J’ai des sentiments contrastés avant de récupérer Continuum, d’Android Superstation. D’un côté, des louanges dithyrambiques de la part de Notes Review et, de l’autre, des visuels qui avaient une sale tête d’IA générative (ce qui n'est pas le cas, voir correction ci-dessous). Vous me direz, avec le nom du groupe, c’est raccord.

Android Superstation est une formation relativement récente, active depuis 2017 et originaire d’Orange County en Californie. Elle joue un rock progressif très moderne, entre le néo-prog contemporain et le metal progressif, avec parfois des vocaux féminins (de la claviériste Heather).

Continuum est le deuxième album du groupe; il dure un peu moins d’une heure. Ses onze titres sont plutôt courts, dépassant rarement les six minutes.

On va déjà évacuer l’éléphant dans la pièce: un des membres d’Android Superstation m’a affirmé avoir payé un vrai artiste pour faire les visuels de l’album. Je veux bien le croire, mais je pense qu’en retour, l’artiste s’est payé leur tête en leur refourgant de l’IA slop. Au reste, je ne vois son nom crédité nulle part.

C’est dommage, parce que Continuum est bon, voire très bon. Les compositions sont solides, avec une énergie qui lorgne vers le metal (« The Last Rebellion », « Human ») et qui parfois s’approche du néo-prog survitaminé de Frost* (« Archetype »,« Aurora » ou « Allusions »). Il y a quelques passages où les sonorités sont un peu plates, mais dans l’ensemble, c’est très bon.

Vous allez me dire que j’en fais des tonnes avec ma haine de l’IA générative. Peut-être, mais Android Superstation est un exemple typique du problème: un groupe avec un concept fort, une musique solide et… des visuels recrachés par une machine qui a pompé tout ce qui était pompable et en a fait une moyenne.

Bref, je ne vais pas vous refaire le discours que j’ai déjà fais sur ce sujet, mais ça me gâche un peu le plaisir de l’écoute, parce que Continuum est, somme toute, un bon album. Il est disponible sur Bandcamp et, si vous êtes moins sensibles que moi à la bouillie IA, je vous en conseille quand même l’écoute.

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Bonus: la vidéo de « Aurora » (qui a aussi quelques visuels en IA Gen dedans…)

Correction (1/8): comme vous pouvez le noter dans le commentaire, le groupe est revenu pour me confirmer que l'artiste (Ayan Chakraborty) n'utilise pas d'IA et annonce même une politique strictement anti-IA. Je retire donc ce que j'ai dit plus haut et, pour l'épisode de Radio-Erdorin, je réécrirai la chronique pour intégrer cette information.

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Il y a une raison pour laquelle on parle souvent de « prog symphonique » pour désigner le rock progressif des années héroïques (ou dinosauriennes). Et c’est cette raison qu’illustre la soirée Prog-Rock: A Fanfare for the Common Man, qui a eu lieu au Royal Albert Hall de Londres, le 18 juillet, dans le cadre du BBC Proms 2026.

BBC Proms (prom pour promenade concert, car initialement en plein air), c’est un festival de musique classique qui, de temps en temps, part explorer d’autres styles. Et, dans le cas présent, le rock progressif, avec un net accent mis sur ses origines britanniques.

Pendant deux heures, le grand orchestre de la BBC va revisiter plus d’une vingtaine de titres. La plupart sont de grands noms de l’époque: Yes, ELP, King Crimson, Genesis, Mike Oldfield. Mais il y a aussi quelques choix étonnants ou moins connus, comme Frank Zappa, Supertramp, Focus, ou le groupe ghanéen Osibisa.

ELP et King Crimson ont particulièrement été mis à l’honneur, avec trois titres chacun et, dans le premier cas, la présence de Carl Palmer lui-même (dernier survivant d’ELP) derrière les fûts, ainsi que celle de Peter Hammil pour le titre « Refugees » de Van der Graaf Generator.

