Salvinia, rateline de son état et libraire de son métier, a tout ce dont elle rêve, sauf… l’aventure. Jusqu’à une soirée trop avinée, qui sert de point de départ à Canailles & Couteaux, le nouveau roman de Travis Baldree.

La soirée avinée en question se conclut en effet par une rateline qui se glisse dans un chariot bâché à la faveur de la nuit. Sur le moment, ça lui semblait une bonne idée. Sauf qu’elle se retrouve en compagnie d’une légendaire combattante elfe qui convoie une prisonnière gobeline. Prisonnière que beaucoup de gens convoitent. Et combattante qui n’est pas très enthousiaste par sa passagère clandestine.

S’en suit un voyage ponctué par des rencontres pas toujours sympathiques, des tempêtes de neige, des mercenaires louches, des créatures monstrueuses, un culte inquiétant et même quelques livres. Bref, l’aventure.

Travis Baldree continue ici son exploration de la cosy-fantasy et des titres façon Alliterations & Ampersands, à l’image d’un certain jeu de rôle (et de plusieurs autres, en fait). Canailles & Couteaux réussit l’exploit d’être à la fois une suite de Légendes & Lattes et de Sagas et Sable d’os, qui pourtant se déroulait vingt ans plus tôt.

Au reste, dans ce tome-ci, le côté cosy est peut-être moins évident: foin des librairies accueillantes et des cafés chaleureux, le récit nous envoie sur des routes froides et pluvieuses, voire sur des chemins de montagne enneigés ou dans des villes au bord de la guerre. Ça bastonne aussi sec, même si Salvinia reste prudemment en retrait la plupart du temps.

Cela dit, pour la baston, on peut compter sur Astryx Lesgourde, la légendaire chasseuse elfe, et sa non moins légendaire Lame ancienne. Et, dans une moindre mesure, Zyll, la gobeline, et son invraisemblable gabardine composée de centaines de poches cousues ensemble. Ce qui s’explique par le fait que le phénomène a tendance à rafler tout ce qui n’est pas boulonné au sol, avec une nette préférence pour les couverts. Ce qui explique pourquoi elle est en possession d’un… couteau à pain légendaire.

Oui, il y a beaucoup de choses légendaires, dans cette histoire.

Ce changement de décor est plutôt une bonne chose. Comme mentionné plus haut, le lecteur perd peut-être un peu du côté cosy, mais plonge plus dans l’aspect fantasy du Territoire, la région dans laquelle se déroulent les histoires. J’ai retrouvé pas mal des ambiances des parties de jeu de rôle qui ne se prennent pas au sérieux, avec les épées magiques qui se la pètent et les personnages qui sont, soit complètement incompétents, soit qui font n’importe quoi ou presque. Parfois les deux.

J’ai aussi ressenti un net effort du côté du contexte, avec des description qui ajoutent de la profondeur au monde – même si ça reste un décor de carton-pâte avec assez peu de cohérence politique ou économique visible. De plus, j’ai aussi eu l’impression que Travis Baldree jouait un peu plus avec son style, avec notamment des descriptions assez amusantes.

Par contre, je ne suis pas très fan de certaines traductions des noms (« Astryx Lesgourde », pour une elfe avec une oreille coupée, sérieux?…). Mais c’est assez mineur – et, bonne nouvelle, je n’ai pas vu de problèmes typographiques comme dans le précédent tome.

Très bon cru, donc, pour ce nouveau tome. Si vous n’avez pas lu les deux précédents, je pense qu’il est préférable de commencer par là avant d’attaquer Canailles & Couteaux. L’intrigue tient debout raisonnablement seule, mais il y a quand même pas mal de références qui risquent de vous perdre. Mais fondamentalement, si vous aimez une fantasy plutôt légère, c’est un ouvrage – et une série – très recommandable.

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Kamelot, c’est un peu un plaisir coupable: le groupe de power-metal symphonique limite certifié ISO, prévisible mais sympa. Dark Asylum, leur nouvel album, ne déroge pas à cette règle.

