Bon, vu que je vais aller les voir dans un mois, ou peu s’en faut, il serait peut-être temps pour moi de m’intéresser à Kingcrow et, plus particulièrement, à leur nouvel album, Hopium. Il serait temps que je rattrape mon retard, vu que je connais d’eux que l’album Eidos paru en 2015…

Kingcrow est un groupe originaire de la région de Rome, fondé il y a vingt ans, qui propose une musique résolument contemporaine, entre rock progressif, metal progressif et électro. Le style n’est pas sans rappeler Leprous et Porcupine Tree, voire Haken par moments.

Hopium est le huitième album du groupe. Il dure un peu moins de cinquante minutes avec neuf pistes plutôt courtes. En effet, seules trois compositions s’étendent sur plus de six minutes – jusqu’à huit minutes et demie pour le morceau-titre. Il compte également une dixième piste-bonus.

Je ne savais pas trop à quoi m’attendre, mes souvenirs du précédent opus du groupe étant plus que vaporeux, et Kingcrow m’a déçu en bien. Agréablement surpris, donc.

Alors certes, on est dans des domaines plutôt balisés. On trouve facilement dans Hopium des influences marquées par le metal progressif lyrique et technique de Leprous, mais d’une part les Italiens sont ultra-solides, mais ils jouent également avec inventivité et avec une intensité impressionnante. « Parallel Lines », une des « longues » pistes de l’album, est un exemple, mais je pourrais aussi citer « Losing Game » avec son intro faussement calme (« White Rabbit’s Hole » est un peu comme ça aussi).

Et si je mentionne également Porcupine Tree, c’est que je retrouve des ambiances planantes et un peu mélancoliques sur certains des titres plus lents de l’album. Kingcrow n’hésite pas non plus à aller chercher des sonorités très électro (ce qui me fait parfois penser à Frost*, mais je suis peut-être un peu trop sur mon truc). Ajoutez par-dessus un petit côté Haken dans les vocaux et vous aurez un combo gagnant. Parce que, si pris individuellement, ces éléments n’ont rien de nouveau, le groupe les combine ici avec une efficacité bluffante.

Avec Hopium, Kingcrow a de très bonnes chances de se retrouver dans le top de l’année 2026. C’est en tout cas un des albums les plus convaincants que j’ai écouté en metal progressif – au sens large du terme – cette année et je vous recommande de faire de même, par exemple en allant l'écouter sur Bandcamp. Autant dire que je me réjouis d’avance de les voir au Ready for Prog.

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Bonus: la vidéo du morceau-titre

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Trois héros improbables qui en accompagnent un troisième, encore plus improbable, c’est le point de départ très, très résumé du premier tome de L’Oiseau qui boit des larmes, tétralogie de fantasy signée Young-do Lee, intitulé Le Cœur des Nagas.

Improbables, pas tant pour leur personnalité, qui est certes très haute en couleur, mais plus par le fait qu’ils viennent de quatre peuples différents et, dans le cas du naga Ryun, ennemi.

Les Nagas sont un peuple peu décrit, mais qui semblent être des serpents humanoïdes: sang froid, vision thermique, peau écailleuse qui mue périodiquement, reproduction ovipare. Leur société est matriarcale, les mâles ont un rôle reproducteur, mais aussi lié à la défense de leur peuple, notamment via la Tour, dans laquelle le cœur des Nagas est entreposé, procédure qui leur donne une forme d’immortalité (relative, mais quand même importante).

Dans le cas de Ryun, il s’est enfui avant que son cœur ne lui soit retiré. Par peur du processus, mais aussi parce qu’il a vu son meilleur ami mourir devant ses yeux, après lui avoir confié la mission qu’il aurait dû remplir. Mission qui implique donc de quitter la torpeur confortable de la jungle où il vivait et parcourir les terres glaciales (pour lui) jusqu’à un temple, escorté par un Tokkebi, qui peut manipuler le feu, un Rekkon, gigantesque coq combattant, et un chasseur humain qui mange les Nagas.

