Bon, One Piece: vous connaissez le manga, l’anime, l’adaptation Netflix, mais est-ce que vous connaissez la version LEGO? Non, ce n’est pas une blague. Enfin, si, un peu.

LEGO One Piece, c’est une mini-série, deux épisodes qui résument chacun une saison de la série Netflix. Enfin, quand je dis « résume », disons que c’est un résumé un peu biaisé. Parce qu’en fait, c’est Usopp qui raconte à Chopper les aventures de l’équipage au chapeau de paille. Et, comme narrateur peu fiable, Usopp se pose un peu là.

Du coup, entre le média – de l’animation qui imite le stop-motion avec des figurines LEGO – entre la narration, on a droit à deux épisodes d’une vingtaine de minutes qui vont à deux cents à l’heure, avec un côté très cartoon qui joue sur la nature des LEGO (les « perruques » qui tournent, par exemple).

LEGO One Piece est certes une mini-série complètement optionnelle et, il faut bien le dire, anecdotique, mais elle est amusante. Le côté « pub pour LEGO » peut être agaçant, mais ça permet de passer une heure en mode chill, pour se remémorer les événements des deux premières saisons. Par exemple, lorsqu’il sera temps d’attaquer la troisième.

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Pendant neuf albums, The Ocean a exploré les mers au cours des éons. Pour leur dixième opus, le collectif allemand quitte notre planète pour les étoiles, avec Solaris, un concept-album basé sur le film (et le roman) du même nom.

The Ocean (aussi appelé The Ocean Collective) est une formation allemande née il y a vingt-cinq ans autour du guitariste Robin Staps. Ces deux dernières années ont vu de profonds changements dans lés line-up, avec notamment le départ de l’emblématique (et helvétique) chanteur Loïc Rossetti, remplacé ici par un duo composé d’Enrico Tiberi en voix masculine (claire et saturée) et Lane Shi (voix féminine claire). Le groupe continue néanmoins dans sa lignée post-metal, avec ici un gros accent électro.

Solaris est donc le dixième album studio du groupe. Il dure une heure et dix minutes et compte huit pistes, dont quatre entre dix et dix-sept minutes.

À mon corps défendant, j’avais beaucoup lu sur ce nouvel album. Changement massif de line-up, changement de direction musicale annoncé, concept-album ambitieux, longueur habituelle (encore que, pour un album qui flirte avec le prog, c’est plutôt normal). Du coup, j’ai été un peu surpris.

Parce qu’en fait, Solaris ressemble beaucoup à du The Ocean… jusqu’à un certain point en tout cas. Disons que la base post-metal est toujours là, mais il y a quelques parties qui ressemblent plus à du metal progressif et même des parties qui vont emprunter à l’électro et au krautrock (ces dernières surtout vers la fin).

Un des changements les plus notables est l’arrivée de la chanteuse chinoise Lane Shi. Sa présence, couplée au post-metal, me fait immanquablement penser à l’album Mariner de Cult of Luna et Julie Christmas (par exemple sur « Simulacra »). Ce qui est plutôt une bonne chose, vu que je tiens cet album en très haute estime, mais Solaris est quand même pas mal différent.

En fait, je dirais que cet opus tire plus vers le metal progressif que vers le post-metal. De façon générale, sa construction est plus classique, avec moins de parties purement instrumentales, mais avec un réel effort apporté pour la cohérence des pistes – par exemple les trois titres qui concluent l’album, qui s’enchaînent presque sans faille.

C’est peut-être parce que je viens de chroniquer la dernière série Star Trek en date, mais à l’écoute de Solaris, j’ai eu envie de lever un sourcil et lâcher un « fascinant » dépassionné.

J’exagère un peu, mais j’ai l’impression que The Ocean livre ici un album de transition: leur musique évolue vers quelque chose de différent, mais la mue n’est pas encore terminée. Solaris n’est clairement pas mauvais, mais il est assez inégal, avec quelques passages franchement impressionnants, mais aussi des titres moins inspirés. Il faudra voir dans les années à venir comment tout ça va se décanter.

En attendant, l’album est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Ultima Esperanza »

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De l’horreur, des dinosaures, du film noir, du soap opera, un conte de fées et… des marionnettes: la routine pour l’équipage de l’Entreprise dans cette quatrième saison de Star Trek: Strange New Worlds.

Le concept de base de Strange New Worlds, c’est de réactualiser la série originale, celle des années 1960, en la replaçant dans l’Enterprise, mais dix ans avant que Kirk n’en devienne le capitaine. On y trouve donc un certain nombre des personnages, comme Kirk lui-même (et son frère), Uhura, Scotty et Spock, mais aussi M’Benga et l'infirmière Chapel, qui avaient des rôles très secondaires à l’époque.

