Vous êtes dans une auberge. Un mystérieux personnage encapuchonné s’approche de votre table et, au moment de vous proposer la quête, plus personne n’entend rien, parce que sur la scène, Power Paladin vient d’attaquer son nouvel album, Beyond the Reach of Enchantment.

Créé en 2017 à Reykjavik, Power Paladin est un groupe « comme son nom l’indique »: il propose un power-metal épique et mélodique avec l’inspiration qui vient avec beaucoup trop de parties de D&D dans une cave qui sent la sueur froide et la bière chaude.

Beyond the Reach of Enchantment est le second album du groupe, découvert via Le Metal c’est Vital. Il dure un peu plus de trois quarts d’heure et compte huit pistes. La plupart des compositions sont courtes, entre quatre et cinq minutes, mais deux d’entre elles dépassent les six minutes et la dernière approche même de très près la barre des six minutes.

À la première écoute de Power Paladin, plusieurs choses sont immédiatement évidentes: ce sont des fans de fantasy (zéro surprise), ils ne se prennent pas au sérieux et ils sont plutôt convaincants dans le style.

Après, on peut argumenter que le style en question n’est pas exactement le plus élaboré de la planète metal. On est dans un power-metal infusé de New Wave of British Heavy Metal, avec également quelque passages à la Metallica (« Aegis of Eternity ») et des bouts de musique 8-bit.

Ce n’est pas faux, mais ça n’ôte rien à la maîtrise de nos six Islandais, qui balancent des boules de feu comme s’ils avaient une baguette cheatée. Ils accueillent même Tommy Johansson, de Sabaton et Majestica, sur « The Arcane Tower ». Je mettrais juste un petit bémol sur « Camelot Rock City », qui est un peu too much; « let’s not go to Camelot, it’s a silly place. »

Alors, oui, la musique de Power Paladin n’est pas exactement la plus recherchée du monde, mais il y a des fois où on n’a pas envie d’une pizza ananas-saumon-reblochon-avocat, une simple margarita va très bien. Et Beyond the Reach of Enchantment, quelque part, c’est cette margarita et elle est très bonne.

Bonus: la vidéo turbo-sérieuse (spoiler: non) de « Sword Vigor »

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Bon, après quatre tomes, vous connaissez le principe de la série de BD Cyborgs: l’origin-story d’une jeune femme qui échappe à la mort et se retrouve avec des prothèses cybernétiques surpuissantes pour se venger.

Dans le cas présent, nous allons suivre Syl, sept ans, qui va se retrouver aveugle et sans jambes à la suite de l’attaque du train dans lequel elle se trouvait. Une des multiples victimes collatérales de l’ascension de Markus C. Tudor.

Seulement Syl n’est pas la fille de n’importe qui: Russel, ancien soldat de la Guerre des Silos, va tenter l’impossible pour la sauver – jusqu’à apprendre la chirurgie prothétique. Et elle-même n’est pas n’importe qui non plus. Non seulement elle va surmonter son handicap, mais elle va aussi remonter sur les commanditaires de l’attaque. D’autant que ces derniers ne compte pas la laisser en vie, non plus.

Cette série, créée par Dim-D et Jean-Luc Istin, est ici illustrée par Alina Yerifieiva, dans un style plus anguleux que d’habitude, mais très maîtrisé. Les couleurs sont de J. Nanjan.

Hawk est donc le dernier des quatre tomes consacrées aux héroïnes de Cyborgs et la fin de celui-ci ne laisse aucun doute sur le fait que le cinquième va être consacré à une ouverture de boîte à baffes à grand spectacle.

Je répète ici ce que j’avais déjà dit précédemment sur la série: scénaristiquement, Cyborgs, c’est de la série B, avec une histoire solide, mais qui repose sur un univers blindé de clichés. Elle est cependant servie par un travail graphique de qualité. C’est classique, mais bien fait. Reste à voir ce que nous proposera le cinquième et dernier tome.

