire que je n’ai pas pu avoir une andouillette et je suis un peu frustré). Et des hôtels, aussi. C’est accessible par tram, mais celui-ci était régulièrement bondé (et surchauffé pour cause de températures estivales).

Avec les collègues de 2D Sans Faces, nous avons de nouveau squatté un bout de stand chez centSucres, avec notamment les gens des Éditions John Doe. On n’avait pas un gros espace, mais objectivement on n’avait pas énormément de trucs non plus. Depuis que Tigres Volants a été retiré du catalogue, y’a quand même beaucoup moins de bouquins. Mais notre activité était surtout concentrée sur La Collection Maxbrown, de l’ami Pierre Saliba (laquelle avait gagné un prix l’année passée) et sur les futurs projets, comme Les Contes du Soleil couchant (bientôt, promis), La Noiressence et Erdorin:2300.

J’ai mené la bagatelle de quatre parties, mais c’étaient des scénarios courts, d’une heure et demie. C’est un format que nous avions développé pour ce genre d’événement, plus « salon » que « convention de jeu de rôle ». L’intérêt est que les gens hésitent moins à tester un truc vaguement inconnu sur nonante minutes plutôt que sur trois-quatre heures. Et, bonus, c’est aussi moins fatiguant pour les meneurs de jeu; le brouhaha avait beau être moins intense, à la longue ça fatigue quand même.

Mais OctoGônes a aussi été l’occasion de retrouver plein de gens, et notamment de ceux que l’on croise rarement en vrai. Des gens comme l’équipe de Lapin Marteau (même si, avec Coralie, j’ai surtout causé prog-metal), Gianni dans la team Runequest, Hervé, Yann et une palanquée de fans de Tigres Volants (ceux qui ne sont pas morts). Et, plus globalement, tous les gens avec qui j’ai joué et qui ont accepté mes délires avec bienveillance – et parfois un enthousiasme qui faisait un peu peur.

Par contre, il va vraiment falloir commencer à faire quelque chose contre les produits en IA générative. Notamment un stand qui ne proposait que ça et, en plus, en mode full plagiat. C’est moche. Vous allez me dire que je suis encore trop sur mon truc, mais ce n’est pas MON truc, c’est le truc de tous les créatifs. Et s’il y a un truc sur lequel OctoGones devrait s’améliorer, c’est d’avoir une politique claire sur ce sujet.

(Et, par « politique claire », j’entends « dehors! »)

Sur un sujet plus amusant, il y avait aussi l’Opération Mémère; je n’en dis pas plus, elle se reconnaîtra (et elle va probablement se dénoncer elle-même).

Bref, c’était bien. Crevant, mais bien. On ne se fait pas plus jeunes et, même si je me suis réservé des temps de repos raisonnables, trois jours dans la foule, entre dés, t-shirts de metal, bière (artisanale), c’est intense. En plus, j’avais une pointe de frustration (oui, une autre) pour cause de cerveau à trou: j’avais oublié la lanière de mon appareil photo et, moins pardonnable, mon ordi portable (et aussi le câble pour charger mon téléphone, tant qu’à faire…).

Mais je ne peux m’en prendre qu’à moi-même et certainement pas à l’organisation d’OctoGônes, qui (hormis les quelques bémols sus-mentionnés) a une fois de plus été au top (rien n’a pris feu).

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Il est possible qu’en me voyant chroniquer Stardome, le nouvel album de Bataille, certains esprits chagrins y verront une forme de copinage. En effet, ce projet est celui de Maxwell, youtubeur bien connu de la scène metal francophone. Mais ce sont des esprits chagrins.

Bataille est donc un projet qui emprunte majoritairement à la dungeonsynth, avec ici des éléments métal plus présents que sur 5 Magics, l’opus précédent. Il y a des riffs de guitare volontiers agressifs et même quelques passages en voix saturée.

Stardome est le deuxième album plein format du projet, qui a également sorti deux EP. Il dure un peu moins de quarante minutes et compte sept pistes entre trois et sept minutes.

Il est amusant de se rappeler que la dungeonsynth est un genre né de la scène black-metal. C’est un de ces genres dont je ne raffole pas particulièrement, mais que j’aime bien écouter de temps à autres. Et, dans le cas présent, j’avais aussi été attiré par la thématique science-fiction de Stardome.

Avec ses faux airs de musique de jeu vidéo, y compris dans des sonorités 8 ou 16 bits, Bataille flirte entre les esthétiques électroniques, métal et aussi symphoniques.

Globalement, j’aime bien. Pas tout; les côtés répétitifs, comme dans le morceau-titre ou dans « Order and Violence », tendent à me lasser. Mais il y a également des pistes que je trouve beaucoup plus intéressantes dans leurs sonorités et leur construction, comme « The Endless Fight », « Her Ghost Inside » ou « Utopiale ».