Ça, c’est la bonne nouvelle. La mauvaise, ceux qui ont suivi mon livestream de la semaine passée le savent déjà, c’est que la vidéo que j’avais vue le matin même n’était pas officielle du tout. Au point qu’elle n’a pas survécu à la journée. Le concert est disponible sur le service iPlayer de la BBC – donc inaccessible en dehors du Royaume-uni (sauf VPN ou autre astuce du genre).

C’est dommage, parce que le concert était vraiment impressionnant, avec des passages de pure magie. Je ne suis pas super client des réinterprétations symphoniques, mais plusieurs d’entre elles étaient de toute beauté, comme l’extrait de « Tubular Bells pt. I », « And You and I », « Entangled » (un morceau assez peu connu de Genesis que j’aime beaucoup) ou « Crime of the Century ». Je regretterais peut-être que la sélection se soit majoritairement concentrée sur le rock progressif des seventies (avec quelques jours des sixties).

Si vous avez l’occasion de tomber dessus, d’une manière ou d’une autre (kofkoftipiakof), n’hésitez pas à lui consacrer une écoute. Et merci à l'ami Ben pour le lien original.

Photo: Royal Albert Hall, Fernando Losada Rodríguez via Wikimedia Commons (CC-BY-SA).

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Beltane, le nouvel album de Brüle, c’est l’exemple type de l’album que j’achète sur un coup de tête, ou un coup d’oreille, après un épisode de l’émission Le Metal c’est Vital. Et, sans aller jusqu’à dire que je le regrette, disons que ce n’était pas ce que j’attendais.

Brüle est jeune groupe originaire de Perpignan, dans le Sud de la France, un trio qui, depuis le début des années 2020, martèle un stoner-doom très typé seventies, avec un côté proto-metal et des thèmes occultes.

Beltane est le deuxième album plein format du groupe, qui a également à son actif un EP et un live; pas mal en cinq ans! Il dure un peu moins de trois quarts d’heure et compte sept pistes entre cinq et sept minutes et demie.

Le stoner, le doom, le « vieux » heavy-metal, tout ça ce sont des genres que j’aime bien, mais pas plus que ça. Parfois, il y a des trucs que j’aime pas, parfois pas. Dans le cas de Brüle, sur cet album, y’a un peu de tout cela.

Il y a aussi des trucs qui m’ont surpris, comme « Thélème », référence à la fois à Gargantua et à Aleister Crowley et seule chanson en français de l’album, qui m’a pas mal rappelé la scène metal française du début des années huitante – pardon: quatre-vingt.

Dans les pistes que j’aime bien, il y a « I Am the Black Hole », bien lent et doomy avec un riff d’intro bien psychédélique, et « Enter the Cult »; j’ai aussi un petit faible pour « Follow Child » et son côté Maiden. Les autres… ce n’est pas que je ne les aime pas, mais plus que ça ne me parle pas vraiment.

Du coup, ben, Brüle c’est sympa, mais en vrai, ce n’est pas trop mon truc. Le groupe maîtrise bien son truc, mais à mon avis, Beltane est un album qui parlera plus aux amateurs de doom rétro. Il est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Enter the Cult »

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Face à la menace d’une coalition appelée The Covenant, les forces terriennes ont développé une série de super-soldats, les Spartans. Mais le meilleur d’entre eux, au contact d’un artefact d’origine inconnue, commence à voir son conditionnement se fracturer. C’est le point de départ de Halo, série de science-fiction inspirée des jeux vidéos du même nom.

J’avais joué au premier du nom – le seul sorti sur Mac – et, du coup, je retrouve pas mal d’éléments familiers. La principale différence, c’est que là où le jeu est un shoot’em up un chouïa bourrin avec un protagoniste, le Master Chief, qui n’est représenté que comme une armure de combat avec une tonne de flingues.

Donc, pour résumer, on a des super-soldats face à une menace d’invasion et d’extinction, et, par-dessus, un artefact qui semble pointer vers une Arme Absolue. Les gens qui connaissent l’univers savent à quel point cette dernière affirmation est douloureusement exacte, mais passons. Ici, la série va s’intéresser au Master Chief et à John, l’homme derrière le matricule 117 sur son armure.