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Au début, je n’avais pas vraiment prévu de retourner en concert. Mais quand on m’annonce que De l’Abîme Naît l’Aube fait le vernissage de son nouvel album aux Caves du Manoir de Martigny, avec en invités de luxe Versatile et Silhouette, comment puis-je résister?

(En vrai, je n’ai même pas essayé.)

Et donc, c’est retour au Caves du Manoir, la salle « comme son nom l’indique » de Martigny, dans le Valais. En plus, l’ami Christophe a la bienveillance de me proposer le voyage en voiture. Ce qui est un peu plus confortable que le train, mais surtout me permet de prévoir un retour à la maison pas trop tard (un peu quand même).

En arrivant aux Caves du Manoir, on croise quelques personnes costumées – un peu comme si Polymanga, qui a lieu ce même week-end à Lausanne, avait débordé sur Martigny. Au reste, ça va également cosplayer ferme sur la scène.

En effet, cette soirée est officiellement le vernissage de Rituel : Initiation, le premier (et excellent) album de De l’Abîme Naît l’Aube. Et, pour l’occasion, ils ont invité deux groupes qui ont également un aspect théâtral plus ou moins fort.

Et, d’ailleurs, c’est Silhouette qui ouvre la soirée à 20 h 30. La formation montpelliéraine est quelque part la moins théâtrale du lot, mais elle arbore cependant des tenues de scènes élaborées (quoique très classiques pour leur blackgaze mâtiné de post-metal). Je les avais déjà vus il y a presque un an – avec De l’Abîme Naît l’Aube, d’ailleurs – à l’Undertown de Meyrin et, du coup, je me rends compte que la scène des Caves du Manoir est encore plus petite.

Le groupe va jouer environ trente minutes devant un public déjà compact. Leur prestation intense, avec les jeux des deux vocalistes – voix masculin saturée et voix féminine claire – emporte l’auditeur dans une expérience intense, à l’image de leur dernier album en date. Au reste, l’intensité – sous diverses formes – sera clairement la caractéristique principale de la soirée.

C’est ensuite au tour de Versatile de prendre possession des lieux vers 21 h 40 et pour plus d’une demi-heure. Et, quand je dis « possession », je pèse mes mots. Hatred Salander et son équipe de mutants déclenchent l’apocalypse sous les voûtes de la vénérable cave, sous la forme de leur black-metal industriel. Ils vont même être rejoints par Ben, batteur de Black Willows et Somora (ex-Oma), qui vient growler sur un des titres.

Question théâtralité, on monte ici de plusieurs crans: prothèses, maquillages et costumes spectaculaires. Mais ce n’est pas du simple gimmick: Versatile utilise ces visuels pour renforcer leur narration: celle d’une humanité réduite à quelques survivants rejetant la normalité après la fin des temps. Le groupe bénéficie en prime d’un son de qualité et emporte l’adhésion d’un public très enthousiaste.

C’est enfin au tour des enfants du pays, De l’Abîme Naît l’Aube commence sa cérémonie chamanisme vers 22 h 45. La prestation va bien entendu être axée sur Rituel : Initiation, l’album dont c’est ici le vernissage. Si j’arrive à trouver une place au premier rang, elle est tout dans le coin gauche et, si c’était possible, la foule est encore plus compacte. Pas idéal pour les photos, donc, mais on s’adapte.

Tout de suite, l’ambiance scénique est différente: éclairages puissants dans les tons chauds, tenues en lin blanc. Musicalement, on reste dans des parages similaires, entre post-metal et black-metal atmosphérique, dominé par un duo vocal entre hurlements, voix saturées et chant clair. Le tout donne une atmosphère hypnotique, complètement dans le thème du groupe.