Fondé en 1991 par le guitariste américain Thomas Youngblood, Kamelot est un groupe à la composition internationale (un batteur et un claviériste allemand et un chanteur suédois) qui propose donc, un power-metal symphonique très classique, mais redoutablement efficace.

Dark Asylum est le quatorzième opus du groupe, un concept-album de plus de cinquante minutes découpé en quinze pistes. Si les compositions sont plutôt courtes – rien de plus de cinq minutes – il y a quand même dans le lot quatre « virgules » de deux minutes ou moins.

Bon, quand je dis que c’est un concept-album, je répète surtout ce qu’écrit le groupe. C’est une histoire de folie et de salut dans un univers de science-fiction néo-victorien. Bon, musicalement, c'est un peu décousu pour ma propre définition de « concept-album », mais il faut leur laisser ça, c’est visuellement complètement raccord.

Et c’est peut-être la plus grande force de Kamelot: ce n’est peut-être pas le groupe le plus original de la planète metal – ni même de la planète power-metal symphonique, c’est dire – mais ils s’y entendent (sans jeu de mot) pour nous livrer des titres soignés et millimétrés.

Les musiciens sont plus que compétents (mention spéciale au chanteur, Tommy Karevik), les parties symphoniques grandioses à souhait et la production plus que solide. L’ensemble est rehaussé par un quarteron d’invités prestigieux: plusieurs chanteuses parmi lesquelles Clémentine Delauney (Visions of Atlantis) et la chilienne Ignacia Fernández, mais aussi Tobias Sammet (Avantasia).

Dark Asylum, c’est quand même une avalanche de titres qui tapent juste, qui font remuer la nuque et qui donnent envie de monter à l’assaut du forteresse gothique avec une mitrailleuse laser et une épée de la taille d’une pale d’hélicoptère (gabardine en cuir et trente-sept ceintures pas en option). Certes, c’est plus cliché que toute ma page Flickr (plus de 20 000 photos quand même), mais c’est pas grave.

On peut regretter que, après trente-cinq ans de service, Kamelot fasse encore du Kamelot, mais à l’écoute de Dark Asylum, on ne peut pas nier qu’ils le fassent bien.

L’album est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Sanctuary »

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Europe, futur beaucoup trop proche. Le climat qui se délite, les institutions étatiques aussi, l’effondrement qui accélère. Demain, les origines est un roman de Christian Chavassieux qui parle de violence, de haine, de guerres, mais aussi de foi, de solidarité et d’humanité.

On y suit plusieurs personnages, parfois anecdotiques, plus souvent des acteurs majeurs de l’époque – même si c’est souvent à leur corps défendant (cette expression n’étant pas qu’une métaphore). Une époque marquée par les catastrophes du dérèglement climatique, mais aussi les guerres et génocides, pendant qu’un petit groupe de scientifiques et d’industriels sans scrupules continuent, dans une relative aisance, des recherches souvent libérées des tabous de l’ancien monde. C’est le clair-obscur duquel surgissent des monstres, pour reprendre l’expression de Gramsci.

Si j’étais taquin, je dirais que Demain, les origines est un roman optimiste: il situe la grande canicule qui marque le premier signe visible de l’effondrement à l’année 2028. Rigole en 2026. Mais en vrai, je n’ai pas trop envie d’être taquin. Le post-apocalyptique est un genre que j’évite de plus en plus, parce qu’il s’apparente de moins en moins à de la science-fiction et celui-ci tape vraiment trop près de mon petit confort. S’il n’avait pas été parmi les nominés du Prix Planète-SF des blogueurs, j’aurais sans doute fait l’impasse.

Je dois cependant dire que si la lecture a été difficile et souvent déprimante, je ne l’ai pas regretté. Il y a quelques idées très intéressantes, beaucoup de recherches qui rendent l’ensemble crédible, des péripéties prenantes et des personnages somme toute plutôt attachants. J'ai apprécié les nombreux passages qui mettaient en avant la coopération et la solidarité entre les survivants.