Leur voyage, qui ne fait que commencer dans ce premier tome, est compliqué par le fait que la propre sœur de Ryun a fait le serment de le tuer et qu’elle s’est alliée à un tigre géant. De plus, leur route semble parsemée par une malédiction de rois, des humains qui se prennent pour des monarques et se lancent dans des croisades tragi-comiques. Ah, il y a des dragons, aussi. Enfin, un.

Dans sa saga (de Nagas), Young-do Lee a fait appel au folklore coréen pour teinter sa fantasy. Cela donne un univers parfois surprenant, mais que je n’ai pas trouvé personnellement aussi dépaysant que ça.

(Au reste, vous pouvez largement ignorer l’étiquette « Le Tolkien coréen » apposée sur la couverture. C’est du pur marketing – et potentiellement insultant pour un peu toutes les parties concernées.)

À ce stade, je dois quand même préciser que la fantasy pure et dire, je ne suis pas particulièrement client. L’Oiseau qui boit des larmes est encore un bouquin que j’ai lu dans le cadre de mon devoir (DEVOIR!!!) de juré du Prix Planète-SF. Je suis d’ailleurs un gros gâté: hormis Le Livre des Passages, que j’avais déjà lu en VO, les trois autres ouvrages sont dans des sous-genres qui ne me branchent pas, mais passons.

Cependant, j’ai plutôt bien aimé la lecture de ce premier tome. On sent le côté fantasy épique avec des enjeux existentiels sérieux et tout, mais les personnages gardent les pieds sur terre, ils rigolent, il y a des trucs absurdes. C’est assez rafraîchissant, somme toute.

Avis global plutôt positif; pour le moment, ce n’est pas mon préféré de la sélection (et je ne suis pas certain d’avoir envie de lire la suite), mais ce n’est pas celui que j’aime le moins non plus. Il se lire assez facilement, mais manque peut-être de rythme; c'est plus un voyage, une découverte, que de la quête épique et trépidante.

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Vous connaissiez John Carpenter le musicien, mais aussi le cinéaste? Découvrez le scénariste de roman graphique avec Cathedral, le nouvel album du compositeur!

Réalisateur, compositeur, scénariste et producteur américain, John Carpenter est actif depuis plus de cinquante ans et il est connu pour avoir façonné le cinéma de genre – surtout d’horreur – dans les années huitante, à la fois par ses histoires mais aussi – et peut-être surtout – par sa musique. La synthwave, c’est lui!

Cathedral est donc une musique de film de quarante-cinq minutes. Mais pas de film en fait: elle accompagne un roman graphique tout au long de quatorze pistes plutôt courtes: seule la première fait (un peu) plus de cinq minutes.

Posons tout de suite les choses: je ne savais pas que cet album était la bande-son d’une BD et donc je n’ai pas lu cette dernière. Peut-être un jour. Mais, fondamentalement, le résumé fait beaucoup penser à Prince of Darkness, avec son église abandonnée qui abrite une créature maléfique.

Pour ce qui est de la musique, John Carpenter – accompagné ici de son fils Cody et son filleul Daniel Davies (aussi connu pour jouer avec de nombreux groupes, dont Karma to Burn) – annonce la couleur dès le départ « c’est notre album heavy-metal ». Et, d’une part, ce n’est pas faux; d’autre part c’est assez amusant de voir qu’après avoir influencé des artistes qui ont créé la darksynth en mélangeant synthwave avec sonorités (et visuels) metal, lui-même reprend cette même idée.

Ainsi, Cathedral a certes une forte identité synthwave/darksynth, avec ses claviers analogiques et ses ambiances inquiétantes, mais les guitares mordantes y sont très présentes. Ça tabasse plus qu’à l’accoutumée. Et si je suis assez client de ce style de musique, avec en prime ses thèmes musicaux qui reviennent au long de l’album, je ne suis pas entièrement convaincu. Peut-être qu’il me manque l’accompagnement du roman graphique, mais dans ce cas, c’est l’idée d’un média bancal qui me gêne.