De l’Abîme Naît l’Aube va jouer une heure environ. Comme mentionné, l’intégralité du nouvel album, Rituel : Initiation, va y passer, avec en plus, si j’ai bien compris, un titre inédit annoncé comme un hommage. Une reprise, peut-être? Je n’ai pas reconnu et j’ai bêtement oublié de le demander au groupe. Et donc, peu avant minuit, le rituel s’achève. Si la surprise n’est plus au rendez.vous, vu que c’est la troisième fois que je les vois en concert, l’expérience est toujours aussi intense.

Alors que les lumières se rallument, nous redescendons tous vers le monde matériel. Aussi connu sous le nom de « stand de merch ». Bon, en vrai, je n’ai pas pris grand-chose: j’ai déjà tout, ou presque. Il est temps de reprendre la route, direction l’autre bout du lac et nos pénates respectives (modulo encore une douzaine de kilomètres à vélo pour moi).

Vous l’aurez compris, ce vernissage a été un très bon concert: spectaculaire, intense, dans une salle avec un cachet certain et au bénéfice d’un son et d’un éclairage globalement bons (je dis « globalement » à cause de quelques râlaisons de photographe, mais rien de majeur). Je souligne une fois encore ce que j’avais mentionné dans la chronique de Rituel : Initiation: De l’Abîme Naît l’Aube a beaucoup d’atouts pour devenir un acteur majeur de la scène metal suisse.

Vous pouvez retrouver ce live-report sur YouTube et sur Peertube et la galerie de photos, toujours sous licence Creative Commons, sur Flickr.

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Ça faisait un bon moment que je ne vous avais pas parlé de synthwave. Destinations, le nouvel album du projet Sunesis, me paraît être une occasion, sinon parfaite, du moins tout à fait valable.

Sunesis, c’est le projet de Melisa Blomberg, une artiste argentine installée à Barcelone. Actif depuis 2020 environ, ce projet propose une synthwave principalement instrumentale, volontiers infusée de trip-hop.

Destinations est le troisième album du projet. Il compte onze pistes plutôt courtes, entre trois et cinq minutes, et dure trente-huit minutes.

Clairement, Sunesis est un projet musical avec une grosse thématique science-fiction et qui lorgne vers les films des années huitante. Chaque piste est, comme le titre de l’album l’indique, la destination d’un voyage interstellaire qui, de Port Mirada, va amener le voyageur vers les mondes les plus emblématiques de la galaxie.

Des compositeurs comme Vangelis sont sans doute ça principale inspiration. Mais, comme mentionné, on trouve également dans les compositions de Destinations des composantes trip-hop, qui modernisent les aspects un peu rétro du son. C’est surtout marqué dans les titres chantés (par exemple « The Plan » ou « Be Alone »).

Globalement, j’aime bien. Ce que l’on appelle aujourd’hui « synthwave » est un genre musical qui a bercé mon enfance (et un peu aussi mon adolescence, aux côtés du prog et du metal). Cela dit, si vous cherchez quelque chose qui tabasse ou qui vous tourne le cerveau avec des rythmiques non-euclidiennes, ce n’est pas le genre de Sunesis: on est dans un style beaucoup plus planant, relaxant, voire contemplatif.

Destinations est donc un album que je recommande plus volontiers à ceux qui ont envie de s’immerger dans une ambiance science-fiction un peu rétro. Sunesis sait manifestement y faire, mais il est possible que ce style, plutôt minimaliste, ne conviennent pas aux plus mélomanes les excités.

Petit détail amusant: la version vinyle de l’album a été produite par Volkor X, que j’avais découvert via Core&Co, comme le présent album. Desinations est également disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Locked to the Sun »

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Vingt mois après la catastrophe qui a ravagé Hawkins, l’armée a investi le centre de la ville et les habitants essayent de continuer à vivre. Mais pour Will, Mike, Lucas, Nancy et leurs proches, il est temps de mettre un terme au cauchemar dans cette cinquième et dernière saison de Stranger Things.