Je suis beaucoup, mais alors beaucoup moins fan de certaines scènes de cruauté qui, de plus, sonnent souvent gratuites, voire cliché. Ça a un côté « dârque pour faire dârque », à la limite du complaisant.

Je n’accroche pas non plus aux avancées scientifiques ahurissantes qui apparaissent au long du chemin; l’idée que la science puisse progresser aussi vite en moins d’un demi-siècle et au milieu des guerres et des pénuries, couplées à l’effondrement des systèmes d’éducation, me semble peu crédible.

Un autre aspect qui me dérange, plus anecdotique, ce sont les noms des lieux, qui mélangent vraies nations et fausses villes (par exemple, la France et Carcosa). Ça casse le côté réaliste du reste du contexte – et le fait de poser une ville qui s’appelle Terruel en Suisse (ou pas loin) me fait un chouïa grincer des dents.

Enfin, il y a la structure du bouquin. Enfin, des bouquins. Parce que si Demain, les origines est ici un ouvrage de près de 600 pages dans sa version papier, c’est en fait la compilation de plusieurs ouvrages écrits par Christian Chavassieux en prologue à d’autres de ses romans, comme Mausolées ou Les Nefs de Pangée. Et comme je ne les ai pas lu, je ne l’ai appris qu’en faisant quelques recherches avant d’écrire cette chronique.

Ça explique le côté pas mal décousu, parfois frustrant de cette fresque. En la lisant, je me suis souvent dit « voilà un bouquin que j’aurais peut-être préféré lire en plusieurs volumes ». Et ça explique aussi une vague impression qu’il y avait plus derrière le contexte, avec notamment des clins d’œil pour initiés.

Je dis beaucoup de mal, mais si je pense que Demain, les origines a objectivement quelques défauts, c’est surtout un bouquin qui n’est pas fait pour moi. Ah, critique de SF: plus qu’un métier, un sacerdoce! Mais bon, si vous êtes plus amateur de post-apo que moi (et moins sensible et l’air du temps, peut-être), c’est un roman tout à fait recommandable.

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Pour définir ce concert, je dirais bien « j’ai vu de la lumière, je suis monté ». Sauf que la salle est en sous-sol. Bref, je suis allé voir la release-party du nouvel album de Critical Heartbeat, Arise, dans la salle de concert de Floky la Loutre. Et, en fait de loutres, il y avait un groupe nommé Star Rats en première partie. Oui, c’est un peu compliqué, mais je vais déballer ça.

À l’origine, il y a un groupe genevois qui fait du metal et qui s’appelle Critical Heartbeat. Je vous en avais brièvement parlé il y a quelques années et ils ont sorti un nouvel album, qui s’appelle Arise. Du coup, ils font une release-party sur deux soirs.

Pour ce concert, ils ont choisi un lieu qui répond au nom improbable de Floky la Loutre. Il m’a fallu un moment pour reconnaître la Taverne de la République, où j’avais déjà vu pas mal de groupes – locaux ou pas. C’est un bar dans le centre de Genève, pas très loin de La Citadelle, qui a une salle de concert en sous-sol. Enfin, limite un placard de concert: on doit arriver à y caser cinquante spectateurs si personne n’éternue.

Et donc, en première partie, c’est un jeune groupe local, Star Rats. Quatre personnes sur scène, qui jouent principalement des reprises grunge et alt-rock. Bon, ce n’est pas exactement mon genre musical préféré; question de génération, je suppose.

Je dois cependant leur laisser ça: ce sont des musiciens avec un bon niveau et, surtout, beaucoup d’énergie et d’enthousiasme. C’est important, surtout devant un public plutôt nombreux et, lui aussi, enthousiaste.

Une pause-bière et un changement de scène plus tard, c’est au tour de Critical Heartbeat de prendre possession du plac… de la scène. Au reste, je ne sais pas si c’est dû à l’espace limité, mais ils ne sont que trois: Léo à la batterie, Ben à la basse et André, chanteur et guitariste.