Au final, j’ai trouvé Stardome plus intéressant que 5 Magics, notamment parce qu’il est plus varié; le format plus long de l'album (plutôt que d'un EP,)aide sans doute aussi. La musique de Bataille n’est toujours pas ma tasse de thé, mais c’est très sympa à écouter, avec quelques réels moments de bravoure.

L’album est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Lèveciel »

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Était-ce le concert de trop? Pas pour Gavial Haze et Naxatras, qui jouaient ce premier mai aux Caves du Manoir, mais pour moi. Parce que le début du concert, c’était presque le milieu de ma journée, en fait.

Résumons: réveil à six heures, boulot (en distanciel, mais avec Internet en carafe, donc sur la 5G), puis vélo jusqu’à la gare de Genève, puis train pour Martigny (à l’heure de pointe), arrivée vers 20 h, concert jusqu’à minuit, train de nuit à une heure moins le quart, pas moins de deux changements pour arriver à Genève à 3 h 41, et bien sûr re-vélo pour rentrer maison.

Et ce n’est pas comme si c’était nouveau non plus: j’avais déjà vécu la même blague il y a deux ans. Apprendre, c’est pour les faibles!

Mais bon, je m’étais dit qu’une soirée space-rock / psychédélique avec, en prime, un groupe grec qu’on voit rarement sous nos latitudes (le bassiste nous a même dit que c’était leur première fois en Suisse), ça valait la peine de se bouger. J’ai eu raison, mais ça m’a un peu coûté cher.

Et donc, à 20 h 30, me voici de retour dans les Caves du Manoir, qui je le rappelle sont littéralement les caves d’un manoir. Je déballe le matos photo – en apercevant au passage que j’ai encore oublié la pochette pour le second objectif – je récupère une bière et je pars me trouver une place devant et le plus au centre possible, tant que c’est encore possible de bouger. Ça ne va pas durer.

À neuf heures, c’est Gavial Haze qui s’installe sous la voûte. Il s’agit d’un quatuor venu de La Chaux-de-Fonds – encore plus loin que moi, chapeau! – et qui balance une rock psychédélique instrumental. Et quand je dis « balance », je pèse mes mots, parce que leur musique est franchement énergique et enthousiasmante, avec un duo de guitares harmonisées qui équilibre une section rythmique bien lourde comme il faut.

Gavial Haze va jouer environ une heure, devant un public franchement enthousiasme, et nous présente son nouveau bassiste: Romain. Ça brasse beaucoup devant la scène, ça pogote même un peu, mais l’ambiance est plutôt festive, du coup je ne râle même pas quand une voisine me pique ma bière. Il n’en restait pas beaucoup et je soupçonne que ce n’était pas sa première.

Bref. Gavial Haze, c’était bien. Comme on dit en là par chez nous, j’ai même été déçu en bien. Un côté stoner méchant, des guitares à la Wishbone Ash, beaucoup d’énergie et un son moderne: rien que du bon.

Le changement de scène permet à un peu tout le monde d’aller prendre l’air. Le temps est plutôt estival et la salle bondée. Les gens sont enthousiastes et je suis franchement surpris de voir autant de monde pour ce que je pensais être un petit groupe pas très connu dans la région. Après, j’aurais dû me méfier: les Caves du Manoir ont des accointances historiques avec la scène psyché et, visiblement, le public qui va avec. En plus, avec une jauge à 200 places, ça se remplit vite!

Naxatras commence un peu avant 22:30. Le groupe se présente comme un quitte, avec batterie, percussions , claviers, guitare et basse, ces deux derniers également au chant. Et, dans un premier temps, je me prends à penser que le groupe propose une musique un peu moins péchue, impression renforcée par un jeu de scène plutôt statique. Grave erreur!

Parce que, d’une part, Naxatras joue sur un registre qui emprunte au post-rock le jeu sur les montées en puissance. Et, d’autre part, parce que le public a décidé qu’il allait foutre le zbeul, donc pogo, repogo et stök! Bon, je dis « le public », mais soyons franc: le groupe aide aussi beaucoup, avec des compositions space-rock qui n’hésitent pas à enclencher l’hyperpropulsion et faire claquer les missiles à antimatière quand il le faut.

Bref, Naxatras fait le show: c’est du gros son, c’est maîtrisé; il y a peut-être un peu trop de fumigènes – mais bon, après The Great Alone et Versatile, ça va! Non, le plus gros souci, c’est moi: en plein milieu du set de Naxatras, je me prends successivement un coup de fatigue, des crampes aux pieds et un quarteron de viande saoule qui décide de pogoter avec des pintes à la main.