Ceci posé, les amateurs des musiques de film à la mode synthwave en général et celles de John Carpenter en particulier ne seront à mon avis pas déçus par Cathedral. L’album est solide; on n'en attendait pas moins. Il est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo « vizualiser » de « Revenge » (passablement moche, mais la musique est assez représentative)

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Promis, je vais essayer d’éviter de faire des blagues scatos sur le nom de La Tour-de-Peilz, sympathique petite ville entre Vevey et Montreux, qui accueille chaque année depuis trois ans le Festival des jeux.

Je vous en avais déjà parlé l’année passée: le Festival des jeux est un événement pendant lequel un peu tout le centre de la ville se transforme en convention de jeux. Il y a de tout: des jeux de plateau, des jeux pour enfants, des jeux de carte à collectionner, du jeu vidéo, des figurinistes dans une chouette salle en carnotzet, une énorme brocante et des animations au Musée suisse du jeu, sis dans le château au bord du lac.

Et du jeu de rôle. À défaut d’avoir pu faire leur convention cette année, les copains d’Orc’Idée organisaient les parties de jeu de rôle avec SwissRPG: sept tables, pas loin de 25 parties enregistrées et sans doute nettement plus en comptant les « pirates » et les petites démos rapides présentées à la volée.

Cette année, 2D Sans Faces y tenait un petit stand et y proposait quelques parties. J’y ai présenté deux scénarios courts de Erdorin:2300, qui ont plutôt bien fonctionné. C’est toujours cool de jouer dans un parc (et sous une tente, parce que c’était encore un week-end avec des températures de plus de trente degrés).

Les points les plus spectaculaires du week-end étaient la brocante déjà mentionnée, qui occupait toute la longueur de la rue du Château, un espace marché avec beaucoup de produits du terroir et de nourriture exotique (et aussi quelques geekeries) et, le samedi soir, une tentative de record du monde aux Loups-Garous de Thiercelieux.

L’événement a clairement attiré les foules, avec beaucoup de familles. Et franchement, c’était chouette. J’avais bien aimé la précédente édition, mais celle-ci était encore mieux.

J’aurai une petite galerie de photos en ligne sur Flickr un peu plus tard.

MISE À JOUR, 15:00: la galerie de photos est en ligne (toujours sous licence CC-BY)

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Les températures baissent, mais les passions restent élevées. C'est l'heure du bilan mensuel création et mécénat pour août 2026 et je suis nul pour faire des haikus.

Pour rappel, dans cette série d'articles, je fais le bilan de tout ce que j'ai créé, donné et reçu le mois passé. Notez que, dans l'absolu, je n'ai pas un besoin vital de l'argent que vous me donnez. Pour le moment. J'ai repris une activité professionnelle à 100%, mais pour quelques mois seulement.

Création

Au chapitre de la création, le mois a été plutôt classique sur le blog, sur lequel j'ai publié 21 nouveaux billets. Ces articles se répartissent comme suit:

• onze chroniques musicales pour dix albums et un concert,
• un article Radio-Erdorin,
• deux chroniques bouquin, trois chroniques bédé et deux chroniques série télé,
• un compte-rendu de convention, et
• l'habituel bilan création et mécénat du mois précédent.

En plus du présent blog, tous ces articles sont partagés sur le blog de secours (partiellement seulement, et quand ça fonctionne; il y a eu quelques bugs, récemment) et je publie aussi sur Instagram les liens vers les chroniques musicales.

Une nouvelle galerie sur Flickr, avec 37 photos; le gros album n'est toujours pas finalisé, mais j'y pense (à défaut de bosser dessus).

En vidéo, un épisode ordinaire de Radio-Erdorin et un live-report, sur YouTube et sur Peertube. Également un nouvel épisode pour Erdorin, l'air de rien, sur YouTube et Peertube également. Et toujours beaucoup de rediffusions de livestreams: deux pour Radio-Erdorin, avec rediffusions sur YouTube, et deux aussi pour Erdorin, l'air de rien, avec rediffusions sur YouTube et sur Peertube.