Cela dit, trois, c’est largement suffisant pour faire du metal. Et le groupe balance une impressionnante démonstration d’énergie, avec un metal assez classique, aux aspects thrashisants. Le public est plutôt enthousiaste, surtout quand André saute dans la fosse pour jouer au milieu de la (petite) foule.

Petit concert, donc, dans une petite salle, mais un très bon moment quand même, l’idéal pour se remettre en selle après un été un peu vide. Je suis content d’avoir pu voir Critical Heartbeat en concert – enfin! – et d’avoir pu récupérer au passage leur nouvel album, Arise (chroniqué il y a peu).

Et content aussi d’avoir pu renouer avec cette salle aussi petite que sympathique. Comme mentionné par un spectateur d’un de mes récents directs, cinquante personnes, ça suffit largement pour faire un chouette concert.

Cette chronique est également disponible en vidéo, sur YouTube et sur Peertube, et vous avez également une galerie de photos sur Flickr.

https://www.youtube.com/watch?v=9kqHHmV96DI

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Après un premier contact avec une civilisation extra-terrestre très avancée, la Terre vit en paix et essaye d’intégrer le grand maillage intergalactique. Dans ce contexte, Lapinot et Richard vont accompagner une artiste sur une planète lointaine dans sa quête pour l’Art total.

Le problème, c’est qu’avec plusieurs milliards de civilisations ayant vécu des milliers d’années, l’originalité n’existe pas vraiment: tout a déjà été fait. L'autre problème, certes un peu secondaire, c’est que choisir Richard comme ambassadeur de la Terre n’est peut-être pas l’idée du siècle.

J’ai un peu l’impression qu’avec Lapinot, Lewis Trondheim poursuit un travail de démontage – ou plutôt de subversion – des clichés. Dans Art total, c’est la science-fiction qui y passe et, somme toute, c’est assez bluffant. Peut-être aussi parce que le trait a un côté « Blake et Mortimer pour enfants », à la fois naïf et suranné, qui contraste avec la profondeur du propos.

Autant j’avais été extrêmement réservé à la lecture du Chapeau maudit, la précédente aventure de Lapinot, autant ce dix-huitième tome est franchement impressionnant, avec notamment un retournement final que je n’avais pas vu venir.

Cette chronique est volontairement un peu brève, parce qu'il est difficile de parler d'Art total sans en révéler des points importants, qui gâcherait, à mon avis, le plaisir de la lecture. Je ne peux que dire ceci: lisez cette BD, elle est bien! Et si vous connaissez l'univers de Tigres Volants / Erdorin:2300, je rajouterais ceci: Art siyansk.

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Consommer local, y’a que ça de vrai! Bon, probablement pas pour tout, mais à Genève, on a la chance d’avoir une scène metal très respectable. Et, parmi les groupes du terroir, il y a Critical Heartbeat, qui vient de sortir son nouvel album, Arise.

Critical Heartbeat existe depuis 2012, un trio établi d’abord comme un groupe de reprises. La formation a ensuite commencé à sortir ses propres compositions, dans un style heavy-metal mâtiné de thrash à la fois classique, dans les compositions, et moderne, pour ce qui est du son et de l’intensité.

Arise est leur troisième opus; il dure un peu moins d’une heure et compte dix titres. La plupart des pistes sont plutôt longues, avec la moitié approchant ou dépassant les six minutes – jusqu’à neuf minutes et demie.

On va commencer par l’éléphant dans la pièce. Vous allez rire: c’est le même que pour Sad Serenity, à savoir la pochette en IAGen. Perso, ça ne me fait pas rire, mais je vais faire quand même une exception, parce que… ok, parce que copinage, voila! Mais on en reparlera avec les principaux intéressés.

La bonne nouvelle, c’est que le reste de l’album est purement human-made. Je ne pense pas qu’une IA puisse alterner metal, nu-metal et thrash avec vocaux agressifs comme sur « Searching for Paradise », par exemple. Et c’est la force de Critical Heartbeat: beaucoup d’énergie et d’intensité, ainsi que des passages instrumentaux souvent éblouissants.