Du coup, à peu près à la moitié de la prestation, je décide que pause et je me rapatrie au bar, devant le grand écran. Ça me permet de me reposer un peu, suffisamment en tout cas pour revenir pour le rappel – alors qu’une partie du public a commencé à se rapatrier vers des positions préparées à l’avance. ce qui n’empêche pas ceux qui restent de repartir en pogo.

Et finalement, les lumières se rallument, autour de minuit. J’ai encore un peu de temps pour aller braquer le stand de merch et repartir avec deux CD et un t-shirt avant de rejoindre la gare. Dans ma tête, je m’étais dit « cool, j’ai trois heures de train pour commencer à bosser sur le live-report ». En fait, je me suis vautré sur une banquette et j’ai somnolé entre deux correspondances.

Quelque part, c’était un peu la soirée « c’est pas beau de vieillir » (variante: « chuis trop vieux pour ces conneries »), mais même si je l’ai un peu payé le lendemain, notamment en me faisant réveiller par une crampe au mollet, c’était vraiment cool. Après, bon, c’est un concert, pas de metal, mais presque, donc même quand c’est pas terrible, c’est quand même sympa. Et là, en plus, c’était bien: deux groupes de très bonne tenue, un public très enthousiaste – peut-être trop, mais mieux vaut ça que le contraire – et une technique à peu près irréprochable. Pour un peu, on en redemande. Mais pas tout de suite…

Vous pouvez retrouver ce live-report en vidéo, sur YouTube et sur Peertube. Une petite sélection de photos est également disponible sur Flickr.

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Lucky Luke, le pauvre cowboy solitaire, loin de son foyer, ça vous parle? Eh bien disons que cette série, co-produite par France Télévisions et Disney+, va remettre quelques certitudes en question. En même temps, comment parler de certitudes dans le cas d’une légende l’Ouest?

Or donc, Lucky Luke, justicier solitaire de l’Ouest Sauvage, se retrouve un beau jour face à Louise, une jeune femme qui veut lui faire la peau. Bon, il s’agit d’une méprise et, assez rapidement, Luke va se faire embarquer dans une quête pour retrouver la mère de Louise, dont il pourrait bien être le père.

Posons déjà les choses: cette nouvelle série Lucky Luke a un côté assez iconoclaste. Déjà, elle adopte les codes visuels du western-spaghetti (elle a d’ailleurs été tournée en Espagne, dans les mêmes décors utilisés par Sergio Leone) et elle propose également une relecture particulière des personnages.

Ainsi, on croise la route d’un Billy The Kid percuté de plein fouet par la puberté, d’un Joe Dalton percuté de plein fouet par un bison, d’une Calamity Jane percutée de plein fouet par sa propre légende. Sans parler de Lucky Luke lui-même, percuté de plein fouet par son passé. Ça fait beaucoup de percussions.

Pendant quelques épisodes, on a même un duo très amusant entre Luke et son pire ennemi, Joe Dalton, qui pense être lui le père de Louise. Ladite Louise n’a clairement qu’une priorité: retrouver sa mère. Mais il y a aussi une raison à son enlèvement, raison qui va être le point central des derniers épisodes.

Du coup, Lucky Luke, adaptation ou trahison? Vous connaissez sans doute mon opinion sur les guignols qui piornent sur les adaptations (et si vous ne la connaissiez pas avant, maintenant oui) et je dirais que cette série est très réussie, dans l’esprit sinon la lettre. Déjà parce qu’elle est très drôle – même s’il faut pour cela apprécier l’humour à la Kaamelott.

C’est le moment de poser mon fameux « moi j’ai bien aimé ». En fait, j’ai trouvé cette série franchement marrante. Certes, elle propose un point de vue assez différent du Lucky Luke que l’on connait par les bédés de Morris (avec ou sans Gosciny), mais c’est peut-être mieux ainsi. Ce sont des histoires qui, dans le meilleur des cas, datent de quelques décennies et, qui plus est, pour un public plutôt enfantin.

À mon avis, la série Lucky Luke garde l’esprit de la bédé, mais propose une version du personnage qui est plus adaptée à un public plus adulte et, aussi, plus en phase avec notre époque. C’est une excellente surprise.

Bonus: la bande-annonce

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La scène grecque n’a plus grand-chose à prouver en matière de metal et même de metal progressif. Birth of a Mask, le nouvel album de Hypostasis (reçu du groupe via un service presse), est un nouvel exemple de sa vitalité.

Hypostasis est un quatuor originaire d’Athènes, qui a été d’abord actif il y a une dizaine d’années, avant de connaître un long hiatus et revenir ces derniers mois. Le groupe joue un metal progressif plutôt technique, avec des inspirations goth-doom.