Et la réalité, c’est que les Spartans sont les survivants d’un groupe d’enfants enlevés à leurs parents, endoctrinés, augmentés et entraînés pour devenir des armes vivantes – les seules capables de faire face aux troupes du Covenant. Pour ne rien arranger, la personne à la tête du projet est une scientifique qui ne s’embarrasse pas de questions éthiques. Et même si ses programmes donnent des résultats, les autorités voient le bazar d’un très mauvais œil.

Dans l’absolu, Halo joue sur des registres de SF militaire ultra-connus: les extra-terrestres exterminateurs, les super-soldats derniers remparts de l’humanité (avec une pincée de transhumanisme), la politique qui s’en mêle et une pincée de Loi de Clarke (la technologie indistinguable de la magie). De ce point de vue, c’est bien fait, mais d’autres l’ont déjà fait de façon plus intéressante (je pense notamment à la série de romans Old Man’s War, de John Scalzi).

Les questions politiques sont intéressantes, mais ont tendance à noyer un peu le bazar (sans parler des questions familiales); c’est peut-être le principal reproche que je ferais à la série: il y a un peu trop d’intrigues qui se croisent, avec des priorités pas toujours très claires. J’ai cependant bien aimé les éléments plus « sociaux » présentés, avec la planète Madrigal ou l’habitat astéroïdal Rubble, ainsi que l’usage de l’imagerie brutalisé pour renforcer certains aspects totalitaires du régime terrien.

Halo est une série qui, sur la foi de cette première saison, m’a laissé une plutôt bonne impression. Elle n’est pas sans maladresses et, pour un truc écrit dans les années 2020, ce n’est pas vraiment la science-fiction la plus avant-gardiste qui soit (en même temps, le matériau d’origine a plus de 25 ans), mais ça se laisse regarder sans déplaisir.

Bonus: la bande-annonce

Ce billet est aussi publié dans le cadre de l’édition 2026 du Summer Star Wars – Grogu, organisé par RSF Blog.

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Trois ans, quand on est un fan, c’est long. C’est probablement ce qu’a dû se dire Haken (ou, pour les plus cyniques, sa maison de disques), qui vient de sortir un EP intitulé In a Fever Dream.

Fondée en 2007 dans la région londonienne, Haken est une formation qui, dès le début, a proposé une fusion entre le rock progressif « à l’ancienne » et le metal progressif plus moderne. C’est encore le cas ici, avec en plus quelques touches plus électro et un soupçon de voix saturées.

In a Fever Dream est le dixième album studio et le deuxième EP du groupe. Il dure un peu plus de vingt-cinq minutes et compte cinq pistes: trois entre trois et quatre minutes, encadrées par deux titres de sept minutes.

L’attente des fans n’est probablement pas la seule raison qui a poussé Haken a sortir cet EP. D’une part, le groupe va fêter ses vingt ans l’année prochaine et on probablement envie de marquer le coup et, d’autre part, le bassiste Conner Green et le guitariste Charlie Griffiths ont annoncé leur départ, ce à quoi s’ajoute, en 2022, celui de Diego Tejeida, le claviériste. Ça fait beaucoup pour un groupe.

Du coup, In a Fever Dream pourrait apparaître comme un aperçu du Haken nouveau. Sauf qu’en fait, il ressemble beaucoup à du Haken tout court. Et, du coup, l’EP ressemble plus à un message sur les réseaux sociaux genre « coucou! on n’est pas morts ».

On ne va pas faire la fine bouche: en soi, c’est une plutôt bonne nouvelle. On a déjà vu plusieurs fois des groupes exploser en vol après avoir perdu la moitié de leurs membres. Haken ne semble pas suivre ce chemin et c’est tant mieux.

Et, dans ce contexte, le fait que Haken continue à faire du Haken est certes une bonne nouvelle: les Britanniques restent fidèles à leur identité. Mais c’est aussi un peu décevant, parce que c’était déjà le cas avec Fauna. Il y a quelques éléments nouveaux, comme le fait que Ross Jennings s’essaye au chant saturé sur les première et la dernière pistes. Il y a également quelques passages plus électro comme « Delirium » et je pourrais aussi mentionner une pochette assez éloignée de ce à quoi le groupe nous avait habitué.