Comme sur le précédent, Arise compte une piste en portugais, « Cicatrizes do Hábito » – c’est même la plus longue de l’album – et également quelques passages dans cette langue sur la piste finale acoustique « Two Faces ».

Si, objectivement, Arise est un bon album, je ne suis pas forcément très enthousiaste. À mon goût, c’est un metal un peu trop… basique, peut-être? Critical Heartbeat a cependant la technique et l’énergie de son côté. Si vous aimez votre metal en mode carré de chez carré, vous trouverez l’album sur Bandcamp.

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Pas de vidéo.

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Paula et Stan est un couple de Français moyens, pas mariés mais presque, louant un petit pavillon et passant ses soirées devant la télé. Jusqu’au jour où, surgissant d’un placard, Albert fracasse l’engin. C’est le départ de La Vie très horrifique de Paula et Stan face à l’inhibiteur de volonté, roman déjanté que l’on doit à Karim Berrouka.

L’individu est connu de longue date de nos services, non seulement pour ses romans fantastiques (et aussi passablement fantasques), comme Le Club des punks contre l’apocalypse zombie ou Celle qui n’avait pas peur de Cthulhu, mais aussi pour son activité au sein du groupe Ludwig von 88. Il y a des gens qui ont un passé, d’autres qui ont un passif; passons.

Et, disons-le tout net, si vous avez déjà lu un de ses ouvrages, vous serez ici en terrain de connaissance. On y retrouve la critique sociale sous la forme d’une pochade qui déboule à 666 km/h, à moins que ce ne soit le contraire. Le couple titulaire se retrouve embarqué dans des aventures rocambolesques au fin fond du Myanmar, à crapahuter dans la jungle en compagnie d’Albert, amnésique, mais déterminé.

Ils seront confrontés à divers acteurs bien décidés à les coller devant une télé et les y laisser s’abriter jusqu’à la consommation des siècles. Dans l’ordre: une hôtesse de l’air, un pré-adolescent entrepreneur et, enfin, une secte emmenée par Christ Televisor en personne. Et quand je dis « confronté », il faut comprendre que ça se termine souvent par une bagarre générale, des défenestrations ou des explosions. Voire les trois.

La forme est aussi particulière, avec Karim Berrouka qui s’amuse régulièrement à introduire différents chapitres en glosant sur les lieux communs de telle ou telle scène… avant de faire exactement la même chose.

Tout ceci fait de La Vie très horrifique de Paula et Stan face à l’inhibiteur de volonté un roman assez amusant à lire, avec quelques passages franchement marrants et quelques trouvailles sympas, mais c’est un peu du « vite lu, vite oublié. » Un peu.

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L’air de rien, ça va faire pas loin de quarante ans que le metal progressif existe. Et, du coup, il est un peu normal de ne plus ressentir le même degré d’excitation, surtout quand on en a écouté des palettes et qu’il devient de plus en plus difficile aux nouveaux groupes d’avoir leur nouveau son. Ainsi, quand un nouveau projet comme Sad Serenity arrive avec un album – ici Tiny Miracles – il est tentant de comparer avec ce qui existe, en oubliant parfois la qualité intrinsèque.

Tout ceci pour vous dire que Sad Serenity est le projet d’un multi-instrumentiste allemand, Marcell Kämmerer, apparu au début de cette décennie. Rejoint sur cet album par Vinny Silva à la batterie et George Margaritopoulos au chant, il propose un metal progressif empruntant beaucoup à Dream Theater et à Haken, avec un flair particulier pour les longues compositions et une identité propre.

Tiny Miracles est le deuxième album du projet et, quand je parle de longues compositions, il ne fait pas semblant: trois des six titres dépassent les dix minutes – jusqu’à vingt-trois minutes – deux autres entre huit et neuf minutes et le sixième ne faisant « que » six minutes. Et, au total, l’opus dure une heure et onze minutes.