Avec dix pistes et un peu plus de trois quarts d’heure au compteur, Birth of a Mask affiche un format plutôt standard. Les pistes font entre quatre et six minutes, sauf l’intro, de deux minutes, et le titre final qui dépasse les huit minutes; là encore, rien d’inhabituel pour le genre.

À la base, le metal progressif d’Hypostasis, quelque part entre Dream Theater et Pain of Salvation, est plutôt classique: énergique, complexe, bien construit et servi par des musiciens solides. Disons aussi qu’à moins que ça, on risque d’être ridicule.

Il apporte également un lot d’ambiances plus travaillées, avec un côté parfois déjanté. Il faut aussi dire que le thème de l’album est un voyage dans la psyché d’une personne sérieusement dérangée, ce qui explique la présence de voix parfois inquiétante en toile de fond.

Des pistes comme « Afraid » ou le morceau-titre fonctionnent particulièrement bien, ainsi que le diptyque final, « Visions » et « Phoenix » (un quart d’heure à eux deux).

Mais il n’est également pas toujours très maîtrisé ou, pour dire les choses autrement, Hypostasis tente des trucs qui ne sont pas toujours des réussites. Quelque part, je préfère ça que le contraire, surtout pour ce thème, mais il faut avouer que ça casse parfois un peu l’ambiance.

L’un dans l’autre, Birth of a Mask est un bon album de metal progressif, voire très bon par moments. Hypostasis n’est pas la découverte de l’année en la matière, mais il propose un album solide, avec quelques fulgurances. Il est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Mirror »

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Alors que la Fédération commence à se remettre des conséquences du Burn, la catastrophe qui a coupé la plupart des communications interstellaires pendant plus d’un siècle, les premiers cadets reviennent dans la Starfleet Academy, titre de cette nouvelle série Star Trek.

L’histoire s’attache principalement à Caleb Mir, un jeune homme au passé de délinquant, mais aux compétences certaines, qui rejoint l’Académie avec la promesse que cela va l’aider à retrouver sa mère disparue. Mais l’Académie doit aussi apprendre à cohabiter avec leurs « collègues » du War College, une institution beaucoup plus axée sur la baston, et à gérer diverses crises diplomatiques (mais pas que).

Je vais être franc: Starfleet Academy n’est pas vraiment ma série Star Trek préférée. Déjà parce que j’ai une patience assez limitée avec les histoires de lycée (thème vers lequel la série lorgne beaucoup) et aussi parce qu’elle accumule pas mal de clichés.

On y retrouve une capitaine peu conventionnelle, des jeunes gens avec tous deux ou trois fois le désavantage « Sombre Secret », des extra-terrestres qui ressemblent beaucoup trop à des humains, y compris culturellement, et quelques situations très convenues. Ça, plus un générique franchement quelconque.

Pourtant, elle a pas mal de bons côtés. Déjà, on y retrouve quelques têtes connues, au premier rang desquels le Docteur. Non, pas celui avec un tournevis sonique, mais l’hologramme qui, huit cents ans après Voyager, est toujours là. Jett Reno, l’ancienne ingénieure du Discovery, est également présente en tant qu’instructrice au franc-parler sarcastique. L’actrice Tawny Newsome (Beckett Mariner, dans Lower Decks) fait également une apparition, ainsi que Mary Wiseman, qui reprend son rôle de Sylvia Tilly dans Discovery.

En plus, la série a droit à un antagoniste de premier plan, en la personne de Nus Braka, individu particulièrement retors à la tête d’un empire criminel et qui a un lien avec la mère de Caleb. Si l'on excepte le fait qu'il s'habille chez Méchant & Fils (même au milieu d'un festival black-metal, on l'identifierait comme le méchant), il a vraiment l'air inquiétant.

Et, plus globalement, je trouve que les personnages sont bien écrits, ce qui les rend attachants (mention spéciale pour SAM, l’autre personne photonique de l’histoire). Et puis l’univers de ce XXXIIe siècle post-Burn est plutôt intéressant, montrant une résurgence compliquée après une catastrophe majeure. Disons que c'est un contexte beaucoup plus complexe, beaucoup moins « propre » que les séries plus classiques du XXe siècle.

C’est donc une série en demi-teinte, mais que je ne trouve pas mauvaise pour autant. C’est plaisant à regarder mais, pour comparer avec une autre série récente, c’est moins ouf que Strange New World. À noter que la deuxième saison, prévue pour début 2027, sera également la dernière. Ce qui est toujours un peu dommage, parce que je pense qu’il y avait du potentiel.

Bonus: la bande-annonce

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