J’avoue que si j’attendais plus de cet EP, ce n’était pas entièrement rationnel. Alors, oui, déjà, c’est Haken, donc forcément j’attends plus et mieux, mais aussi mon morceau préféré du groupe est aussi sur une EP (« Cristallised », sur Restoration). In a Fever Dream ne contient pas de concurrent sérieux à ce titre, mais ça reste un EP solide. Il est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « delirium »

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Comme le temps passe vite! Prenez par exemple plein un groupe comme Karnivool, dont j’avais chroniqué les deuxième et troisième albums en 2011 et 2013. Eh bien leur quatrième opus vient de sortir après treize ans de hiatus. Il s’appelle In Verses et il est plutôt chouette.

Formé du côté de Perth, Australie en 1998, Karnivool a commencé sa carrière du coté du nu-metal, avant de s’orienter très vite vers le metal progressif, avec une très forte influence à chercher du côté de Tool. mais aujourd’hui, leur style est nettement plus affiné et accessible.

In Verses est donc le quatrième album du groupe. Il dure un peu plus d’une heure et compte dix pistes entre cinq et huit minutes.

Treize ans, c’est long. Au point que si je me rappelais du nom de Karnivool, j’avais quelque peu oublié sa musique. J’ai donc fait quelque chose que je devrais faire plus souvent dans ce genre de cas: écouter quelques morceaux d’avant – en l’occurrence, d’Asymmetry. Ça m’a confirmé une impression: le groupe s’est nettement assagi.

J’entends par là que In Verses a abandonné beaucoup des dissonances, décrochages et autres acrobaties plus ou moins agressives, pour aller vers un metal progressif plus proche de groupes comme Katatonia – ou, tiens, Wolverine, qui est également revenu récemment après une longue absence.

Entendons-nous bien: c’est encore un album très agréable à écouter, avec des musiciens qui vont de « bon » à « exceptionnel », un sens aigu de la mélodie combiné à des riffs qui accrochent. Le tout est quand même plus nerveux et musclé que les deux précités. Il affiche notamment une batterie très présente et très technique et, par moments, des sonorités djent qui me rappellent le TesseracT des années 2010 (Altered State ou Sonder).

In Verses est donc un plutôt bon album. J’ai par contre un peu de mal à comprendre l’enthousiasme de certains chroniqueurs qui le situent dans la pure continuité de ses prédécesseurs. Karnivool livre ici un album moins foufou, mais aussi plus lisse. C’est un bon album, mais je pense qu’il manque d’originalité.

Bonus: la vidéo de « Aozora »

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Dans la foulée de la première, nous avons avalé la deuxième saison de One Piece, celle où, pour « l’équipage au chapeau de paille », les choses sérieuses commencent: les voici enfin en route pour la Grand Line, la mystérieuse région où se cacherait le légendaire trésor.

Après une brève étape à Loguetown, ville où la chasse au One Piece a commencé, vingt ans auparavant, l’équipage se lance à l’assaut de la Grand Line pour finir… mangé par une baleine. Ce ne sera que la première des péripéties de l’équipe, qui va ici commencer à se frotter à (et se fritter avec) un des protagonistes majeurs de la série: l’organisation Baroque Works. Et, au passage, récupérer un nouveau membre d’équipage.

Même si l’effet de surprise est passé, on retrouve toujours avec plaisir la joyeuse bande de pirates – qui piratent somme toute assez peu – dans un univers que l’on qualifiera de kitsch par amour de l’euphémisme. Mais la grande force de cette adaptation de One Piece, c’est de ne pas hésiter à reprendre les visuels les plus outranciers du manga et à les intégrer sans la moindre vergogne. Coiffures improbables, tenues extravagantes, décors hallucinés, pouvoirs débiles, tout ça en mode full premier degré. Et ça passe!

Je soulignerai aussi le jeu des acteurs, qui là aussi jouent en mode full premier degré sans se poser de questions, mais avec conviction.