On va déjà parler de l’éléphant numérique dans la pièce: oui, les visuels de l’album sont en IA générative. J’en ai parlé avec un représentant du groupe via tchat et il m’a dit que c’était une expérimentation et qu’il n’était pas certain qu’il la renouvelle. Dont acte. Je sais que j’avais dit ne pas vouloir chroniquer d’album avec des couvertures en IAGen, mais j’avais aussi prévenu qu’il y aurait des exceptions.

Bref. Passons aux choses séri… oui, enfin, bon.

Comme mentionné, Sad Serenity, c’est un metal progressif somme toute très classique. L’auditeur avisé n’aura aucun mal à y retrouver des influences venues des grands noms du genre, à commencer par Dream Theater (période des grands epics) et Haken (période Visions qui, objectivement, est aussi leur album qui ressemble le plus à Dream Theater).

Maintenant, si je dis « influences », c’est bien parce qu’à mon avis, on est dans le registre de l’inspiration, pas du worship, voire de la copie pure et simple. Le projet sait s’éloigner de son glorieux (et encombrant) modèle pour aller chercher des idées du côté du rock progressif plus classique, avec ça et là des touches de folk.

Surtout, Tiny Miracles repose sur deux éléments-clés. D’une part, un soin particulier apporté à des compositions longues, voire très longues. Il n’hésite pas, par exemple, à ouvrir sur « A Cabin in the Woods » qui culmine à plus de quatorze minutes. Et ce n’est jamais ennuyeux. D’autre part, George Margaritopoulos (du groupe grec de power-metal Wardrum, où officiait précédemment un certain Yannis Papadopoulos) est un chanteur de tout premier plan et il apporte un souffle et une intensité supplémentaire aux titres de l’album (qui n’en manquent déjà pas de base).

Si on ajoute à cela la virtuosité certaine de Marcell Kämmerer et une production aux petits ognons, on obtient un album de metal progressif de très haute qualité. Malgré la faute de goût de la pochette, je ne peux que vous recommander Tiny Miracles. Sad Serenity signe ici ce qui pourrait bien être un des meilleurs albums de metal progressif en 2026. Il est disponible sur Bandcamp.

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Bonus, la vidéo de « Torn »

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Après un an de hiatus, le Arcana Festival revient! Enfin, plus ou moins; c’est compliqué. Festival suisse romand de l’imaginaire, l’événement avait été annulé à la dernière minute en 2025 et il a été réactivé, aussi à la dernière minute, dans un nouveau site: le Château d’Allaman.

Pour les non-Suisses qui suivent ce blog, Allaman est une petite ville au bord du Lac, en gros entre Genève et Lausanne (mais plus proche du second). Son château, attesté depuis le XIIIe siècle, a accueilli en 1820 une « Society of Peace » qui est devenu un siècle plus tard la Société des Nations, puis l’ONU.

Plus qu’un simple château, c’est tout un domaine, avec le bâtiment central, des jardins et quelques bâtiments annexes, plus des tentes installées dans les jardins. Une grande partie du festival était d’ailleurs en extérieur, avec les food-trucks et quelques stands de bouffe dans la cour (plus une des deux scènes), un village médiéval dans les fossés et même du tir à l’arc.

L’endroit a clairement du cachet et l’installation est plutôt impressionnante. Mais je n’ai pas été entièrement convaincu par les lieux, surtout en intérieur: les accès forment une sorte de « sens de visite » obligatoire et, beaucoup plus ennuyeux, le nombre de personne pouvant être dans certains intérieurs (notamment le château) est limité.

Je peux comprendre la raison: c’est un monument historique et certaines pièces sont dans les combles, avec un plancher pas particulièrement adapté aux hordes geekesques. Mais ce n’est pas idéal et, par exemple, l’accès au château nécessitait de passer par une file d’attente conséquente.

Du coup, si on avait un temps considéré prendre un stand avec 2D Sans Faces, c’est plutôt une bonne chose qu’on ne l’ait pas fait: le lieu de se prête pas vraiment au jeu de rôle, ou alors il faudra sérieusement revisiter l’agencement des salles et des stands. Beausobre avait ses défauts, mais on avait un moyen d’installer une ou deux tables de démo derrière notre stand.