Je continue donc de faire des directs régulièrement, sur YouTube, Twitch et Peertube: une semaine sur deux le jeudi soir pour des sujets non-musique (pour le moment sur Erdorin:2300) et l'autre semaine, le vendredi, pour les sujets musicaux. Sauf quand ça collisionne avec d'autres événements et où je décale d'un jour.

Toujours rien de nouveau en fiction, mais le travail sur Erdorin:2300 a repris, grâce aux livestreams sus-mentionnés.

Mécénat

Le secteur du mécénat est globalement stable.

Sur Ulule, toujours un don de ma part au youtubeur Maxwell sur cette dernière plateforme (€1 par mois).

Rien de nouveau sur Ko-Fi.

Sur Liberapay, cinq contributeurs à €4.27 (et des poussières), soit un total mensuel de €17.08. Mes dons se montent à €6 par mois pour les projets et services Liberapay, et Pair2Jeux, ainsi que les autrices et auteurs Gee, KoyoliteTseila, LeGreg, et Mesdames Duc.

Sur Patreon, Michelle Fus* (Ava’s Demon), Randy Milholland (Something Positive), Jeph Jacques* (Questionable Content), Matt Kruse (Social Fixer), John Kovalic (Dork Tower), Colleen Doran (A Distant Soil), Stjepan Šejić (Sunstone, entre autres), Linda Šejić (Blood Stain, Punderwold), FeedBackGaming, Taureor, Alex the Rambler*, Notes Review, Vivienne Medrano (Studio ViziePop), skills4ltu, Studio 4D2, Nowtech*, Rex's Hangar, Lizzie Crowdagger, JP Ahonen (Belzebubs; page en suspens), Mastodon* et Linkstack pour un total de $1 et €20 (techniquement un peu moins: certains sont payés à l'année avec 10% de rabais; ils sont indiqués avec l'astérisque).

Les contributeurs sur cette plateforme sont: Alysia, DD, Gilles, Guillaume, LDM, Manu Podj et sonhouse. Le total de dons reçus se monte à €30 (arrondi, moins les frais).

Enfin, sur Tipeee, mes dons vont à: Bruno Bellamy, Frank Brusset, Les Revues du Monde, Maliki, MusINC, Kad, Nota Bene et Psychée, pour un total de €8.

Il y a aussi quelques dons hors plateforme (Blast, ou des dons directs à Internet Archive, LibreOffice ou Wikipédia, par exemple), ainsi que des « dons croisés », par exemple avec Ploum, mais je ne vais pas les comptabiliser ici, c'est déjà assez compliqué comme ça.

Au final, le bilan financier d'août 2026 est de $1 et €35 donnés, pour environ €47 reçus de la part de douze contributeurs. Une fois encore, merci à vous tous pour votre générosité.

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Au départ, je n’étais pas parti pour chroniquer World War Dinosaur, le dernier album en date de Victorius. Mais je me suis dit que, dans la foulée de Masters of the Universe, c’était plutôt raccord.

Parce que, voyez-vous, au cas où vous ne l’auriez pas deviné au titre et à la pochette, Victorius est un groupe de power-metal. Ils sont cinq, ce sont des Allemands, parce que bien sûr, et ils sont actifs depuis 2004.

Et quand je dis « actifs », World War Dinosaur est leur septième album, huitième si on compte un EP – qui a son importance, car il lance le concept de dinosaur-metal que le groupe semble avoir adopté depuis. Le format est classique, avec douze pistes courtes – entre trois et quatre minutes et moins de trois quarts d’heure au compteur.

J’avoue, c’est une chronique d’Angry Metal Guy qui m’a incité à acheter cet album. Ça et une appétence momentanée pour écouter du metal un peu teubé; ça me prend parfois, un peu comme une envie de boulotter un litre de glace au chocolat. Avec un peu les mêmes résultats, d’ailleurs.