Le cœur de la série, ça semble surtout être l’évolution des personnages et de leurs relations. Particulièrement Uhura qui, cette saison, a droit à de nombreux passages sous les projecteurs.

En général, si Star Trek est une série plutôt sérieuse, cette saison a l’air d’avoir reçu un tabassage en règle à coups de silly stick. Il y a beaucoup d’épisodes qui tombent dans le pur délire. Moi, ça ne me dérange pas trop, mais je soupçonne que certains – qui prennent sans doute Star Trek beaucoup trop au sérieux – vont être moins à l’aise.

Ceci dit, même si j’ai globalement bien aimé les dix épisodes de cette nouvelle saison, j’ai trouvé qu’il manquait peut-être des enjeux un peu plus élevés. C’est somme toute assez léger – encore qu’il y a quelques éléments assez mordants, comme un épisode horrifique plutôt brutal et un nombre suspect de mains mutilées (trois en tout). Même l’épisode soap opera se conclut sur un questionnement psychologique lourd.

Après, j’ai tendance à voir l’univers Star Trek en général comme étant un peu de la « science-fiction pour enfants sages » – encore que les séries récentes abordent des thèmes un peu plus velus qu’auparavant. Je suis loin d’être un trekkie endurci, donc que Strange New Worlds soit « juste » plaisant, ça me conviendrait tout à fait. En l’état, je pense qu’elle est un peu plus que cela, mais cette quatrième saison est peut-être la moins convaincante, pour le coup, malgré quelques très bons moments.

Bonus: la bande-annonce

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On ne les attendaient plus: sept ans après Age of Aquarius, Villagers of Ioannina City reviennent avec Venceremos, un album peut-être moins prog, mais beaucoup plus énervé. Et pas moins intéressant.

Fondée il y a presque vingt ans, Villagers of Ioannina City est une formation grecque. Comme son nom l’indique, elle est originaire de Ioannina, dans la région de l’Épire. Détail amusant: elle était également active entre 2000 et 2007 comme une formation de metalcore, sous le nom VIC Royal. Aujourd’hui configurée en trio, elle a ceci d’étonnant qu’elle mélange de façon très homogène des éléments de stoner, de psychédélique, de folk, de prog et de metal, pour des compositions à très haut degré d’octane.

Venceremos est le troisième album du groupe, qui a également à son actif un EP et un live. C’est un concept-album qui parle d’exil, de résistance et de solidarité dans un monde dystopique. Il dure un peu plus d’une heure et compte neuf pistes, dont six de plus de six minutes – jusqu’à douze pour « Here and Now ».

Avec un titre qui reprend le chant de campagne de Salvador Allende, le côté revendicatif de l’album ne devrait surprendre personne. Et, il faut dire ce qui est, la musique de Villagers of Ioannina City, intégrant des éléments de musique traditionnelle grecque et de metal, s’y prête particulièrement. Elle a une énergie et une intensité qui forcent le respect.

Si vous aviez aimé les aspects prog de Age of Aquarius, vous risquez d’être un peu déçus par Venceremos. L’album va plus chercher dans un heavy-rock qui me rappelle un peu The Cult dans sa période Sonic Temple. Quoi qu’il en soit, ce qu’il fait, il le fait très bien, avec plusieurs titres qui le potentiel d’être des hymnes puissants, comme l’exceptionnel « Ghost in the Sky ».

Pour ma part, je trouve que l’album est peut-être un peu hétérogène dans ses ambiances, avec une première partie très impressionnante, mais une fin trop calme (les titres annoncent la couleur: « Epitaph » et « Requiem »). Restent dans Venceremos un nombre non négligeable de brulots imparables qui valent largement l’écoute de l’album. Villagers of Ioannina City est de retour, qu’on se le dise!

L’album est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Ghosts in the Sky »

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Naomi est une yakuza. La seule de son clan. Et pour cause: elle vit dans une casse auto, entre Dauphiné et Provence. Au moment où commence Chien•ne•s de la casse, le nouveau roman de Lizzie Crowdagger, elle se fait tabasser par trois malfrats pour des raisons mal définies, mais qui peuvent en partie se résumer par « ne sait pas la fermer ».

En partie seulement: l’histoire est plus compliquée et implique des notables locaux aux ambitions inversement proportionnelles à leurs scrupules. Face à ces notables et à leurs sbires, Naomi va se retrouver au milieu d’une coalition composée de punks à chiens (y compris sa tante, punk à chiens professionnelle, ou peu s’en faut), de militants de gauche et de personnes sur une bonne partie du spectre LGBT+ – Naomi elle-même est trans.