Le fait est que l’armée n’a pas seulement investi Hawkins, mais aussi l’Upside Down. Et ce n’est pas pour se débarrasser de Vecna / Henry, le psychopathe qui contrôle les monstres de l’univers parallèle, mais plus pour développer une arme absolue en cette époque de guerre froide finissante.

(Au passage, je trouve rigolo de retrouver Linda Hamilton, après Resident Alien, dans un autre rôle de militaire à la tête de projets chelous.)

Le moins que l’on puisse dire sur cette dernière saison, c’est qu’il y a de l’action. Pas non-stop non plus, mais c’est tendu; ça sent la fin. Les épisodes sont longs, voire très longs: de cinquante-quatre à quatre-vingt trois minutes, et plus de deux heures pour l’épisode final, le huitième. Et il s’y passe plein de trucs et on pressent que ça ne va pas être propre.

Déjà, les personnages ne sont plus vraiment des enfants; peut-être pas encore complètement des adultes, mais pas loin. Et on peut plaisanter sur le culte américain du flingue, mais je ne peux pas m’empêcher d’y voir un parallèle avec une jeunesse envoyée faire la guerre. Sauf qu’ici, c’est personnel. Peut-être un parallèle avec un film comme Red Dawn, emblématique des années huitante?

Parce que oui, Stranger Things est toujours ancré dans cette période, quelque part entre reconstitution historique et vision idéalisée de l’époque, avec une blinde de clins d’œil à de multiples références pop-culture. Notamment – et peut-être principalement – Dungeons & Dragons, jusqu’au générique de fin.

J’imagine que le modèle a ses limites et qu’il y aurait pas mal de trucs à dire sur la série dans son ensemble – déjà que cinq saisons, c’est beaucoup et que je ne suis pas fan de ce Grand Méchant chelou un peu sorti de nulle part. Mais j’ai quand même bien aimé cette dernière saison.

Et si j’ai lu ça et là que des gens n’avaient pas aimé l’épilogue (je ne parle même pas des théories éclatées au sol du « neuvième épisode », sinon que ça pourrait être marrant de voir Feldup en parler dans cinq ou six ans), moi je l’ai trouvé plutôt cool. Peut-être un peu long dans l'absolu, mais pas tant que ça au vu du reste de la saison (et de la série, en fait).

Mais la vérité, c’est que j’ai trouvé que cette cinquième saison conclut la série de façon plus que satisfaisante et que, au final, Stranger Things tient ses promesses. Là encore, on pourrait pinailler sur des virgules, mais globalement, c’est une série solide, avec des personnages attachants et une écriture tendue.

Bonus: la bande-annonce

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Au début l’année passée, je me souviens qu’un album avait fait pas mal parler de lui dans les cercles du post-metal. Peut-être pas tant que ça, puisqu’il m’a fallu plus d’un an pour finalement m’intéresser à ce Embrasser la nuit signé À Terre.

Groupe français formé entre Gascogne et Pays basque en 2020, À Terre propose une musique coup de poing (à l’image de sa pochette morbide), qui emprunte au post-metal, mais aussi au post-hardcore, avec des touches électroniques et des influences à chercher du côté du rap français.

Premier album du groupe (après plusieurs EP et splits), Embrasser la nuit compte huit pistes pour une durée de trente-sept minutes. On pourrait croire que les compositions sont courtes, mais c’est trompeur: deux « virgules » d’une minute côtoient deux titres de plus de huit minutes.

J’aurais dû me méfier: le groupe avoue dans ses influences Balavoine, chanteur que j’ai du mal à supporter (malgré son passé prog). Bon, musicalement, pas grand-chose à voir – à part peut-être un goût pour les textes percutants. À Terre, c’est du lourd, du brutal.

Alors oui, à la base, c’est du post-metal et on sent bien dans plusieurs titres les influences à la Cult of Luna: une musique lourde et dense (notamment dans « Prophétie » ou « L’Appel de la Nuit »). Cela dit, je dois avouer que j’ai plus été impressionné par les titres les plus percutants, comme « Paris sous les tombes » ou « Nous sommes la nuit » (avec le chanteur du groupe post-punk Seven Hate).