Je râlerais aussi sur les scènes en plein cagnard au moment des « gros » événements, comme le concours cosplay. Je me suis retrouvé avec un coup de soleil gigantesque le samedi soir – certes, j’aurais dû prendre un chapeau, mais je pense ne pas avoir été le seul. Et encore, on a eu de la chance que la météo soit belle: sous la pluie, ça aurait été nettement moins engageant.

Arcana Festival, toutes proportions gardées, a un petit côté Trolls & Légendes qui n’est pas pour me déplaire – avec les aspects japonisants en plus. Je trouve dommage que les aspects ludiques ne soient pas mieux représentés et que les spécificités du lieu en rendent aussi l’accès beaucoup plus compliqué. Et pas que pour les bipèdes (relativement) jeunes et (relativement) valides: les personnes avec des difficultés à se déplacer n’étaient pas à la fête, avec du gravier, des escaliers et des rampes plutôt raides. À la décharge de l’organisation, elle a fait des efforts pour identifier les accès problématiques.

Pour ma part, ce fut surtout un week-end en semi-touriste / photographe-pas-vraiment-officiel. Il y aura donc une galerie, mais j’ai juste 3100 clichés à trier et retoucher… Donc, oui, il y aura une galerie, mais… plus tard.

EDIT: Galerie enfin finalisée et en ligne. Un peu plus de 200 photos au final, toujours sous licence Creative Commons (CC-BY).

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Et alors qu’on aurait pu se dire que la course à l’Album de l’Année 2026 est pliée, voici que déboule dans le dernier virage Dymna Lotva et son nouvel album, Vyraj. Et, soudainement, du côté de A Forest of Stars, on commence à transpirer…

Fondé en 2015, Dymna Lotva est un quatuor originaire du Belarus. Je dis « originaire » parce qu’il est tellement mal vu par les autorités du pays que le groupe s’est délocalisé en Pologne (via la Russie et l’Ukraine occupée; si vous lisez l’anglais, cet article raconte leur odyssée). En 2025, il a même fait l’objet de poursuites judiciaires. Leur musique hante les frontières entre post-metal et black-metal.

Vyraj est leur quatrième album. S’il ne dure que trois quarts d’heure, avec six pistes entre quatre et cinq minutes, une de sept et une dernière de huit, c’est un album dense.

Comme son prédécesseur, The Land under the Black Wings: Blood, Vyraj (du nom des terres que survolent les âmes des morts et les oiseaux migrateurs, dans les mythologies slaves) ne fait pas dans la tendresse. C’est une musique agressive, sombre et intense, qui ne laisse que peu d’espaces pour reprendre son souffle. Même ses moments plus calmes ont une tension interne.

Un des éléments les plus distinctifs, c’est la voix de Nokt Aeon, la chanteuse, parfois lyrique, parfois en clair, le plus souvent hurlant sa rage à la face du monde. Détail qui a son importance: elle chante en biélorusse; la culture de son pays d’origine est également présente dans quelques éléments de musique traditionnelle, ainsi que dans certains thèmes abordés dans l’album (à commencer par son titre, d’ailleurs).

Dymna Lotva peut paraître ici moins brutal que dans son précédent album, mais c’est une impression qui, à mon avis, est faussée par le fait que l’album est plus court. J’ai le sentiment que les compositions sont plus complexes (oui, ça veut un peu dire « prog ») et également plus maîtrisées. L’ensemble a souvent un aspect épique, même si c’est une face plus sombre que d’habitude.

Je vous avais prévenu en introduction: avec Viraj, Dymna Lotva vient quelque peu bousculer le classement de l’album de l’année. Difficile de dire à ce stade s’il se hissera tout en haut – pas que je veuille faire du suspens, moi-même je ne sais pas – mais c’est en tout les cas un des albums les plus puissants de 2026 et je vous en recommande instamment l’écoute.

Il est disponible sur Bandcamp.

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Bonus: la vidéo de « Return My Coffin Home », qui conclut l’album

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