Pour une fois, cette histoire ne contient pas de vampires, de sorcières ou de démons – encore que, mais ne spolions pas. Elle contient cependant son lot de gauchistes qui affrontent les forces du Grand Capital (de province, certes, mais bien réac quand même). Elle contient surtout une protagoniste qui s’est inventé une vie et s’est créée une famille, tout en n’étant pas toujours très sûre d’elle-même. Et pas toujours très pertinente dans ses choix.

Et, somme toute, c’est assez rafraîchissant d’avoir un personnage qui ne sait pas toujours ce qu’elle fait, mais qui va le faire quand même parce que c’est ce qu’elle pense être juste. Ou parce que ça lui paraissait être une bonne idée à la base. Oui, c’est vrai que les héros de films d’action font souvent ça, mais Chien•ne•s de la casse n’est pas un film d’action. Pas vraiment.

Et puis il y a aussi la forme, avec des chapitres finaux qui prennent des formes inattendues, comme une pièce de théâtre en vers, ou un glossaire qui apporte également des éléments de contexte à l’histoire.

Comme ce n’est pas, et de loin, le premier roman de Lizzie Crowdagger que je lis, je savais (un peu) à quoi m’attendre, mais c’est clair que si on n’est pas un minimum prévenu, le côté polar-thriller-gauchiste-queer peut surprendre. Pour ma part, je l’ai trouvé vraiment amusant, avec pas mal d’idées marrantes. Le contexte et le genre – sans jeu de mot – sont aussi plutôt originaux.

Chien•ne•s de la casse est disponible sur le site de l'autrice, entre autres; la version numérique à prix libre.

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Et donc, pas une minute trop tôt, voici ma dernière chronique pour le line-up du Ready for Prog? Festival. Last but not least, comme on dit, puisqu’il s’agit de Philosophobia, avec son album de 2025: The Constant Void.

Si les origines de Philosophobia remontent à 2007, avec deux musiciens allemands travaillant sur des compositions avant de rejoindre d’autres projets (Paul Di’Anno pour le guitariste Andreas Ballnus et Kamelot dans le cas du batteur Alex Landeburg). Ils sont finalement revenus sur l’ouvrage en 2020, avec d’autres musiciens (dont Kristoffer Gildenlöw, qui a depuis quitté le groupe) et proposent depuis un metal progressif très nerveux, mais sans sacrifier pour autant la mélodie.

The Constant Void est le deuxième album du groupe. Ce n’est pas un petit gabarit, avec plus d’une heure et onze pistes. Trois d’entre elles durent entre sept et huit minutes et un epic final de vingt minutes conclut l’affaire.

Pour vous donner une idée de Philosophobia, prenez certaines des formations de metal progressif les plus énervées du début des années 2000, comme Pain of Salvation, Redemption ou Evergrey. Ajoutez-y un goût certain pour les duels de guitares et claviers, rappelant parfois Saga, et posez sur le tout sur des thématiques contemporaines, soulignées par des narrations coup de poing, genre « humanity has failed ». Secouez très fort.

Alors, c’est clair que ce n’est pas non plus un mélange façon smoothie: il y a des grumeaux. Mais c’est fait pour: The Constant Void joue sur la juxtaposition des éléments très prog et les passages plus metal méchant. Et ça marche plutôt bien, je trouve. Il y a peut-être un côté rugueux qui risque d’en rebuter certains, mais on ne peut pas nier que le groupe sait ce qu’il fait.

J’en veux pour preuve « The Forgotten », titre en deux parties de près d’une demi-heure au total, la deuxième partie étant l’epic final mentionné précédemment, qui reprend les thèmes musicaux de sa première partie.

Il faut sans doute avoir une certaine appétence pour le côté « à vif » du metal progressif pour apprécier The Constant Void, mais dans tous les cas, on ne peut pas nier que Philosophobia est un groupe impressionnant, que je me réjouis de voir en concert et que vous recommande ici. L’album est sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « The Forgotten, Part I »

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Quasiment dans la foulée de son précédent essai sur la merdification, Cory Doctorow a publié The Reverse Centaur’s Guide to Life after AI, un ouvrage à la taille inversement proportionnelle à la longueur du titre, et qui se présente comme un critique de l’intelligence artificielle… mais pas forcément de la façon dont vous pensez.