Je trouve cependant que À Terre a une musique nettement plus « brute de décoffrage » que la plupart des groupes post-metal. Quelque part, je dirais que c’est du concassage artisanal, fait à la main, avec am… euh, non, peut-être pas avec amour, en fait.

Ce n'est pas forcément le genre de musique que j'affectionne le plus, mais de temps en temps, je peux être client de ce style et À Terre m'a plutôt convaincu. Si vous n’avez pas peur d’aller à la bagarre, Embrasser la nuit est peut-être un album pour vous. Mais prévoyez un protège-gencives, il a une méchante gauche!

L’album est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Paris sous les tombes »

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Ce mois-ci, je pourrais dire que je reprends la tradition du bilan mensuel création et mécénat en retard, ici pour le mois de mars 2026. Ce serait vrai, mais pas très glorieux.

Pour rappel, dans cette série d'articles, je fais le bilan de tout ce que j'ai créé, donné et reçu le mois passé. Notez que, dans l'absolu, je n'ai pas un besoin vital de l'argent que vous me donnez. Pour le moment. J'ai repris une activité professionnelle à 100%, mais pour quelques mois seulement.

Création

Pour ce qui est de la création, ce mois de mars a été plutôt actif. Retour à un rythme de parution plus habituel sur le blog, avec 22 billets publiés. Ces articles se répartissent comme suit:

• onze chroniques musicales, dont dix albums et un live-report,
• un article Radio-Erdorin,
• trois chroniques bouquins, quatre chroniques bédé et deux chroniques série télé, et
• l'habituel bilan création et mécénat du mois précédent.

En plus du présent blog, tous ces articles sont partagés sur le blog de secours (partiellement seulement, et quand ça fonctionne; il y a eu quelques bugs, récemment) et je publie aussi sur Instagram les liens vers les chroniques musicales.

Sur Flickr, deux nouveaux albums pour un total d'un peu plus de 120 photos.

En vidéo, un épisode ordinaire de Radio-Erdorin et deux live-reports, sur YouTube et sur Peertube. Et toujours beaucoup de rediffusions de livestreams: deux pour Radio-Erdorin, avec rediffusions sur YouTube, et deux aussi pour Erdorin, l'air de rien, avec rediffusions sur YouTube et sur Peertube.

Je continue donc de faire des directs régulièrement, sur YouTube, Twitch et Peertube: une semaine sur deux le jeudi soir pour des sujets non-musique (pour le moment sur Erdorin:2300) et l'autre semaine, le vendredi, pour les sujets musicaux.

Toujours rien de nouveau en fiction, mais le travail sur Erdorin:2300 a repris, grâce aux livestreams sus-mentionnés.

Mécénat

Quelques petits changements du côté du mécénat.

Sur Ulule, toujours un don de ma part au youtubeur Maxwell sur cette dernière plateforme (€1 par mois), mais pas de nouveau revenu.

Rien de nouveau sur Ko-Fi.

Sur Liberapay, cinq contributeurs, mais des variances étonnantes sur les dons: un versement de €2.34, le suivant à €2.38, puis deux autres à €4.28 soit un total mensuel de €13.28. Mes dons se montent à €6 par mois pour les projets et services Liberapay, et Pair2Jeux, ainsi que les autrices et auteurs Gee, KoyoliteTseila, LeGreg, et Mesdames Duc.