Bon, avant d’être désagréable, je dois quand même dire que World War Dinosaur a un côté viscéralement jouissif et que Victorius connaît son métier: ça tabasse vite et fort, pile comme il faut.

Ceci posé, c’est très, voire trop classique. Je veux dire, même Gloryhammer paraît plus développé à côté. Le souci, c’est que même avec une durée plutôt raisonnable – quarante-quatre minutes, on ne peut pas dire que le groupe abuse – ça commencer rapidement à se répéter.

La faute un peu à la musique, certes, mais aussi avec le thème et les paroles. Au bout du trentième « war », du cent-douzième « dinosaur » et du soixante-sept mille huit cents cinquième cliché du même genre, je commence quelque peu à fatiguer.

(J’ose espérer à ce stade que le groupe sait ce qu’il fait, parce que si ce n’est pas le cas, ça me fait encore plus peur que devoir chroniquer un album de goregrind.)

Du coup, je ne peux que poser un diagnostic réservé: World War Dinosaur est un album sympathique, rigolo, et même, parfois, enthousiasmant, mais globalement je trouve que Victorius répète trop les mêmes recettes éculées pour être austère chose qu’anecdotique.

Bonus: la lyric-video du morceau-titre (prévoyez de l’insuline)

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Ah, la série Les Maîtres de l’Univers, qui passait à la télé quand on était gamins, vous vous en souvenez? Ben moi non, je crois bien que je n’en ai jamais vu un épisode, mais j’avais entendu tellement de bien de sa récente en adaptation en film, Masters of the Universe, que je me suis laissé tenter. Eh ben, vous savez quoi? J’ai bien fait.

Tout commence sur la planète Eternia, où le (très) méchant Skeletor attaque le royaume des Gentils pour s’emparer du Pouvoir Absolu, ou un truc du genre. Adam, le fils du roi, prend l’épée qui symbolise le pouvoir en question, passe un portail qui l’envoie sur Terre et… perd l’épée. Quinze ans plus tard, il végète dans un job aux ressources humaines d’une boîte quelconque, raconte à qui veut l’entendre qu’il est le prince perdu d’une improbable planète et il cherche son épée; c’est la lose, si ça trouve, tout le monde le prend pour un rôliste.

Sauf que l’épée en question, il va la retrouver (non sans mal) et repartir sur sa planète. En pleine guerre. Avec sa chemise rose. Oui, parce que le Adam en question, ce n’est pas exactement un combattant émérite. Alors quand il va se retrouver face aux sbires de Skeletor avec ses p’tits bras pas musclés, ça va être un chouïa compliqué. Mais comme il a l’épée (le Pouvoir Absolu, vous vous rappelez?), il va se métamorphoser en gros tas de muscles (avec une épée) et va balayer le plancher avec les sbires. Parfois littéralement.

Si j’ai l’air un peu de me moquer, comme ça, sachez que le film aussi. Les scénaristes auraient pu tenter de revisiter le matériau original en mode grimdark, avec des méchants-pas-si-méchants ou que sais-je, mais non: full premier degré ou presque.

Le trait de génie, c’est d’assumer que les noms débiles des personnages (ahem… Fisto), c’est juste le Adam qui a dix ans qui ne se rappelle pas des noms et qui les reconstruit dans sa mémoire, pendant son exil. Et que, oui, le monde d’Eternia, il est comme ça: des Héros très Valeureux contre des Méchants très Méchants, zéro justification. Skeletor il est méchant Parce Que – et il kiffe.

Et ça fonctionne! Avec en prime Adam qui est vraiment au centre de la narration, même avec son côté bodybuildé un peu débile: il est à la fois le candide par les yeux duquel on découvre le monde et celui qui, dans le même temps, le recrée à son image – ou à l’image du lui gamin. Ça se moque, mais jamais méchamment: ça ressemble à un truc pour gamin de dix ans parce que c’est diégétiquement un truc de gamin de dix ans.