Et, comme souvent dans les œuvres japonaises, One Piece n’hésite pas à mélanger les genres. Si le ton général de l’histoire est plutôt épique et comique, ça n’empêche pas les passages dramatiques, les histoires personnelles tragiques et un certain sens de la destinée grandiose. Là encore, si ça pourrait paraître too much dans d’autres circonstances, ça apporte ici une richesse surprenante au contexte.

Bref, cette deuxième saison de One Piece confirme tout le bien que je pensais de la première. La troisième est déjà annoncée, mais probablement pas avant un bon moment (le tournage a commencé en novembre 2025). Mais ça fait déjà une bonne palanquée d’épisodes à regarder.

Bonus: la bande-annonce

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Il y a longtemps, quand les dinosaures vivaient dans la prairie et que le post-rock dominait mes écoutes, Long Distance Calling était venu pour apporter un peu de nouveauté dans le genre. Ils sortent aujourd’hui The Phantom Void; vont-il confirmer leur place d’innovateurs?

Long Distance Calling est une formation allemande qui fête cette année ses vingt ans. Au départ classée post-rock instrumental, avec des solides influences cinématiques, elle a depuis exploré d’autres styles: prog, metal et électro.

The Phantom Void est le neuvième album studio du groupe. Il dure un peu plus de trois quarts d’heure et compte sept pistes entre six et huit minutes, sauf la première (qui dure un poil moins de quatre minutes).

Je vais tout de suite répondre à ma question du premier paragraphe: non. Sur cet opus, Long Distance Calling ne révolutionne pas grand-chose et, pour tout dire, il ne m’a pas laissé une forte impression. Ou alors une forte impression de déjà-vu. Ou de déjà-entendu.

Entendons-nous bien: le groupe a toujours un flair remarquable pour les compositions cinématiques, les bandes-sons pour films qui n’existent pas. The Phantom Void nous plonge assez rapidement dans une ambiance inquiétante, avec un album dont les thèmes sont la santé mentale et les rêves de fièvres qui tournent en boucle. Ce genre de chose.

Sauf que j’ai l’impression que c’est un peu Long Distance Calling qui tourne en boucle. The Phantom Void est dans la continuité du précédent, Eraser, qui m’avait déjà laissé un sentiment de prévisible, loin des expérimentations passées. Alors certes, il y a des très chouettes passages, mais le tout reste très classique.

J’hésite à parler de « déception », parce que même en roue libre, Long Distance Calling est quand même capable de faire quelque chose de plutôt chouette, mais disons que j’attendais mieux de The Phantom Void. Donc, ouais, un peu déçu quand même.

Bonus: la vidéo du morceau-titre

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Nous sommes en 1880 et la conquête de l’espace bat son plein. Mais, alors que les grandes puissances commencent à s’intéresser aux lunes de Jupiter, les ambitieux et les désespérés se retrouvent dans la ceinture d’astéroïdes, où rôdent également les pirates. C’est dans ce contexte que commence Les Chants du Cygne Noir.

Les plus perspicaces d’entre vous auront reconnu l’univers du Château des Étoiles, d’Alex Alice. Mais celui-ci propose ici un récit indépendant, qui s’articule auteur de Ben, jeune matelot à bord du paquebot Prince of Wales. Ce n’est d’ailleurs pas un paquebot classique: à sa sortie du port, il s’envole pour l’espace, direction Jupiter! Mais Ben n’est pas non plus un matelot classique: de son vrai nom Benesh, c’est une jeune femme indienne qui veut venger la mort de sa famille, massacrée par un Lord anglais.

Bon, on va commencer par le moment « je suis un geek en carton »: je n’ai jamais regardé Harlock / Albator. Peut-être un bout d’épisode (et le médiocre film Space Pirate Captain Harlock ne compte pas). Je le mentionne parce que, même pour moi, la référence est évidente – et d’ailleurs assumée par Alex Alice: le Cygne Noir du titre, c’est l’Arcadia et la capitaine Lohengrin, c’est Harlock – il y a même le piaf chelou.