Sur Patreon, Michelle Fus* (Ava’s Demon), Randy Milholland (Something Positive), Jeph Jacques* (Questionable Content), Matt Kruse (Social Fixer), John Kovalic (Dork Tower), Colleen Doran (A Distant Soil), Stjepan Šejić (Sunstone, entre autres), Linda Šejić (Blood Stain, Punderwold), FeedBackGaming, Taureor, Alex the Rambler*, Notes Review, Vivienne Medrano (Studio ViziePop), skills4ltu, Studio 4D2, Nowtech*, Rex's Hangar, Lizzie Crowdagger, JP Ahonen (Belzebubs; page en suspens), Mastodon* et Linkstack pour un total de $1 et €20 (techniquement un peu moins: certains sont payés à l'année avec 10% de rabais; ils sont indiqués avec l'astérisque).

Les contributeurs sur cette plateforme sont: Alysia, DD, Emmanuel, Gilles, Guillaume, LDM, Manu Podj et sonhouse. Le total de dons reçus se monte à €35 (arrondi, moins les frais).

Enfin, sur Tipeee, mes dons vont à: Bruno Bellamy, Frank Brusset, Les Revues du Monde, Maliki, MusINC, Kad, Nota Bene et Psychée, pour un total de €8.

Il y a aussi quelques dons hors plateforme (Blast, ou des dons directs à Internet Archive, LibreOffice ou Wikipédia, par exemple), ainsi que des « dons croisés », par exemple avec Ploum, mais je ne vais pas les comptabiliser ici, c'est déjà assez compliqué comme ça.

Au final, le bilan financier de mars 2026 est de $1 et €35 donnés, pour environ €48 reçus de la part de treize contributeurs. Une fois encore, merci à vous tous pour votre générosité.

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Dans la série « je découvre des trucs après tout le monde », aujourd’hui King Gizzard and the Lizard Wizard. Et, comme ce groupe a une discographie pléthorique, j'ai choisi leur dernier album en date, Phantom Island. Je n’aurais peut-être pas dû.

Fondé en 2010 du côté de Melbourne, en Australie, King Gizzard and the Lizard Wizard se présente à l’heure actuelle sous la forme d’un sextet. Et si le groupe est souvent classé dans le rock psychédélique, c’est plus compliqué que ça. Beaucoup plus compliqué que ça.

Déjà, pour poser les choses, Phantom Island est le vingt-septième album studio du groupe. En seize ans. Oui, vous avez bien lu. Il compte dix pistes entre trois et cinq minutes, pour une durée totale d’un peu plus de trois quarts d’heure.

Vous l’aurez compris en introduisant: j’ai eu du mal avec cet album. Principalement parce qu’il joue dans un style qui rappelle un peu le rock des années soixante et… disons que ce n’est pas ma décennie préférée. Pour tout vous dire, j’en ai fait une première écoute fin février et je ne l’ai plus touché pendant un mois.

Il faut dire aussi que King Gizzard and the Lizard Wizard est connu pour changer de style quasiment à chaque album. Et, du coup, j’ai l’impression que je suis mal tombé.

Cela dit, en insistant un peu, je me suis pris à apprécier Phantom Island. OK, pas au point de le mettre sur un piédestal, mais derrière son côté rétro qui pique, il y a une réelle originalité dans des compositions renforcées par des éléments orchestraux symphoniques.

Et, très franchement, c’est difficile de ne pas se laisser embarquer par un côté positif et lumineux de cette musique, venue d’une époque où tout paraissait plus simple (spoiler: ce n’était pas le cas). Comme, par exemple, sur « Panpsych ». Même la pochette donne la banane.

Je suis quand même un peu emprunté pour vous recommander Phantom Island. Il faut se laisser embarquer dans la douce folie du groupe et ne pas être allergique aux sonorités des sixties. Pour ma part, je vais continuer à jeter une oreille sur la discographie de King Gizzard and the Lizard Wizard; j’ai l’impression que, sur la quantité, je vais bien finir par trouver sur un truc qui me parle.

Phantom Island est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Grow Wings and Fly »

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Bon va falloir qu’on cause de ma cadence de publication de vidéos. Là, je viens de finir l’épisode de mars 2026 de Radio-Erdorin, disponible sur YouTube et sur Peertube, mais il arrive après deux live-reports, un (petit) édito, ainsi qu’une captation de concert — et je ne parle pas des rediffusions de livestreams.