Un petit mot sur le titre, justement: qu’est-ce qu’un « centaure inversé »? L’idée, c’est que quelqu’un qui utilise l’IA pour améliorer son travail est un centaure, mais quelqu’un qui, à l’inverse, est utilisé pour améliorer le travail de l’IA est un centaure inversé. Un centaure inversé a une position bien moins enviable qu’un centaure – et l’IA, en l’état actuel, crée beaucoup de centaures inversés.

Correction: la façon dont les managers voient l’IA crée beaucoup de centaures inversés. C’est une distinction importante.

Mais le cœur du problème, tel que le décrit Cory Doctorow, n’est pas forcément là. C’est un effet secondaire extrêmement toxique, mais le principal souci, c’est que tous les discours autour de l’IA ne visent pas les managers, certainement pas le grand public qui fait des affiches hideuses et des illustrations littéralement finies à la pisse (el famoso filtre jaune). Non, leur cible, c’est les investisseurs.

Le développement de l’intelligence artificielle est un gouffre à milliards. À l’heure actuelle, un tiers de la capitalisation boursière américaine est accaparé par des entreprises qui travaillent là-dessus. C’est une bulle massive qui, quand elle va péter – quand, pas si – va faire des dégâts colossaux, bien au-delà de l’industrie de la tech US.

Entendons-nous bien: l’utilisation de l’IA pour remplacer des travailleurs qualifiés et des créatifs n’est pas complètement accidentelle. C’est aussi, nous montre Cory Doctorow, un rêve humide de beaucoup de patrons, qui en ont marre de jouer les gens cools pour se concilier des travailleurs conscients de leur importance. Mais tout le discours autour de son inévitabilité, de son côté disruptif ou révolutionnaire, ainsi que son adoption par le grand public, tout ceci sert à convaincre des investisseurs que c’est un domaine en pleine croissance avec un potentiel énorme de retour sur investissement.

Et c’est peut-être le côté le plus controversé de la thèse de The Reverse Centaur’s Guide to Life after AI. Oui, l’IA pourrit la vie des travailleurs créatifs en leur imposant des objectifs absurdes ou en les remplaçant carrément par des passeurs de prompt. Oui, elle le fait en accaparant des ressources immenses – énergétiques, matérielles, humaines et culturelles. Mais surtout, tout ceci n’est qu’une partie d’une communication, qui parfois joue une partition apocalyptique, destinée à siphonner une quantité totalement déraisonnable de pognon.

Le truc, c’est que Cory Doctorow n’est lui-même pas un anti-IA forcené. Il avoue l’utiliser au quotidien pour certaines tâches (retranscription de podcasts, amélioration de textes) et donne également des exemples d’utilisation positive (notamment, des associations américaines pour les droits humains, qui s’en servent pour recouper des masses cyclopéennes de documents officiels).

Même si j’ai dû interrompre ma lecture de The Reverse Centaur’s Guide to Life after AI pour cravacher sur la sélection du Prix Planète-SF, j’ai été plutôt impressionné par la lecture de cet essai. Les arguments de Cory Doctorow sont plutôt convaincants et son style est agréable à lire. Si vous avez envie de creuser toute cette histoire autour de l’intelligence artificielle et tout le bazar qui va autour, je ne peux que vous le conseiller.

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À un moment, je me demande si la partie la plus compliquée de Radio-Erdorin, ce n’est pas d’écrire les billets qui annoncent l’épisode du mois, désormais disponible sur YouTube et sur Peertube.

Pas la plus longue, notez bien. Mais, avec le temps, une certaine routine s’est installée. Les épisodes sont très formuliques (mes chroniques aussi, d’ailleurs): intro, générique, appel à dons, live-reports quand il y en a, chroniques d’albums, parfois un « bonus », le t-shirt, conclusion, générique de fin.

Bon, techniquement, le montage final est quand même pas trivial, mais là aussi, c’est plus une question de temps que de difficulté. En fait, ça dépend pas mal du nombre d’hésitations et de bafouillages que j’ai commis lors de l’enregistrement. Cet épisode-ci a été plutôt calme de ce point de vue, malgré des phrases passablement complexes. C’est pas pour me jeter des fleurs, mais en réécoutant des passages, j’ai été surpris d’avoir pu balancer des phrases à rallonge sans asphyxie.

Mais, pour en revenir aux « release notes » qui formaient jusqu’à présent ce type de billet, je vais sans doute me diriger vers un format plus axé sur le contenu de l’épisode, en mentionnant les chroniques. Par exemple, pour celui-ci:

CONCERTS

• Star Rats + Critical Heartbeat à Genève
• CrabCore Fest 2026 (Edge of Infinity + Corrupted + Murmur + Brévine)

ALBUMS

• Dymna Lotva: Vyraj
• Sad Serenity: Tiny Miracles
• Course of Fate: Behind the Eclipse
• Kingcrow: Hopium
• Kamelot: Dark Asylum
• Victorius: World War Dinosaur
• Critical Heartbeat: Arise
• Ingrina: Nåværende Lys
• Moonspell: Far from God
• John Carpenter: Cathedral

Il y aura toujours la possibilité d’y adjoindre des notes techniques, si besoin est, mais ce sera moins systématique (et du coup plus facile à écrire; oui, je suis un peu flemmard).