Alors oui, le bazar ressemble à un clip de Gloryhammer de plus de deux heures (y compris pour la musique, qui est au demeurant pas mal, même si ça fait un peu « metal de chez Wish »), mais c’est fait avec du cœur et du cerveau (en tout cas un peu). Et mention spéciale pour le caméo de Dolph Lundgren: c’est du grand art.

Bonus: la bande-annonce

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Enfin, un nouvel album des Sister of Mer… ah non, tiens: c’est Moonspell. Bon, ce n’est pas la première fois que le groupe portugais vient émuler le mythique groupe gothique, mais Far from God va particulièrement loin dans le concept.

Moonspell est donc une formation née dans les environs de Lisbonne autour de 1989 sous le nom de Morbid God, avant de prendre son nom actuel en 1992. Longtemps classée dans le death-metal (plus ou moins mélodique), elle a flirté avec plusieurs genres, donc le metal gothique dont elle se pare ici.

Il y a des signes qui ne trompent pas: Far from God est le treizième album studio du groupe. Sorti cinq ans après Hermitage, il dure un peu moins de trois quarts d’heure et compte huit pistes de longueur similaire, entre cinq et six minutes.

Il y a dix ans, avec Extinct, Moonspell était déjà aller hanter les terres du rock gothique. Après un chapitre plus metal sur 1755 et l’épisode floydien de Hermitage, cet opus est une sorte de retour aux « sources » (celles du Styx, probablement). Je dois avouer n’avoir que des souvenirs flous de l’opus de 2015, mais j’ai l’impression que celui-ci va encore plus loin dans le sisters-worship (en tout bien tout honneur – ou pas, en fait).

Et si je parle au début de metal gothique, je trouve que Far From God ne l’est somme toute pas tant que ça – metal, donc. Certes, il y a des sonorités un peu mordantes (« Your Promise of Light ») et Fernando Ribeiro qui hurle sur certains passages (« Biblical » ou « The Great Wolf in the Sky »), mais quand on écoute ne serait-ce que la première piste, « Cross Your Heart » (ou le morceau-titre qui suit), on peut se permettre quelques doutes sur la nomenclature.

Cela dit, les termes sont une chose, la musique en est une autre, alors qu’en est-il. Eh bien il en est que j’aime bien. Ce qui ne devrait pas être une surprise pour les gens qui suivent ce blog depuis un moment – même pas si long, confere ma chronique de Cemetery Skyline. Car oui, même si à l’époque je n’étais plus tout à fait un teenager, j’ai eu ma période gothique, entre les Sisters of Mercy précitées et les Fields of the Nephilim, pour ne citer qu’eux.

Histoire d’y aller à fond dans le gothique de concours, le groupe souffre même la présence d’un violoniste sur « The Great Wolf in the Sky ». Mais, globalement, Far from God a tendance à devenir de plus en plus metal en allant vers la fin. Après, si l'écoute est agréable, je sens quand même un certain classicisme dans l'exercice, une absence de surprise.

Ce virage de Moonspell n’en est donc pas vraiment un et, de plus, il se fait vers des rivages pour lesquels j’ai une affinité notable. Du coup, même si j’attendais quelque chose de plus méchant, je trouve ce Far from God plutôt satisfaisant. Techniquement, il est même bon, voire très bon, mais j’ai quand même du mal à être entièrement conquis.

Il est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Cross Your Heart »

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La division est un peu arbitraire, mais de mon point de vue, c’est avec cette nouvelle édition de La Boîte de Pandoure que commence la nouvelle saison des conventions – et non, autocorrect, c’est bien « Pandoure » et pas Pandore.

La Boîte de Pandoure est une convention de jeux qui est active depuis neuf années. Originellement basée à Yverdon, elle a, depuis un bon moment déjà, posé son sac à Saxon, petit bourg valaisan, connu pour son Casino – qui, autrefois, a également accueilli une autre convention ludique.