Le problème n’est pas nouveau: assez régulièrement, je me retrouve avec un calendrier compliqué, principalement à cause de concerts. Ce n’est pas quelque chose que je peux réellement contrôler et, dans le même temps, j’ai tendance à croire qu’un live-report ne fait sens que s'il est publié moins de dix jours après l’événement. Je me fais peut-être des idées, notez.

Ces derniers temps, je me suis aussi retrouvé avec une captation de concert – qui, là encore, fait du sens principalement si elle est publiée dans le même laps de temps que le live-report, ou peu s’en faut. Et il y a eu aussi cet éditorial, qui est principalement un « réac » à une autre vidéo; là encore, ça ne fait pas trop de sens de la publier trop longtemps après.

Du coup, le planning de Radio-Erdorin a été serré. Très serré: un live-report le 24 mars, une rediffusion le 28, un deuxième live-report le 31, la captation le 3 avril, l’édito le 6 et cet épisode le 9; six vidéos en un poil plus de trois semaines. Probablement trop serré.

Il faut aussi dire que, depuis quelques semaines, j’ai récupéré des pourcentages d’activité et, à partir de la semaine prochaine, je retourne à 100% dans le cadre d’un remplacement. Pour quelques mois en tous cas; c’est déjà ça. Bonne nouvelle, donc, mais ça signifie que, du coup, j’ai moins de temps pour un calendrier de publication aussi intense.

Plus généralement, il faudra que je planifie mieux me vidéos. Et que je me tienne à mes plannings, aussi: cet épisode aurait dû être en ligne mercredi soir et non jeudi soir. mais ça, je sais qui est le responsable: moi.

Toujours est-il que vous pouvez le retrouver, sur YouTube et sur Peertube.

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Précédemment, je vous parlais des albums que j’achète, parce que. Dans le cas de Face Me Now, de The Great Alone, c’est un peu le contraire: un disque que je n’aurais pas écouté si je n’avais pas pris le groupe en pleine tronche à Saint-Maurice le mois passé.

The Great Alone, c’est pourtant un groupe suisse, un quatuor valaisan actif depuis le début de la décennie et qui se définit comme « ait-power rock ». Pour ma part, je les classerais plus dans la catégorie metal mélodique moderne, proche du nu-metal par moments, et principalement caractérisé par une chanteuse, Murielle, très énergique.

Face Me Now est le deuxième album du groupe, sorti en 2025. Il compte onze pistes, plutôt courtes – entre trois et quatre minutes – puisque la durée totale de l’album est de quarante minutes.

On ne va pas se mentir: la musique de The Great Alone est quelque peu en dehors de mes habituels genres de prédilection. Pas complètement non plus: c’est du metal, c’est mélodique et ça balance, donc forcément, ça ne parle quand même.

Sur Face Me Now, l’atout principal du groupe est son énergie et sa capacité à mettre en musique des pistes rentre-dedans, comme le morceau-titre ou « Wherever I Go ». Il peut également compter sur des musiciens solides, au premier rang desquels une chanteuse de très haut niveau.

Je suis moins fan des compositions les plus lentes de l’album, qui ne jouent pas toujours sur les forces de The Great Alone. Et je reste aussi sur mon impression lors de leur prestation au Manoir Pub: leur style est somme toute très classique et manque peut-être un peu de personnalité. Mais, une fois encore, sur ce dernier point, c’est peut-être le vieux prog-head blasé qui parle.

Si vous êtes moins exigeant (qui a dit « pénible »?) que moi, Face Me Now a de solides atouts à faire valoir et, même sans ça, The Great Alone mérite assez clairement la petite réputation qu’il est en train de se construire au-delà des fort étriquées frontières helvétiques.

Bonus: la vidéo du morceau-titre

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