Vous pouvez trouver l’épisode en ligne sur YouTube et sur Peertube.

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Comment sauver le monde (ou les USA; c’est pareil) tout en tentant de reconquérir son ex-épouse, le tout dans une planque pour cause de couverture éparpillée façon puzzle dans la saison précédente? C’est la question à laquelle va tenter de répondre Luke Brummer, son équipe (et une partie de sa famille) dans cette deuxième saison de Fubar.

Fubar, c’est une expression militaire américaine pour quand tout part en vrille. C’est aussi le nom de cette série (américaine elle aussi) qui met en scène Arnold Schwarzenegger, dans le rôle d’un agent de la CIA qui se retrouve à mélanger missions et vie privée de façon pas optimale du tout.

Par rapport à la première saison, le twist amusant ici est que, d’une part, tout le monde est au courant que Luke et sa fille Emma sont des agents de la CIA. Tout le monde, comme dans « tous les gens qui veulent les buter ». Du coup, les voici à devoir cohabiter dans une seule planque: les agents, la famille, les ex. Plus un cochon.

Et, pour ne rien arranger, voici que le premier amour de Luke, une ex-agent de la Stasi du nom de Greta (Cary-Ann Moss), vient se rappeler à son (trop) bon souvenir en travaillant pour un terroriste nihiliste qui veut tuer 90% de la population de la planète (voire plus, si affinités).

Bref, cette nouvelle saison de Fubar reprend la formule de la précédente… mais ça prend moins bien. Certes, il y a toujours des moments de bravoure, des trucs qui partent en vrille pour des motifs débiles, des clins d’œil à la carrière de Schwartzie (un peu déçu que le char qu’il pilote ne soit pas un M47 Patton, mais un M60; les vrais savent).

Mais j’ai l’impression que la série est un peu en roue libre. Elle déroule sa formule en ajoutant des éléments de sit-com, mais sans être 100% convaincante. C’est sympa, mais sans plus.

Cela dit, Fubar reste très distrayant regarder, avec quelques belles scènes d’action (joueurs de Feng Shui, prenez des notes) et des personnages attachants. La série a été annulée, mais si la fin laisse ouverte la possibilité d’une suite, la conclusion est cependant satisfaisante.

Bonus: la bande-annonce

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Le tout-venant a été piraté par les mômes, on se risque sur le bizarre ? Ben va bien falloir, si je veux finir de poutzer les six groupes qui seront à l’affiche du Ready for Prog? Donc, go Pathways, le dernier album en date d’After Lapse.

Fondée en 2018 par d’anciens membres de Delyriüm, After Lapse est une formation espagnole qui compte six membres et qui propose du metal progressif. Le groupe avoue des influences Dream Theater, Devin Townsend et Haken, ce qui ne surprendra pas grand-monde, mais aussi vers le power-metal, ce qui est plus étonnant.

Pathways, sorti en 2024, est le deuxième album du groupe. Il dure trois quarts d’heure (plus une piste-bonus acoustique) et compte neuf titres plutôt courts, entre trois et six minutes.

Des trois influences sus-mentionnées, les deux dernières me semblent beaucoup plus évidentes que la première. After Lapse joue assez clairement dans la cour de ses contemporains plus que des pionniers du genre. Les compositions sonnent très modernes, flirtant parfois avec des sonorités électro.

Ce qui m’a marqué à l’écoute de Pathways, c’est l’accent mis sur l’énergie et l’enthousiasme, couplés à la prouesse technique. Les musiciens y vont à fond et n’hésitent pas à se lancer dans des acrobaties impressionnantes.

Il y aura des choses à dire à propos de l’originalité de l’ensemble – quelques influences pas toujours bien digérées, genre deux-trois titres qui auraient pu se retrouver sur Affinity – mais dans l’intensité du moment, ça passe sans trop de soucis.

Pour autant qu’on puisse parle de « tubes » en metal progressif, des titres comme « Clones », Thanks But No Thanks » ont un côté imparable.

After Lapse propose donc, avec Pathways, un album de metal progressif moderne, technique et énergique. Pas follement original, mais solide et hautement recommandable.

Bonus: la vidéo de « Clones »

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