Celle-ci est nettement plus petite – une vingtaine de tables et une dizaine de stands dans la Salle polyvalente et sa galerie. Elle bénéficie néanmoins d’une organisation plutôt solide et un staff qui s’adapte aux thèmes, aussi teubés soient-ils. L’année passée était dédiée à la Fondation SCP, celle-ci aux Princesses. Allergiques au roses, s’abstenir!

La convention met à disposition une belle ludothèque de jeux de plateau, du plus classique au plus complexe. Il y a également pas mal de jeux de carte à collectionner, mais aussi quelques tables de jeu de rôle – pas énormément, mais quand même quelques-unes. Il y a également une brocante où les visiteurs peuvent revendre leurs jeux surnuméraires (ou en acheter de nouveaux à vil prix).

Cela fait maintenant trois ans que j’y viens (en tant qu’invité, merci à eux). Eh oui, me revoici sur les toutes du Valais (enfin, surtout les voies ferrées). J’y viens pour prendre quelques photos et y proposer une partie d’Erdorin:2300, mais c’est la première fois que j’ai des joueurs – cinq, même. Ce qui m’a permis de faire une partie de près de quatre heures – eh oui, comme au bon vieux temps! C’était d’autant plus cool que les joueurs étaient plutôt enthousiastes, avec plein d’idées idiotes (« et si on foutait le feu à la station, pour faire diversion? »).

Le temps de déguster un onigiri maison et il est temps de reprendre le train. Bref, une convention sympathique, avec des discussions rôlistes, la rencontre avec des vieux potes pas revues depuis longtemps, mais aussi des nouvelles de Destination Tokyo, la convention japonaise la plus valaisanne (qui tombe en même temps qu’une autre date prévue, mais baste…).

Les photos sont déjà en ligne sur Flickr.

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Si je vous dis Jim Matheos et Ray Alder, ça vous parle? Fates Warning, bien sûr, mais ceux qui en sont respectivement le guitariste et le chanteur ont également plusieurs projets solos, dont ce North Sea Echoes, qui vient de sortir How to Cast a Shadow.

Né au début des années 2020, le projet inclut donc Jim Matheos à la guitare et aux synthèses, et Ray Alder au chant. Par contre, n’attendez pas ici un Fates Warning-bis: musicalement, il est plus proche d’un rock progressif moderne et éclectique, rappelant parfois Lunatic Soul, mais pas seulement.

How to Cast a Shadow est le deuxième album du projet. Il dure un peu plus de quarante minutes, avec dix pistes plutôt courtes. La plupart des compositions durent entre trois et quatre minutes, à l’exception du morceau-titre qui conclut l’album sur six minutes et demie.

J’avais déjà entendu parler de North Sea Echoes, mais c’est la chronique d’Amarok Mag qui m’a convaincu de lui consacrer quelques écoutes. Son auteur était très enthousiaste, je suis un peu plus circonspect.

Globalement, How to Cast a Shadow est solide. Si les musiciens explorent ici des territoires plutôt éloignés du metal – même progressif – on sent clairement la filiation avec leur groupe d’origine. Même tendance aux thèmes introspectifs, même rythmes lents ou mid-tempo – avec quelques accélérations, tout de même, comme sur « Enjoy the View » ou « All That Comes After ».

Maintenant, cet album est très varié. Ou hétérogène, ça dépend comment on voit les choses. Sans complètement passer du coq à l’âne, le groupe explore beaucoup de styles différents: électro, prog, blues, art-rock, ballade, un peu de hard-rock. C’est… intéressant. Mais c’est aussi déroutant.

Voilà donc pourquoi je me déclare circonspect. C’est toujours un plaisir de retrouver Jim Matheos et Ray Alder, mais North Sea Echoes est un projet différent et, au final j’ai trouvé How to Cast a Shadow un peu trop changeant, même s’il y a clairement de la qualité.

L’album est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Enjoy the View »

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