Et, d’ailleurs, Les Chants du Cygne Noir enchaîne également les références wagnériennes, puisque la ceinture d’astéroïdes est appelée, dans cet univers, « Ring ». Et elle recèlerait, entre autre ressources, des artefacts de la civilisation qui occupait la planète dont la destruction a donné naissance au Ring. On peut donc dire qu’il s’agit ici de space-opera.

Badoum-tching.

Blague à part, ce premier tome des Chants du Cygne Noir est franchement impressionnant. Édité au format manga – sens de lecture japonais compris, ce qui m'a un peu perturbé (je lis si peu de mangas que je n'ai pas l'habitude) – et avec un trait noir-blanc complètement dans le thème, il prend le contexte déjà très riche du Château des Étoiles et le catapulte très, mais alors très loin. Littéralement, d’ailleurs.

L’univers se développe dans une dimension qui rappelle également The Expanse, mais dans une version steampunk – qui n’oublierait pas le punk, d’ailleurs, les aspects « lutte de classe », le colonialisme et le sexisme n’étant pas mis de coté. Visuellement, c’est une claque, l’histoire monte lentement en puissance, jusqu’à l’attaque des pirates et laisse présager une suite à grand spectacle.

Et si vous n’avez pas lu Le Château des Étoiles, c’est à la fois grave – QU’EST-CE QUE VOUS ATTENDEZ, BOUDIOU??? – et pas grave, parce que Les Chants du Cygne Noir se lit indépendamment sans problème majeur. Tout au plus, ceux qui suivent cet univers depuis un moment pourront se dire que cette nouvelle histoire répond sans doute à une question ouverte depuis… ben, le début de la série, en fait.

Bref, vous n’avez aucune excuse: lisez Les Chants du Cygne Noir, c’est une de mes plus grosses claques en BD de cette année. Et pour les rôlistes amateurs de Château Falkenstein, c'est de la pure inspi.

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Il y a vingt ans, je publiais un billet qui, s'il faisait la part belle à Milliontown, de Frost*, mentionnait également un album de Wolverine. Groupe qui vient de sortir son nouvel opus, Anomalies, après dix ans de silence.

Wolverine est une formation suédoise, fondée en 1995. Si, à ses débuts, elle était proche du death-metal, elle a évolué vers un metal progressif mélancolique, que l’on pourrait rapprocher de formations comme Katatonia, mais avec des aspects plus lyriques.

Anomalies est le cinquième album du groupe; comme mentionné, il arrive dix après son prédécesseur, Machina Viva, mais tout en restant dans sa lignée. Il compte neuf pistes, entre trois et sept minutes, mais surtout autour de six minutes et plus, pour une durée totale de cinquante-deux minutes.

Ce que j’appelle le metal progressif mélancolique est un genre qui a fini par me lasser. J’ai du mal à m’enthousiasmer pour ce genre de groupes, peut-être parce que leurs albums tendent à être un peu lents, un peu mous – pas très metal, en somme. En plus, ils ont souvent tendance à se ressembler. Je ne vous cacherai pas que Wolverine a un peu ce souci – mais un peu seulement.

Anomalies ressemble en effet beaucoup à Machina Viva, sauf pour un format plus classique. Il se démarque cependant du genre, d’une part par des compositions tendues par une intensité certaine, d'autre part par la voix de Stefan Zell, qui joue sur un registre nettement plus lyrique que de coutume. L’album comporte également quelques accélérations bienvenues (« Nightfall ») et aussi quelques pistes plus surprenantes (« Circuits »).

Wolverine a clairement du métier: musiciens solides, sens de la composition et de la mélodie. Et si, après dix ans d’absence, on aurait pu s’attendre à une baisse de régime ou un changement de direction, Anomalies continue dans la même lignée. Ce qui est à la fois une bonne et une mauvaise chose: rien une change, mais comme c’était très bien avant, c’est toujours très bien maintenant.

J’ai récupéré l’album lors de mon passage à Paris, mais il est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la lyric-video de « A Perfect Alignment »

(Et est-ce que j’ai re-re-regardé la bande-annonce de Deadpool & Wolverine pendant que j’écrivais cette chronique? Vous n’avez aucune preuve!)

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